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Um samurai no Período Sengoku

1. Review do Onimusha: Warlords – História

A trama do jogo nos coloca na pele de Samanosuke Akechi um ano depois da Batalha de Okehazama, um evento real que ocorreu no ano de 1560 durante o período Sengoku, no Japão. Samanosuke é um personagem fictício, assim como o verdadeiro começo da história de Onimusha, mas ele é inspirado em figuras históricas reais do clã Akechi. A principal inspiração é o general Akechi Mitsuhide, famoso devido ao Incidente de Honnõ-ji (1582), quando ele traiu o lendário Oda Nobunaga, que veio a falecer durante o evento. O que a Capcom fez com a trama foi o clássico “e se”, mostrando o que poderia ter acontecido se Nobunaga retornasse como uma entidade demoníaca.

Em Onimusha: Warlords, Oda Nobunaga supostamente morre na Batalha de Okehazama, embora tenha se saído vitorioso. Então, um ano depois, Samanosuke recebe uma carta da Princesa Yuki, que lhe enviara um pedido de socorro. Segundo ela, o Castelo de Inabayama havia sido tomado por forças demoníacas conhecidas como Genma e que eram lideradas por um Oda Nobunaga ressuscitado das trevas. O castelo, por sinal, também existe na vida real e, atualmente, é conhecido como Castelo de Gifu.

Em sua missão, Samanosuke tem a ajuda da kunoichi Kaede e ainda recebe uma manopla, a Oni Gautlet, que é utilizada para absorver as almas dos demônios derrotados e, como consequência, receber novos poderes. Trata-se de uma narrativa clássica, com vilões memoráveis e toda a atmosfera que mistura fatos reais com fantasia sombria e horror sobrenatural.

Resident Evil de espadas

2. Review do Onimusha: Warlords – Jogabilidade

Jogo da Capcom com características de Resident Evil? O projeto só pode ter sido liderado por Shinji Mikami, certo? Errado, mas quem dirigiu Onimusha Jun Takeuchi, que trabalhou em Resident Evil (1996) e em Resident Evil 2 (1998). Também esteve na produção Keiji Inafune, famoso por ser o principal nome por trás da franquia Mega Man, mas o game protagonizado por Samanosuke ficou com a alma do Survival Horror da Capcom. A verdade é que a ideia original de Onimusha era um literal Resident Evil no Japão feudal e no PS1, mas foi decidido pela criação de uma nova IP. A decisão se mostrou acertada, visto que o jogo virou uma trilogia muito popular nos anos 2000.

Apesar das mudanças de rumo, Onimusha apresentou as seguintes características de Resident Evil em sua jogabilidade: câmeras fixas, inimigos “grotescos” (demônios no lugar dos zumbis), o sistema semelhante de salvamento, a exploração de cenários fechados com muitos puzzles e backtracking, e o clima de tensão típico de um jogo com essa temática mais sombria. Entretanto, é claro que o game do PS2 possui sua própria identidade com os combates de espada e o sistema de absorção de almas. O destaque fica para sua mecânica central, o Issen, um recompensador contra-ataque que exige timing e habilidade do jogador.

Uma abertura de milhões

4. Review do Onimusha: Warlords – Gráficos

A espetacular introdução de Onimusha: Warlords custou milhões de dólares para a Capcom. O marketing como um todo custou algo entre US$ 5 milhões e US$ 10 milhões, valores que eram ainda mais impressionantes para a época. Assim, é possível imaginar o quanto a desenvolvedora queria impactar os jogadores com seus visuais, fosse na introdução ou durante a jogatina. Os cenários pré-renderizados eram muito detalhados, ao ponto de se assemelharem a pinturas a óleo. Ao mesmo tempo, os modelos dos personagens apresentavam expressões faciais e ótima sincronia labial, colocando Onimusha à frente de qualquer lançamento do PS2. Um espetáculo!

A polêmica musical

4. Review do Onimusha: Warlords – Música

Por anos, os créditos da trilha sonora de Onimusha: Warlods foi dado a Mamoru Samuragochi, um suposto compositor que alegava ser surdo e que, por isso, era conhecido como “Beethoven Japonês”. Entretanto, anos depois, descobriu-se que ele era uma farsa. Foi revelado em 2014 que Samuragochi não era surdo de verdade e que maior parte de seu trabalho realizado desde 1996 foi feito por um ghostwriter que ele contratou, o verdadeiro gênio técnico chamado Takashi Niigaki.

A revelação foi feita pelo próprio Niigaki, que alegava ter medo de destruir a carreira de Samuragochi e dizia até sofrer chantagens dele, como ameaças de suicídio. O verdadeiro compositor se cansou apenas em 2014, quando soube que as músicas do farsante seriam utilizadas até nas Olimpíadas de Inverno. O escândalo foi tão grave que a Capcom não utilizou das músicas originais no remaster de 2019, o que gerou críticas dos fãs.

Falando das músicas originais, o orquestral japonês é um espetáculo, ditando o peso de cada batalha e de cada exploração. Destacam-se músicas como Samanosuke Theme, Waterfall Mountain e Gale.

Vale a pena?

5. Review do Onimusha: Warlords – Conclusão

Onimusha: Warlords é um jogo deu aulas de como fazer um jogo espetacular sem a necessidade de coloca dezenas de horas de gameplay. Com cerca de 4 a 6 horas de jogatina, o jogo entrega uma experiência épica, com uma união praticamente perfeita entre o terror e a ação. Um fantástico primeiro passo de uma franquia que merecia ainda mais reconhecimento.

Feliz aniversário de 25 anos, Onimusha: Warlords!

Fontes: Eurogamer e Gamefaqs

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Roxas, Sora, Organization XIII e Mais

Review do Kingdom Hearts II: História

A história de Kingdom Hearts como um todo pode exigir bastante da atenção do jogador durante a jogatina, pois ela é um pouco mais complexa do que todos imaginavam. Originalmente, os eventos de Kingdom Hearts II se passavam após os acontecimentos de Kingdom Hearts: Chain of Memories (2004), jogo lançado para o Game Boy Advance. Entretanto, em 2009, foi lançado para o Nintendo DS Kingdom Hearts 358/2 Days, que tem seus eventos ocorrendo entre Chain of Memories e Kingdom Hearts II. Como já mencionamos, é uma história que pode ser bastante confusa, mas com um pouco de esforço a gente começa a entender.

Kingdom Hearts II inicia com Roxas, o “Nobody” do protagonista Sora. Mas, o que seria um nobody? Também não é tão simples assim de explicar. Em resumo, são cascas vazias, o corpo e a alma deixados para trás de uma pessoa que perdeu seu coração para a escuridão e se tornou um Heartless. São seres que, teoricamente, não existem, mas retém memórias e podem desenvolver novos corações. Geralmente, eles aparecem como servos ou membros poderosos da Organization XIII.

Sora, Pateta (Goofy) e Donald estiveram adormecidos no último ano para que pudessem recuperar suas memórias perdidas. Roxas está preso em uma simulação de Twilight Town que foi criada pelo complexo personagem DiZ. O objetivo de DiZ é fundir Roxas com seu “eu original” e, assim, restaurar o poder de Sora. A Organization XIII tenta impedir que isso ocorra, mas Roxas consegue evitá-los e se fundir com Sora, ao mesmo tempo que Donald e Pateta despertam também.

Após este longo prólogo, o trio inseparável encontra com o Rei Mickey e Yen Sid. Eles enviam os três a uma jornada para encontrar Riku e descobrir os planos da Organization XIII. No caminho, eles passam por icônicos mundos da Disney, como Mulan, Piratas do Caribe e Hércules, até encontrarem Xemnas, o verdadeiro antagonista e “final boss” em Kingdom Hearts II.

Um Action RPG de Muito Respeito

Review do Kingdom Hearts II: Jogabilidade

Aqui está um dos pontos mais elogiados de Kingdom Hearts II. Seu estilo de gameplay envolve elementos de Action RPG e hack’n slash, tudo na perspectiva em terceira pessoa e o combate ocorrendo em tempo real. É semelhante ao Kingdom Hearts (2002), mas com muitos refinamentos e melhorias, como na câmera, um dos elementos mais criticados no game de 2002. Kingdom Hearts II, teoricamente, é um jogo com a história principal bastante linear e contada por cutscenes, mas o conteúdo que existe no jogo é imenso ao ponto de beirar o impossível o jogador não se interessar em explorar cada side-quest e mistério extras que existem em cada canto. Afinal de contas, quem não gostaria de se desafiar na temida Hades Paradox Cup ou encarar o chefe opcional Sephiroth, de Final Fantasy VII?

A base de Kingdom Hearts II é o hack’n slash, com o jogador podendo atacar no corpo a corpo os inimigos com a “Keyblade” de Sora. Ao mesmo tempo, temos um menu no canto inferior esquerdo, o “Commands”, que nos possibilita a usar magias, itens, entre outros. Destacam-se as “Drive Forms“, que faz com que Sora se funda com seus aliados para adquirir uma forma temporária, mais poderosa e com um estilo de luta e movimentação diferentes. Já no menu principal, ainda podemos escolher as magias de ação ou de suporte, baseadas na quantidade de AP que possuímos.

A grande novidade em Kingdom Hearts II ficou para os “Reaction Commands“. Eles trouxeram um grande dinamismo para as batalhas com suas funções de criar combos contextuais, finalizações belas e até bloqueios, tudo com o apertar de um botão. Não vamos esquecer do “Gummi Ship”, as sequências de nave que sofreram uma evolução absurda em relação ao Kingdom Hearts (2002) e se tornaram uma parte bastante divertida em Kingdom Hearts II.

Disney Fantasy

Review do Kingdom Hearts II: Gráficos

Os gráficos de Kingdom Hearts II são espetaculares. Sua temática visava capturar o inconfundível estilo da Disney, e fez isso com muita competência ao mesmo tempo que não se esquecia dos traços de Final Fantasy. A criatividade foi às alturas também em certos mundos com temáticas mais específicas, como o visual preto e branco do Steamboat Willie e a estética um pouco mais realista de Port Royal dos Piratas do Caribe. Um espetáculo que envelheceu como um bom vinho.

Do Épico ao Emocional

Review do Kingdom Hearts II: Música

Kingdom Hearts II ficou conhecido pela trilha sonora que varia entre o épico e a emoção de momentos mais dramáticos. A principal compositora foi Yoko Shimomura, um nome de enorme relevância na Square Enix, tendo trabalhado em jogos como Front Mission (1995), Super Mario RPG (1996), Parasite Eve (1998) e Legend of Mana (1999), antes de partir para sua jornada na franquia Kingdom Hearts. Destacou-se também a colaboração da cantora Hikaru Utada, que contribuiu com canção “Sanctuary” em Kingdom Hearts II.

É alto o número de músicas de destaque em Kingdom Hearts II, o que mostra bem o talento e genialidade de Yoko Shimomura. Além da própria Sanctuary, podemos citar “Dearly Beloved“, “The Corrupted“, “Sinister Shadow“, “The 13th Dilemma“, “A Fight to the Death” e “Darkness of the Unknown“.

Uma Obrigatória Viagem

Review do Kingdom Hearts II: Conclusão

Difícil pensar em PlayStation 2 sem pensar em Kingdom Hearts. Para muitos, Kingdom Hearts II segue sendo o melhor jogo da franquia até hoje, graças, em especial, aos espetaculares personagens, heróis ou vilões, e as épicas lutas contra os chefes. O jogo ganhou ainda mais relevância graças ao lançamento da reedição Kingdom Hearts II Final Mix (2007), que adicionou muito conteúdo novo e melhorou uma experiência que já era obrigatória para qualquer dono de PlayStation 2.

Feliz aniversário de 20 anos, Kingdom Hearts II!

Fontes: IGN e RPGFan

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A Maldição da Nuvem Negra

Review do Dark Cloud: História

A trama de Dark Cloud foca em um mundo com dois continentes que viviam separados e em paz. No oriente, uma civilização avançada e tecnológica. No ocidente, um mundo natural coexistindo com os espíritos e os animais ao seu redor. Então, o jogo começa quando o Colonel Flag Gilgister desperta o lendário Dark Genie, lançando uma “Nuvem Negra”, tradução literal de Dark Cloud, no continente ocidental, causando destruição e desaparecimentos em massa.

Neste contexto, surge o protagonista Toan, um sobrevivente de sua vila destruída. Ele encontra com Simba, the Fairy King, que lançou um feitiço de proteção, selando o que podia com orbes chamados de “Atla”, para proteger a todos dos ataques do Dark Genie, mas estes orbes acabam espalhados pelo vilão. O jovem recebe uma pedra mágica, chamada de “Atlamillia”, do Rei das Fadas e se encarrega de restaurar os Atla para suas formas originais.

Para cumprir seu objetivo, Toan precisa encarar uma aventura em masmorras, visando restaurar os Atla por meio de um sistema de Georama, que concede poderes ao jogador decidir onde colocar prédios e habitantes. Claro que, durante a jornada, somos apresentados a diversos aliados em uma trama com temas de reconstrução e equilíbrio entre humanidade e natureza.

Georama e Durabilidade

Review do Dark Cloud: Jogabilidade

Um dos grandes pilares da jogabilidade de Dark Cloud é o sistema Georama. Como mencionado no tópico anterior, ele possibilita o jogador a montar os prédios, pontes e tudo o que há nos orbes Atla em suas localizações originais. A atitude não é apenas estética; ela também é importante para satisfazer os pedidos dos moradores e recompensa o jogador com upgrades e até novas masmorras (dungeons). Também é muito gratificante ver cidades voltarem à vida peça por peça.

Agora, falando no combate em questão, o RPG carrega os elementos de ação em tempo real e hack’n slash, tudo na perspectiva em terceira pessoa. As masmorras são geradas de forma procedural, e o jogador precisa explorar suas múltiplas camadas e tomar muito cuidado com um detalhe muito punitivo chamado “durabilidade”. As armas se quebram com o uso contínuo, sendo necessário gerenciar recursos, investir em upgrades e pensar bem no planejamento em cada exploração.

LEVEL-5 Criando sua Marca

Review do Dark Cloud: Gráficos

Dark Cloud foi lançado em uma época em que alguns jogos buscavam um visual mais cartunesco com iluminação simples. Existia o cel shading, que ainda não era tão popular, embora o excelente Jet Set Radio já tivesse sido lançado alguns meses antes do título da LEVEL-5. A técnica gráfica em Dark Cloud lembra vagamente o cel shading, mas, na verdade, seu visual representa bem um período de transição, antes da consolidação da técnica gráfica. Com essa comparação com cel shading, já podemos enxergar que os visuais contam com um design colorido e cartunesco, o que seria a marca registrada da LEVEL-5 em jogos futuros.

O estilo utilizado funciona, ainda mais no começo da era PlayStation 2, e agrada bastante, apesar de ainda haver espaços para melhoras. Há críticas ao design repetitivo das masmorras por conta da geração de forma procedural, mas elas se salvam por conta das variações temáticas. No final das contas, o Georama é o destaque gráfico com a satisfatória reconstrução de cidades.

Uma Linda Orquestra

Review do Dark Cloud: Música

Como em boa parte dos games da LEVEL-5, o compositor é Tomohito Nishiura, que trabalhou, em especial, na franquia Professor Layton. Ele foi capaz de definir bem o tom da aventura, levando tons épicos para as cutscenes e sons mais sombrios para as masmorras. A trilha sonora é ótima de se ouvir e se destaque por nomes como “Owl Forest“, “Reminiscence” e, principalmente, o tema principal, “Main Theme“, que é facilmente reconhecido pelos jogadores.

Uma Boa Inovação

Review do Dark Cloud: Conclusão

A LEVEL-5 entregou um RPG bastante único e inovador, com a mescla de objetivos em explorar masmorras e reconstruir cidades. Talvez, seja desanimador o sistema de durabilidade, visto que ele pode ser bem punitivo até você entender como se planejar corretamente para as explorações, mas o sistema Georama concede vida ao Dark Cloud com uma experiência incomparável. Foi uma excelente estreia da LEVEL-5, que já mostrava bem sua genialidade e que seu futuro seria de muito brilho no mundo dos games.

Feliz aniversário de 25 anos, Dark Cloud!

Fontes: IGN e RPG Gamer

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História: rumo ao estrelato

Teoricamente, Guitar Hero possui uma história. Seu foco está na possibilidade de levar ao jogador uma forma de tocar músicas populares na guitarra e, por isso, não houve tanta atenção em um enredo trabalhado. Entretanto, uma história simples existe e relata a trajetória do próprio jogador no mundo do rock. Começamos em garagens e palcos pequenos, até alcançar as gigantescas multidões. Embora simples, a trama ajuda a celebrar o mundo do rock e fazer o jogador mais leigo no assunto a compreender as atitudes e a estética desse meio.

Jogabilidade: a emoção de tocar uma guitarra

Foi muito emocionante ligar o Guitar Hero e começar a realizar as notas de músicas populares e de forma tão simples. Essa era a grande magia do jogo. Sua jogabilidade consiste em uma pista na tela com cinco notas descendo. Precisamos pressionar a nota no momento correto, no final da pista. Quanto mais notas acertarmos, maior o combo, a pontuação e a animação da plateia. Errar demais, definitivamente, não é uma opção.

Uma das mecânicas que temos durante a jogatina é o “Star Power”, que ativávamos para aumentar a pontuação conquistada, geralmente, em solos. A jogabilidade é intuitiva, envolvente e com uma boa curva de aprendizado. Embora o jogo tenha sido projetado para o periférico guitarra, a maioria dos jogadores se divertia com controle normal do PS2.

Gráficos: uma boa aula sobre…

Para o ano de 2005, os gráficos de Guitar Hero não impressionavam, mas também não eram alvo de reclamações, haja vista que esse não era o ponto mais relevante do game. Guitar Hero compensava os visuais mais simples, levando em consideração que se tratava do PS2, com uma ótima aula de direção de arte.

Os palcos, as decorações, as plateias, tudo remetia bem ao espírito do rock’n roll e fazia o jogador mergulhar nesse mundo com ainda mais facilidade. Foi um ponto que, certamente, ajudou a popularizar o gênero musical também.

Música: levando jogadores ao caminho do rock!

Para aqueles que já gostavam de bandas como Black Sabbath, Deep Purple, Queen, Red Hot Chili Peppers, entre tantas outras, Guitar Hero era uma passagem obrigatória. Para aqueles que pouco conheciam esse grupos musicais, a passagem no jogo pode ter sido uma mudança drástica na vida deles. A forma como o jogador é inserido no caminho do rock’n roll é genial. É muito divertido ser praticamente capaz de realizar aqueles solos e riffs tão épicos de bandas populares.

Guitar Hero influenciou muitos jogadores e gostarem de rock e a procurarem mais sobre a música e por bandas diferentes. Não é surpreendente dizer que muitos também começaram a aprender a tocar guitarra de verdade por conta das excelentes músicas do game. Um espetáculo!

Conclusão

Guitar Hero foi o começo de uma franquia épica que foi capaz de mudar a cultura dos videogames e da música. Pessoas sem experiência com música puderam se sentir como verdadeiros astros do rock, e isso era muito divertido. Ele pavimentou o caminho para outros sucessos do gênero e tem um legado inenarrável.

Feliz aniversário, Guitar Hero!

Fontes: Vice e Bundae

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