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As curiosas inspirações

Falamos recentemente aqui no Mega Urso Games sobre os 40 anos de The Legend of Zelda. Comentamos que uma das inspirações da lenda Shigeru Miyamoto envolvia suas experiências explorando florestas e cavernas em Kyoto, no Japão, sem um rumo definido. A ideia de encarar uma aventura desde estilo, sem um guia, um mapa detalhado, foi levada à risca ao The Legend of Zelda (1986). Ou seja, foi um projeto totalmente baseado nas próprias memórias de Shigeru Miyamoto. É uma história muito semelhante à de Satoshi Tajiri, que também se inspirou em suas memórias, em suas divertidas experiências da década de 1970, para começar a pensar no que viria a ser Pokémon Red and Green.

Tajiri comenta que costumava caçar insetos em sua infância. Era, basicamente, uma de suas atividades favoritas, caçar e colecionar insetos. Conforme ele cresceu, ele viu as casas e prédios tomarem o lugar das vegetações ao seu redor e, como consequência, diminuir a população de insetos. Tendo em mente que as crianças passaram a brincar mais dentro de suas casas, ele teve a ideia genial de levar o seu hobby da vida real para o mundo virtual. No caso, caçar e colecionar monstrinhos chamados “Pokémon”, abreviação de “Pocket Monsters” (monstros de bolso).

Fanáticos por Jogos

É muito difícil falar sobre Pokémon sem comentar a respeito da Game Freak. Tajiri sempre foi um fanático por jogos, ao ponto de até matar aulas para ir aos fliperamas de sua região. Seu conhecimento e sua paixão o levaram a criar a revista chamada “Game Freak”. Foi o toque de um mestre empreendedor que notou que a região carecia de informações sobre os games, como dicas para superar determinados títulos. Com uma pequena equipe de colaboradores, Tajiri obteve um sucesso considerável com sua revista, que chegou a vender até 10 mil cópias em uma de suas edições. Eventualmente, ele e seus companheiros perceberam que sabiam muito bem diferenciar um jogo ruim de um jogo bom. Ou seja, eles sabiam o caminho do sucesso.

Assim, a Game Freak se transformou no estúdio que conhecemos hoje, um time formado por verdadeiros fanáticos pelos videogames. A equipe estreou com Mendel Palace (1989) e se destacou nos anos seguintes por trabalhar com duas empresas que eram arquirrivais: a própria Nintendo, com os títulos Yoshi (1991) e Mario & Wario (1993), e a SEGA, com Magical Tarurutu-Kun (1992) e Pulseman (1994). O projeto “Pokémon”, entretanto, já havia se iniciado, mais especificamente em 1990. Sua ambição exigiu cerca de 6 anos de desenvolvimento, um período que quase levou a Game Freak à falência e exigiu muitos sacrifícios.

O tortuoso caminho antes da glória

Satoshi Tajiri levou sua ideia de Pokémon em 1990 até a Nintendo, que teve dificuldades de entender aquele projeto complexo para a época. Quem compreendeu a genialidade do que estava à mesa foi, simplesmente, Shigeru Miyamoto, o “pai” de franquias como Mario, Zelda e Donkey Kong, e o nome designado pela Nintendo para supervisionar e ajudar no desenvolvimento de Pokémon como produtor. Por sinal, lembra que comentamos a respeito de Tajiri matar aulas para ir a fliperamas? Um dos jogos que ele costumava jogar nas máquinas era o Donkey Kong (1981). Naturalmente, o criador de Pokémon admirava Miyamoto e pôde aprender muito com ele durante os 6 anos de desenvolvimento do game. Infelizmente, também foi um período de muito estresse para a equipe da Game Freak.

A ambição do projeto exigia muito dinheiro, e a empresa não possuía tantos recursos assim na época. A situação ficou tão dramática que Tajiri abriu mão de seus salários para que outros membros do time pudessem ter dinheiro no final do mês. A instabilidade gerou pedidos de demissões e a necessidade de ajuda da Creatures Inc., empresa que concedeu suporte financeiro, em troca de uma fatia dos direitos de propriedade intelectual. A Nintendo também ficou com uma fatia por conta de dinheiro injetado e de recursos humanos, como o próprio Miyamoto. Após muito sofrimento, Pokémon Red and Green foi lançado no Japão para o Game Boy no dia 27 de fevereiro de 1996.

O RPG e o fator social

Pokémon Red and Green é um jogo de RPG com batalhas de turnos. Controlamos o nosso protagonista, Red, pelo mapa na perspectiva top-down (visto de cima) em sua jornada para se tornar um mestre Pokémon na região de Kanto. A descrição pode até remeter a um RPG comum com estilos que existiam desde a década de 1980, mas o primeiro grande diferencial de Pokémon Red and Green era a informação dos 151 Pokémon existentes naquele mundo. O jogador encara a difícil tarefa de escolher um inicial, que pode ser Bulbassaur, Charmander ou Squirtle, mas isso é só o começo; o objetivo de encontrar todos os Pokémon e conhecer suas evoluções se torna quase que inevitável para qualquer um.

A atividade de colecionar os monstrinhos já era um espetáculo, mas o fator social elevou o título a outro patamar. Para começar, cada jogador precisava escolher uma versão: Red ou Green, cada uma com Pokémon exclusivos. É neste momento que entra em ação o “Cabo Game Link” do Game Boy. Com este acessório, é possível conectar seu Game Boy com o Game Boy do amigo para realizar trocas de Pokémon. Como era a única forma de completar a “Pokédex”, isso levou os jogadores a saírem de casa e interagirem mais nas ruas, nas escolas, nos parques e em eventos. Pokémon, assim, se tornou uma febre.

A ideia da coleção ainda contou com uma surpresa que foi inserida no código do jogo no último segundo, sem o conhecimento oficial da Nintendo. O responsável pela “vigarice” foi Shigeki Morimoto, programador da Game Freak até hoje. Ele teve a excelente ideia de colocar na surdina o lendário “Mew”, o Pokémon de número 151. Como só podia ser obtido por meio de eventos, o monstrinho acabou se tornando quase que em um mito urbano, gerando inúmeros boatos e teorias sobre como capturá-lo de forma “normal”. Eventualmente, foi descoberto um glitch (erro de programação) para que qualquer um fosse capaz de ter seu Mew e completar a Pokedex.

Apenas o começo

Após tanto estresse acumulado em 6 anos, a insistência valeu a pena. Pokémon Red and Green foi um passo colossal para a criação de uma das franquias mais amadas da cultura pop. No dia 15 de dezembro de 1996, a Game Freak lançou Pokémon Blue (Pocket Monsters Blue), uma versão especial para celebrar as 1 milhão de cópias vendidas de Pokémon Red and Green. Blue também serviu como uma versão aprimorada, melhorando os gráficos e resolvendo certos glitches descobertos na versão original. Pokémon Red and Blue chegou a ocidente apenas no dia 28 de setembro de 1998.

Naquele período, a marca já expandia seu domínio com o TCG (Trading Card Game), seu mangá (Pokémon Adventures) e o anime protagonizado por Ash Ketchum. A fama da marca se tornou tão avassaladora que, hoje, é difícil qualquer pessoa não conhecer o Pikachu. Tudo isso só foi possível graças à visão de Satoshi Tajiri e o esforço descomunal dele e de sua equipe e tornar um projeto tão ambicioso em realidade. Feliz aniversário de 30 anos, Pokémon Red and Green!

Fontes: Remptongames, Fandomwire e Gamespot

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Jogos Inclusos

1. Todos os detalhes da Snow Bros. Classic Collection

A Snow Bros. Classic Collection foca apenas nos jogos lançados para os consoles, deixando de lado a versão de Arcade. Os games possuem o mesmo estilo, um single-screen platformer onde controlamos um “irmão Snow” e telas cheias de inimigos. A forma como lidamos com as ameaças envolve lançar muita neve nos monstros, transformá-los em bolas e, então, lançá-los para atingir os demais. Uma fórmula muito simples e divertida, que instiga o jogador a buscar combos cada vez maiores. Vale ressaltar que a franquia conta com grandes inspirações em Bubble Bobble, da Taito.

Ao todo, são três jogos disponíveis para os jogadores aproveitarem: Snow Bros Jr. (Game Boy), Snow Bros. (NES), e Snow Bros. – Nick & Tom (Mega Drive). Como os três títulos são ports do arcade, eles compartilham a mesma história: a aventura de Nick e Tom, dois príncipes que foram transformados em bonecos de neve por um rei maligno. Para recuperar suas formas humanas, os irmãos precisam enfrentar hordas de monstros e resgatar as princesas Teri e Tina das garras do vilão. Veja mais detalhes sobre cada jogo:

Snow Bros Jr.

Snow Bros Jr. foi lançado para Game Boy no dia 24 de maio de 1991 no Japão. Trata-se de um port da versão de arcade, mas com um total de dez fases novas e um chefe final diferente. O game surpreendeu por capturar a essência do fliperama mesmo com todas as limitações do portátil da Nintendo. Destacam-se o trabalho excelente com os sprites e o visual dos cenários, além dos bons controles que asseguram o fator replay. A tela monocromática, por sinal, faz os jogadores terem que identificar os itens com power ups pelo formato dos frascos. O ponto negativo fica para a parte sonora, principalmente com a falta de variedade de músicas, mas Snow Bros Jr. segue sendo um excelente título!

Snow Bros.

O port de Snow Bros. chegou ao NES (Nintendinho) também em 1991 e, curiosamente, foi publicado pela Capcom. A versão é muito elogiada pela enorme fidelidade ao que era visto nos fliperamas, com o acréscimo de cutscenes simples que explicam a história ao jogador. O game se manteve fácil de entender, mas continua um desafio e tanto para ser finalizado, contando com gráficos excelentes e muito coloridos. Diferentemente da versão de Game Boy, aqui é possível identificar os itens de power-up por suas cores:

• Vermelho: aumenta a velocidade de movimento;
• Azul: aumenta a quantidade de neve lançada;
• Amarelo: aumenta a distância do disparo;
• Verde: infla o irmão Snow como um balão, possibilitando-o voar e matar os inimigos no ar.

Snow Bros.: Nick & Tom

Por fim, temos a versão de Mega Drive, lançada como Snow Bros.: Nick & Tom e que pode ser considerada a melhor da coletânea. O poder do 16-bits da SEGA fez com que este port se aproximasse muito mais da experiência original dos fliperamas. Além dos gráficos lindos em cada detalhe, a versão se destaca pela inclusão de cenas de história que concedem um charme único à aventura de Nick e Tom. Vale destacar ainda que esta versão de Mega Drive foi lançada em 1993 apenas no Japão e na Coreia do Sul, o que a tornou um item extremamente raro. A adição do título à coletânea é um atrativo e tanto para os fãs ocidentais.

Conteúdo da Coletânea

2. Todos os detalhes da Snow Bros. Classic Collection

Além das três versões do Snow Bros. original, a Snow Bros. Classic Collection conta com um reprodutor de música, permitindo que o jogador ouça todas as trilhas sonoras dos games. No entanto, o destaque fica para a localização inédita de Snow Bros.: Nick & Tom. Como mencionado anteriormente, o port de 1993 para Mega Drive ficou restrito ao Japão e à Coreia do Sul. Agora, finalmente temos uma localização ocidental oficial para as belas cutscenes desta versão.

Preços da Coletânea

3. Todos os detalhes da Snow Bros. Classic Collection

Você pode adquirir a Snow Bros. Classic Collection para PC, PlayStation ou Nintendo Switch. Infelizmente, sem Xbox. Confira os preços:

• Steam: R$ 69,99 (R$ 62,99 até o dia 20 de fevereiro)
• PlayStation: R$ 85,50
• Nintendo Switch: R$ 14,99

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Os dois jogos 8-bits

1. Konami lança a Super Bomberman Collection

Embora a coletânea tenha o nome “Super Bomberman”, indicando a franquia lançada para Super Nintendo e Super Famicom, a Konami também incluiu os dois jogos lançados para o 8-bits da Nintendo: Bomberman (1985) e Bomberman II (1991). O primeiro Bomberman é uma versão diferente do jogo de mesmo nome lançado para computadores em 1983, mas que foi crucial para estabelecer de vez o estilo que consolidou a franquia da Hudson Soft no mercado. Em especial, com o design do Bomberman, que é praticamente o mesmo até hoje, e o objetivo de ir explodindo paredes e inimigos até encontrar a saída em meio a um labirinto.

Vale lembrar que ao finalizar Bomberman (1985), revela-se que o jogo é, na verdade, uma prequel de outro jogo da Hudson Soft chamado Lode Runner (1984), mas não demorou até a franquia Bomberman separar esse elo e adquirir sua própria identidade. Bomberman II (1991), que está na coletânea da Konami, já mostrou uma história do próprio universo, com o White Bomber caçando o vilão Black Bomber, encerrando de vez o elo com Lode Runner. O jogo também foi uma evolução nítida ao antecessor de seis anos atrás, com visuais e sons de maior qualidade e até pequenas cutscenes, além da introdução ao Battle Mode.

A Trilogia Super

2. Konami lança a Super Bomberman Collection

Embora a série “Super Bomberman” tenha contado com cinco jogos no 16-bits da Nintendo, apenas três foram lançados no ocidente: Super Bomberman (1993), Super Bomberman 2 (1994) e Super Bomberman 3 (1995). Super Bomberman foi um sucesso instantâneo, principalmente com seu modo multiplayer (Battle Mode) para até quatro jogadores, que era garantia de diversão com os amigos com a utilização do multitap. Entretanto, não foi apenas isso; o Normal Mode também agradou muito. A história da dupla White e Black Bomber lutando contra os vilões foi muito interessante, assim como toda a gameplay envolvendo cinco diferentes mundos temáticos e criativos. Um espetáculo para estrear a franquia no Super Nintendo.

Em 1994, chegou Super Bomberman 2, com gráficos nitidamente superiores ao antecessor, assim como fases mais criativas no geral no Normal Mode. Enquanto o Battle Mode seguiu agradando os jogadores, o ponto negativo ficou para o fim da possibilidade de jogar o modo aventura ao lado de um amigo. Com toda a certeza, muitos se decepcionaram quando compraram Super Bomberman 2 e descobriram, ao chegar em casa, que a aventura só podia ser jogada com um jogador.

Por sinal, Super Bomberman 2 foi o último jogo da série “Super” a ser lançado na América do Norte. Por conta do fim da Hudson Soft na região, Super Bomberman 3 de 1995 chegou ao ocidente de forma oficial apenas na Europa, no sistema PAL. Uma pena, pois foi o primeiro jogo da série a implementar o Battle Mode para até cinco jogadores. Além disso, seu visual vibrante com muitas cores e uma bela pixel art concederam um carisma único a ele, assim como a muito bem-vinda chegada das montarias “Loiues“, que haviam aparecido somente no Bomberman’94 de PC Engine. Na minha opinião, o melhor “Modo Aventura” da série no Super Nintendo.

Presos no Japão

3. Konami lança a Super Bomberman Collection

Os dois últimos jogos da série “Super” ficaram presos ao Super Famicom no Japão. O primeiro foi Super Bomberman 4 (1996), com um enredo se passando tempos após a vitória dos heróis contra o vilão Bagura em Super Bomberman 3. De uma forma geral, o game é considerado como o melhor Super Bomberman para iniciantes por conta do novo sistema de montarias, que possibilitava o Bomberman montar nos inimigos que ele enfrentava. Um ótimo jogo e que se tornou o favorito de muitos também.

Por fim, Super Bomberman 5 (1997), o último lançamento da série “Super” até a chegada de Super Bomberman R (2017). Super Bomberman 5 mostrou ao mundo um trabalho visual quase que impecável para fazer uma espécie de homenagem a todos os quatro antecessores, relembrando fases e inimigos que os jogadores já haviam enfrentado, além de apresentar uma gameplay nada linear. É comum ouvir também que Super Bomberman 5 possui um dos melhores Battle Mode da franquia inteira. Um espetáculo que, infelizmente, ficou preso no Japão até hoje.

Novidades e Preços da Coletânea!

4. Konami lança a Super Bomberman Collection

A Super Bomberman Collection não terá apenas os jogos para jogar da forma como foram lançados. A Konami preparou algumas novidades interessantes para os jogadores aproveitarem. Confira:

• Boss Rush: um desafio para enfrentar chefes dos jogos “Super” de forma consecutiva e com o acréscimo de levar o jogador a realizar speedruns do modo;
• Artwork: mais de 200 artes raras da franquia estarão disponíveis para os jogadores aproveitarem na coletânea;
• Música: os ótimos temas da franquia estarão lá para serem escutados a qualquer momento. Os jogadores podem criar sua própria playlist com o “Bomb-Radio” também;
• Online: todos poderão acessar o modo online para jogar com outros jogadores, seja no Normal Mode ou no Battle Mode.

Caso você tenha se interessado, a versão para Nintendo Switch está à venda por R$ 114,90 na Nintendo eShop, enquanto a versão de Nintendo Switch 2 sai por R$ 142,50. No Steam, você também encontra o preço de R$ 114,90, assim como no PlayStation e no Xbox.

A Konami também confirmou o lançamento de versões físicas da coletânea para o dia 28 de agosto de 2026, mas sem detalhes em relação aos preços. Estas versões serão lançadas pela distribuidora Red Art Games.

O que você achou da Super Bomberman Collection? Vamos torcer para que seja um indicativo para futuras novas coletâneas que tragam títulos como Bomberman ’93 e Bomberman ’94 de PC Engine, Saturn Bomberman de Sega Saturn e Bomberman World de PlayStation. Quem sabe não possamos sonhar até com a era 3D do Nintendo 64 ou até mesmo Bomberman Generation ou Bomberman Jetters? Vamos ficar ligados!

Fonte: Nintendo

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Preço e Conteúdo

1. Todos os detalhes sobre o Nickelodeon Splat Pack

O Nickelodeon Splat Pack é mais um projeto que surge da parceria entre Limited Run Games e Mighty Rabbit Studios, que já haviam lançado neste mês a Earnest Evans Collection. O conteúdo no Nickelodeon Splat Pack, no entanto, aparenta ser mais simples e com opções já conhecidas em coletâneas clássicas, como rebobinar para consertar um erro, salvar em qualquer lugar e um reprodutor de música para ouvir as trilhas sonoras. O preço, por sinal, parece um pouco salgado, ainda mais se compararmos com o valor da The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch, que conta com oito excelentes jogos. Confira:

• Steam: R$ 64,99 (R$ 58,49 até o dia 13 de fevereiro)
• PlayStation: R$ 85,50
• Nintendo Switch: R$ 86,99

Os títulos disponíveis

2. Todos os detalhes sobre o Nickelodeon Splat Pack

Precisamos ser sinceros: os jogos disponíveis no Nickelodeon Splat Pack não são grandes obras-primas da indústria do videogame. Não espere grandes destaques do Super Nintendo ou Mega Drive dos anos 90; trate como uma verdadeira viagem nostálgica para relembrar um período de ouro do Nickelodeon. Confira os games:

GUTS

O Nickelodeon Guts foi um programa de competições entre jovens atletas realizado entre os anos de 1992 e 1995. No Brasil, conhecemos o programa como “Global GUTS”, que contava com participantes de diversos países. Os desafios eram versões mais complexas de esportes populares, como futebol e basquetebol, com o uso de equipamentos criativos e ambiciosos. O GUTS ganhou uma adaptação para o Super Nintendo, que está presente no Nickelodeon Splat Pack. Ela foi desenvolvida pela Viacom New Media em 1994, mas o jogo teve uma tenebrosa recepção por conta dos péssimos controles, gráficos ruins e gameplay extremamente repetitiva. Vale apenas pela curiosidade na coletânea.

Rocko’s Modern Life: Spunky’s Dangerous Day

Rocko’s Modern Life: Spunky’s Dangerous Day é a adaptação para Super Nintendo do desenho “A Vida Moderna de Rocko”, também desenvolvido pela Viacom New Media. Embora assuste ver o nome da desenvolvedora mais uma vez após o desastre citado no último tópico, saiba que Rocko’s Modern Life: Spunky’s Dangerous Day não foi um desastre completo no SNES. É um game simples de plataforma que se destacou por conseguir levar de forma satisfatória a estética do desenho para a tela do console. Foi diferente do GUTS, que falhou em reproduzir toda a emoção das competições da televisão. Rocko’s Modern Life: Spunky’s Dangerous Day teve críticas, como controles um pouco imprecisos e a dificuldade desnecessariamente elevada, mas muito longe de ser um título dispensável.

AAAHH!!! Real Monsters

Conhecido como Ahhh! Monstros no Brasil, AAAHH!!! Real Monsters também foi uma série de desenho animada produzida pela Nickelodeon. A obra era considerada de terror, mas com um tom mais cômico e, por vezes, nojento. A Viacom New Media lançou adaptações do desenho tanto para Mega Drive como para Super Nintendo, ambas disponíveis, no Nickelodeon Splat Pack. Diferentemente de Rocko’s Modern Life: Spunky’s Dangerous Day, AAAHH!!! Real Monsters não teve uma boa recepção nos consoles. Ambas as versões são consideradas abaixo da média para um jogo de plataforma, com controles pouco responsivos, fases exageradamente longas e uma dificuldade muito frustrante. Mais um título que valerá somente pela curiosidade na coletânea.

Fontes: Steam, PlayStation e Nintendo Switch

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Preço e Conteúdo

1. The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch

A The Disney Afternoon Collection contará com os oito jogos clássicos da forma como eles foram lançados entre a década de 80 e 90. A diferença da coletânea fica para as funções que podem ajudar novos jogadores: Rebobinar, para retornar o jogo após um erro cometido, e Salvar, mantendo o progresso sem a necessidade de jogar tudo de novo. Assim como na coletânea de 2017, temos o modo “Corrida Contra o Tempo”, muito popular entre os speedrunners, e o modo “Sequência de Cheds”, mas, infelizmente, eles não estarão disponíveis no Goof Troop e no Bonkers. Nos outros títulos, os jogadores poderão compartilhar seus recordes nos placares online.

Ainda temos de conteúdo o “Modo Galeria”, que conta com diversos materiais e arquivos que mostram detalhes do desenvolvimento dos jogos e outras curiosidades. Por fim, The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch ainda oferecerá as trilhas sonoras originais dos oito jogos para que os jogadores possam ouvir a hora que desejarem.

Você já pode comprar a The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch ou Nintendo Switch 2 na pré-venda. O valor de lançamento é de R$ 54,95, mas a coletânea está com um desconto de 10% no momento, fazendo o preço cair para R$ 49,45.

Os títulos disponíveis

2. The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch

Como já mencionamos, a versão da The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch 1 e 2 contará com os seis jogos originais da coletânea e mais dois extras. Relembre quais são os jogos e confira mais detalhes sobre eles:

DuckTales (1989) e DuckTales 2 (1993)

DuckTales é o título mais antigo da coletânea. Baseado na série de televisão de mesmo nome, ele é um jogo de plataforma que tem como protagonista Scrooge McDuck (o Tio Patinhas no Brasil) na busca por tesouros para superar seu arquirrival Pão-Duro MacMônei (Flintheart Glomgold) e se tornar o pato mais rico do mundo. DuckTales foi um enorme sucesso para a Capcom, com mais de 1 milhão de cópias vendidas e muitos elogios para seus controles responsivos e ótimo design. O sucesso, por sinal, não foi tão surpreendente para aqueles que sabiam que a equipe envolvida no projeto era a mesma da franquia Mega Man, com Keiji Inafune como diretor.

A sequência, DuckTales 2, foi lançada em 1993, já se aproximando do fim do ciclo do NES, o que prejudicou bastante os números de suas vendas e o tornou um jogo bastante raro entre colecionadores hoje em dia. Sua história é muito semelhante à do antecessor, com o Tio Patinhas caçando tesouros e confrontando o seu rival Pão-Duro. Os elogios foram muito semelhantes aos do antecessor, mas houve a crítica de a sequência não inovar tanto. Mesmo assim, é um ótimo game para ficar de olho!

Chip ‘n Dale Rescue Rangers (1990) e Chip ‘n Dale Rescue Rangers 2 (1994)

Assim como DuckTales, Chip ‘n Dale Rescue Rangers é uma adaptação de uma animação de mesmo nome da televisão. No Brasil, o desenho ficou conhecido como “Tico e Teco“. Curiosamente, os jogos também tiveram a participação de nomes envolvidos com a franquia Mega Man, como Keiji Inafune, desta vez como artista, e Tokuro Fujiwara, que atuou como produtor em Chip ‘n Dale, mas já havia trabalhado em Mega Man 2. Chip ‘n Dale Rescue Rangers também é um jogo de plataforma, com a possibilidade de jogar com dois jogadores, um com o Tico e o outro com o Teco. O título foi um tremendo sucesso também, com muitos elogios para os gráficos e o modo multiplayer, mas com ressalvas para a falta de dificuldade no game.

A sequência, Chip ‘n Dale Rescue Rangers 2, foi lançada em dezembro de 1993 no Japão, mas em 1994 no resto do mundo. O jogo se assemelhou muito ao antecessor, com um ritmo razoavelmente rápido, controles par andar, pular, se abaixar e atacar inimigos jogando objetos neles. No entanto, houve inovações para incentivar a jogatina com dois jogadores, como alguns mini-games e a possibilidade de pegar e jogar o companheiro. O game também foi um grande sucesso para a Capcom.

TaleSpin (1991)

TaleSpin de NES é uma adaptação da animação de mesmo nome e conhecida no Brasil como “Esquadrilha Parafuso“. Aqui, vemos as aventuras do Urso Balu como um piloto de elite. O jogo consiste em ser um horizontal shoot’em up, mas com mecânicas interessantes, como a possibilidade de virar o avião para trás e a gestão de dinheiro para comprar upgrades. TaleSpin não foi um sucesso como DuckTales e Tico e Teco, mas é um bom jogo para o que se propôs em seu desenvolvimento, embora seja considerado bem difícil. Importante não confundir com TaleSpin de Mega Drive, que é um jogo de plataforma muito diferente. Na The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch e na versão de 2017, o game apresentado é o de NES, desenvolvido pela Capcom.

Darkwing Duck (1992)

Se TaleSpin já é um jogo difícil, Darkwing Duck consegue tão complexo quanto, uma ótima opção para aqueles que procuram um desafio de verdade. Vale destacar que o nome do desenho é o mesmo tanto no original em inglês como no Brasil. No NES, a Capcom também o adaptou como um jogo de plataforma, mas com claras inspirações à sua franquia Mega Man, como a movimentação, a seleção de fases, o sistema de armas, entre outros. Darkwing Duck é aquele jogo que muitos vão abusar do “Rebobinar” para zerar, assim como TaleSpin.

Goof Troop (1993)

Agora vem um dos meus jogos favoritos de todos os tempos, Goof Troop, A Turma do Pateta. Esse game me marcou muito e foi crucial para minha entrada no mundo das speedruns. Também digo a vocês que ele possui até hoje uma das melhores experiências cooperativas dos videogames. Em algum momento, farei uma matéria mais completa falando sobre Goof Troop e o quão espetacular ele é. Não é para menos que teve como designer Shinji Mikami, que viria a ser diretor de Resident Evil em 1996 e responsável pelo estrondoso sucesso do survival horror da Capcom.

Bonkers (1994)

Bonkers foi mais um desenho que não mudou seu nome na localização brasileira. A Capcom fez um bom trabalho gráfico na adaptação do Super Nintendo, com sprites e cenários lindos do começo ao fim, mas sua gameplay tem um problema: a sensação de que a Capcom tentou tornar o ritmo do jogo de plataforma mais acelerado, mas a ideia não funcionou. Uma pena, pois poderia ter sido um jogo mais icônico. Ainda assim, vale a pena conferir na The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch!

Fontes: Nintendo

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Complexidade

1. Review do Guardian Heroes – História

Jogadores que viam o estilo do jogo podiam imaginar que sua história seria algo simples de heróis, mas a verdade é que ela é um pouco mais profunda, com todo um enredo trabalhado sobre um ser supremo que criou o universo para encontrar grandes guerreiros e sobre batalhas entre Earth Spirit e Sky Spirits. Há toda a problemática dos humanos sendo traídos e ficando sem magias, a Era da Espada, antigos governantes caindo, guerras políticas. Enfim, é uma trama complexa, mas para o jogador, tudo só começa de verdade quando quatro aventureiros, Han, Randy, Nicole e Ginjiro, encontram a Sword of the Valiant Warrior, uma espada lendária e com uma profecia envolvida.

A descoberta da espada significaria a queda de um reino controlado por fantoches e governado por Kanon, um mago humano. Tanto que os quatro iniciaram uma fuga desesperada devido aos Black Knights que avançaram para atacá-los. Ainda por conta da espada, o quarteto ressuscitou um antigo guerreiro que passou a lutar do lado deles, iniciando uma rebelião contra o reino. Depois disso, Guardian Heroes se ramifica em múltiplos finais narrativos, sendo muitos deles tão complexos quando a introdução à história.

Quase um jogo de luta

2. Review do Guardian Heroes – Jogabilidade

Guardian Heroes é considerado um beat’em up, ou “briga de rua“, com elementos de RPG. Entretanto, diferentemente de outros títulos conhecidos do gênero, como Streets of Rage e Final Fight, o jogo introduziu um sistema de “rotas”, onde o jogador pode alternar entre três rotas durante o combate. E falando em combate, os personagens possuem uma vasta lista de comandos dignos de um jogo de luta como Street Fighter. Até a famosa “meia-lua” é necessária para lançar certas habilidades no game.

Em relação aos elementos de RPG, eles são mostrados já durante a jogatina, quando adquirimos pontos de experiência nas fases. Com eles, podemos melhorar nossos personagens com seis atributos: Força, Vitalidade, Inteligência, Proteção Mental, Agilidade e Sorte. Sem surpresas, a escolha do atributo para focar depende do personagem que você escolhe. Isso era mais uma grande adição para um jogo que já possuía um estilo único e muito divertido.

Um charme atemporal

3. Review do Guardian Heroes – Gráficos

Mesmo aqueles que não são grandes fãs de Guardian Heroes concordam que o jogo tem uma personalidade de tirar o fôlego. Os personagens apresentam um estilo de anime desenhado à mão e que são cheios de carisma. Não são traços genéricos; vemos um trabalho que se destaca entre tantos outros títulos na época. Provavelmente, é aqui que mora o ponto mais elogiado de Guardian Heroes. Heróis, inimigos, cenários, tudo é muito belo até hoje, um estilo lindo e atemporal!

Um som de pouco destaque?

4. Review do Guardian Heroes – Música

A trilha sonora de Guardian Heroes foi composta nomes como Katsuhiko Suzuki, que já tinha créditos em alguns jogos de Mega Drive, como Dynamite Headdy e McDonald’s Treasure Land Adventure. Infelizmente, a música de Guardian Heroes não é um quesito que podemos chamar de “atemporal” como seus gráficos. Funciona para a proposta do jogo, mas está longe de ser memorável. Entre as músicas presentes, podemos destacar nomes como Fighters of Pain, Jazzy Sabotage e, aquela que na minha opinião tem a maior qualidade, Shuffler in the Dark, que poderia ter uma duração um pouco maior; seu saxophone é ótimo!

Vale a pena?

5. Review do Guardian Heroes – Conclusão

Sim! Como falamos em outros momentos durante o review do Guardian Heroes, o jogo é atemporal. Embora eu considere a música um ponto razoável e o que faltou para elevar muito o patamar do título, não há como negar que a Treasure acertou em cheio nos outros quesitos. É um game lindo e divertido. Entretanto, é bom lembrar que é um daqueles jogos que podem afastar aqueles atraídos por sua beleza e que encontram um estilo de gameplay que não os agrada. Mesmo assim, temos aqui um título épico dos anos 90 e um dos gigantes que definiam o Sega Saturn.

Feliz aniversário de 30 anos, Guardian Heroes!

Fontes: IGN e Gametripper

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Fighting Force ou Streets of Rage 3D?

1. Lançamento da Fighting Force Collection

Desenvolvido pela Core Design e publicado pela Eidos Interactive, Fighting Force foi lançado no ano de 1997 para Windows, PlayStation e Nintendo 64. A princípio, a ideia da Core Design era trabalhar ao lado da SEGA para levar a franquia de beat’up Streets of Rage para a perspectiva em 3D. Vale lembrar que o último jogo da série havia sido Streets of Rage 3, lançado para Mega Drive em 1994. No entanto, a SEGA optou por não ir em frente com a parceria, pois tinha seus próprios planos para continuar com sua franquia, que só retornou tempos depois ,em 2020, com o excelente Streets of Rage 4.

Para não atirar no lixo seu projeto, a Core Design elaborou uma ideia diferente, que veio a ser o Fighting Force que conhecemos. O título seguiu sendo um beat’up 3D, mas com quatro personagens inéditos: Hawk Manson, Mace Daniels, Alana McKendricks e Ben “Smasher” Jackson. Na história do jogo, cada um tem suas razões para lutar contra o vilão, o Dr. Dex Zeng.

Fighting Force segue à risca a fórmula do beat’up, ou “briga de rua“, com a necessidade de derrubar ondas de inimigos para avançar, armas e energia para coletar de caixas, veículos e outros obstáculos, chefes para encarar, entre outros. O game pode até ser um pouco frustrante, pois o jogador tem apenas uma vida, e a dificuldade no geral é um pouco elevada, principalmente para os menos experientes no gênero. Apesar de um defeito ou outro, Fighting Force é um jogo consistente e divertido, com destaque para o suporte multiplayer.

Fighting Force 2 ou Tomb Raider?

2. Lançamento da Fighting Force Collection

No ano de 1999, a Core Design lançou o controverso Fighting Force 2 para PlayStation e Dreamcast. Infelizmente, a receita que resultou em um bom jogo no antecessor foi completamente reformulada na sequência. O que era um beat’up e sucessor espiritual de Streets of Rage se tornou um jogo de ação e aventura com elementos de exploração e stealth que lembravam até Tomb Raider, franquia da própria Core Design. Sem grandes surpresas, os jogadores se assustaram quando Fighting Force 2 chegou ao mercado devido ao jogo ser muito diferente ao primeiro.

A única semelhança foi a presença de Hawk Manson, um dos quatro protagonistas de Fighting Force (1997). Dessa vez, ele atua sozinho para combater uma corporação suspeita de fazer pesquisas proibidas sobre clonagem. Ou seja, sem suporte ao multiplayer por aqui. Para piorar, as fases em Fighting Force 2 são muito mais longas e até mesmo monótonas. O jogo recebeu inúmeras críticas na época e ficou negativamente conhecido por ser a razão do encerramento da franquia.

Preços da Coletânea

3. Lançamento da Fighting Force Collection

Acredita-se que as vendas da Fighting Force Collection sejam motivadas apenas pelo jogo de 1997. Entretanto, um olhar diferente na sequência, sem compará-la ao antecessor, pode até torná-la em um jogo decente. Mas, mesmo sendo um fã, será que vale a pena comprar a coletânea? Confira os preços abaixo e deixe seu comentário!

• Steam: R$ 84,99
• PlayStation: R$ 114,90
• Nintendo Switch: R$ 114,95

Fontes: Steam, PlayStation e Nintendo

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Seattle, Estados Unidos

Review do StarTropics: História

A ideia de que StarTropics é voltado para o público ocidental já é mostrada logo no começo da trama. Não há castelos ou um reino mágico. Nosso protagonista, um adolescente de 15 anos chamado Mike Jones, vive em Seattle, uma cidade do estado de Washington, Estados Unidos. Um dia, ele viaja para, agora fictícia, Ilha C, localizada no Pacífico. Sua intenção era visitar seu tio, o arqueólogo Dr. Steven Jones, que havia o convidado para ir até lá. Entretanto, após encontrar com o “Chief” da vila Coralcola, ele descobre que seu tio havia desaparecido.

Armado com um ioiô especial da ilha, e parte para encontrá-lo. O começo da jornada é, de certa forma, simples, mas a trama escala de uma maneira inesperada, ao ponto de encontrarmos uma temática de ficção científica em uma ilha tropical. Essa escalada é notória quando Mike Jones descobre que seu tio foi sequestrado, simplesmente, por alienígenas. Assim, vemos naves espaciais, civilizações perdidas, artefatos mágicos. A Nintendo não poupou a criatividade aqui.

O Zelda Americano e a Quebra da Quarta Parede

Review do StarTropics: Jogabilidade

StarTropics é um jogo de ação e aventura que mescla elementos de gêneros como RPG e de puzzle plataformer (quebra-cabeça de plataforma). Ele é 2D e jogado em duas perspectivas: uma visão aérea quando estamos na exploração do overworld, e a perspectiva top-down, de cima para baixo, com a câmera bem mais próxima de Mike Jones e que é muito semelhante a The Legend of Zelda (1986). A princípio, somos levados a acreditar que StarTropics é um jogo de mundo aberto, mas, na verdade, ele é dividido em capítulos, e precisamos superar um por um, de forma linear, para avançar. Para superar os capítulos, é preciso realizar muita exploração, conversando com NPCs e viajando em um submarino comandado por um robô.

Após a exploração, vamos diretamente para as dungeons, que é onde StarTropics começa de verdade. Temos um sistema de movimentação baseado em grades, grid-based movement, o que significa que Mike se desloca de azulejo em azulejo para avançar pelas masmorras. O jogador logo nota que precisa se adaptar a esse novo estilo por conta do pequeno atraso proposital que há antes de Mike se movimentar e da forma como é necessário mudar a direção que o protagonista está apontando sem mudar o azulejo, pressionando o D-Pad por um breve segundo. O pulo também funciona neste sistema de grades, com o Mike pulando apenas quando há necessidade e cobrindo dois blocos ao realizar o salto.

O sistema de combate também foi construído tendo como base o grid-based movement. StarTropics foi projetado para incentivar os jogadores a observarem a forma como os inimigos agem e, assim, planejar seus movimentos de forma estratégica. É um verdadeiro jogo de quebra-cabeças e de estratégia, não um jogo com mais liberdade para a ação, como The Legend of Zelda. Assim, vemos que o “Zelda Americano” não tem essa fama por conta do combate, mas, sim, devido à estrutura de dungeons, à perspectiva da câmera e à semelhança absurda na interface no geral, com destaque para os corações idênticos aos de Zelda.

Há um detalhe que também precisamos destacar em StarTropics: a quebra da quarta parede. Para zerarmos o jogo na época, precisávamos de uma carta que vinha acompanhada do jogo original e do manual. Em um momento da nossa aventura, Mike precisa sintonizar uma frequência de rádio em seu submarino para entrar em contato com seu tio. Para isso, o game pedia para o jogador mergulhar esta carta física na água. A carta em questão contava com uma tinta especial que reagia quando entrava em contato com a água e revelava um texto com a frequência que precisávamos colocar no jogo: 747 MHz.

Ao mesmo tempo que foi uma ideia genial por parte da Nintendo, também pode ter gerado muita frustração. Para começar, muitos jogadores que possuíam o jogo original e a carta não conseguiram compreender a quebra da quarta parede de imediato. Também foi o terror de locadoras e de compradores de jogos usados em uma era em que internet era luxo para poucos e que apenas revistas de games poderiam salvar. A verdade é que muitos encararam o temido “softlock“, quando travamos em um jogo e não há mais o que fazer.

Curiosidade: StarTropics foi relançado para Virtual Console de Nintendo Wii e Nintendo WiiU, e para o Nintendo Switch Online. Sem ajuda externa ou uma sorte absurda é, basicamente, impossível zerar o jogo no Nintendo Switch, pois não há como verificar a carta secreta e a frequência 747 MHz. Já no Nintendo Wii e no Nintendo WiiU, a Nintendo colocou o manual de forma digital para o jogador verificar. No meio das páginas, lá estará a carta já “molhada” com o texto secreto visível.

Nada Especial

Review do StarTropics: Gráficos

Para o ano de 1990, os gráficos de StarTropics não fazem os olhos dos jogadores brilharam. O destaque em relação aos visuais fica para as cutscenes, que contam com os personagens grandes e bem detalhados conversando com Mike Jones. A temática tropical é seguida à risca, tanto na gameplay como nas cutscenes, mesmo com os elementos de ficção científica que há no jogo. São visuais que podemos chamar de “sólidos” ao ponto de não serem o ponto alto da jogatina, mas, ao mesmo tempo, não decepcionarem de forma alguma.

A Batida Tropical

Review do StarTropics: Música

O responsável pelas músicas de StarTropics foi Yoshio Hirai. O compositor japonês trabalhou em apenas dois jogos em sua curta carreira na indústria dos games. Além do próprio StarTropics, ele também foi chamado para trabalhar na sequência Zoda’s Revenge: Star Tropics II (1994). Ele fez um ótimo trabalho misturando a “paz tropical” de uma ilha com a necessidade de encarar uma aventura perigosa. Destacam-se muitas trilhas, como “Title Theme“, “World Map“, “Ocean World Map“, “Fortune Teller and Village“, “Dungeons Theme“, “Castle Theme” e “Alien Spaceship Dungeon“.

Vale a Pena?

Review do StarTropics: Conclusão

Neste review do StarTropics, vimos que se trata de um jogo que exala criatividade. Mesmo 35 anos depois, ele é capaz de cativar os jogadores com um excelente desafio recheado de humor e de mistérios. Foi mais uma prova da criatividade fora do comum da Nintendo, que continuava a entregar aventuras únicas e elementos que poucas ou, até mesmo nenhuma, desenvolvedora seria capaz de conceber, como foi a quebra da quarta parede com a mensagem secreta. O “Zelda Americano” entregou até mais do que aquilo que foi prometido.

Feliz aniversário de 35 anos, StarTropics!

Fontes: Eurogamer, Nintendo Life e IGN

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O Significado de “Gaiares” ou “Gaiaresu”

Review do Gaiares: História

De uma forma geral, os jogos de nave não se destacam por suas tramas, mas a Telenet Japan fez questão de entregar uma história muito interessante, a começar pela criatividade do nome de seu jogo. Gaiares é a união do prefixo “Gaia”, a personificação da Terra na mitologia grega, e o sufixo “less”, que significa “menos” em inglês. Na língua japonesa, a maioria das palavras termina em vogal. Por essa razão, eles adaptam palavras estrangeiras que terminam em consoantes, como o S de “less”, colocando uma vogal para pronunciar. Além disso, o idioma não distingue os sons de L e R, utilizando um único fonema representado pelo caractere ら (ra) e suas variações. Por isso, “less” é adaptado como レス (resu). Assim, o nome original do jogo é pronunciado “Gaiaresu“, em vez de “Gaialessu”.

Na localização ocidental de fevereiro de 1991, o título foi simplificado para o nome que já conhecemos: Gaiares. Tendo esta explicação em mente, podemos entender que o nome do jogo significa algo como “Mundo Sem Terra”, “Terra Perdida”, “Terra Ausente”. A razão é que no ano 3008, a Terra se tornou um depósito de lixo tóxico, fruto da negligência humana, o que resultou em um local inabitável. A situação ficou crítica ao ponto de não haver mais vida no planeta e os humanos estarem quase extintos e vivendo em uma colônia espacial.

Neste contexto, o lixo de uns pode ser o tesouro de outros. Os piratas espaciais alienígenas Gulfer, liderados pela principal antagonista de Gaiares, a Rainha ZZ Badnusty, planejam utilizar de toda a poluição da Terra para criar armas de destruição em massa. Temendo pelo pior, Leezaluth, o império governante da galáxia, enviou um aviso aos humanos sobreviventes afirmando que eles deveriam deter os Gulfer. Caso contrário, Leezaluth transformaria o sol em uma supernova, causando uma explosão que destruiria a Terra e impediria os planos de ZZ Badnusty. Ainda havia outro detalhe: se os humanos conseguissem impedir os Gulfer, Leezaluth daria um novo planeta como a Terra para eles viverem.

Os humanos tinham um novo caça estelar para combater os Gulfer, e o escolhido para pilotar foi o jovem piloto Diaz ou Dan Dare, na localização ocidental. A nave utiliza de uma arma experimental de Leezaluth, a TOZ System, que é operada por uma princesa alienígena chamada Alexis, a amada do nosso herói. Toda esta introdução é contada por uma cutscene de mais de 7 minutos e que contam com bonitas cenas no estilo anime. Curiosamente, os alienígenas em Gaiares, como ZZ Badnusty e Alexis, possuem a aparência humana.

TOZ System e Memorização

Review do Gaiares: Jogabilidade

Gaiares é um jogo de nave de rolagem horizontal, o que significa que a nave voa para frente, em vez de para cima. O TOZ System mencionado no tópico sobre a história também é uma parte crucial da jogabilidade de Gaiares e um detalhe que o torna muito original quando comparamos a outros jogos do gênero. Esse sistema faz com que Gaiares não conte com os clássicos powerups flutuando na tela para o jogador coletar. Tudo envolve um drone que acompanha a nossa nave. Ao lançar o drone contra um inimigo, ele pega as informações do inimigo para que a nave possa aprender uma nova arma. Há dois detalhes importantes sobre o sistema:

• Evolução: se você capturar a mesma arma diversas vezes, ela vai evoluir e se tornar cada vez mais forte;
• Variedade: Gaiares conta com 18 tipos de armas diferentes, o que incentiva o jogador a experimentar todas elas e intensifica o fator replay.

Tudo muito interessante, mas, agora, surgem problemas: o primeiro é que Gaiares é extremamente difícil, injusto e punitivo. Além de o sistema de checkpoint ser terrível e as fases serem muito longas, com exceção da oitava e última fase que é o “Final Boss“, a morte também significa que você retorna com a arma padrão, que é horrível. Se você morre em uma área avançada, e os inimigos não têm armas boas para usar o TOZ System, significa que a jogatina pode ter encontrado o seu fim, mesmo que você ainda tenha vidas.

Das 18 armas, poucas são, realmente, úteis. É necessário focar apenas em uma e ir avançando e evoluindo apenas com ela. Memorização é o termo chave em Gaiares. Caso você não saiba qual arma roubar e, principalmente, como se posicionar em cada mísero centímetro nas fases e contra os chefes, os seus reflexos, por melhores que eles sejam, serão inúteis. É um jogo brutal para aqueles que desejam se desafiar.

Um Sólido Visual

Review do Gaiares: Gráficos

Gaiares entrega uma boa experiência visual, batendo de frente com os melhores jogos do gênero no Mega Drive. Para começar, temos as cenas em anime, que, embora simples, são bonitas e cumprem o papel de contar a história. Durante a jogatina vemos muitos objetos na tela, sem afetar a taxa de quadros, e múltiplas camadas de parallax para levar a sensação de profundidade. Os gráficos são muito competentes, mas se tem algo que realmente brilha em Gaiares são os chefes. Os sprites dos bosses são gigantescos e ainda possuem várias partes que se movem, o que concedem a eles um ar ainda mais bonito e ameaçador.

Um Inconsistente Som

Review do Gaiares: Música

A trilha sonora de Gaiares foi composta por Shinobu Ogawa, conhecido também por seus trabalhos em Valis: The Fantasm Soldier, Valis II e Valis III. Ele buscou mesclar os gêneros rock’n roll com techno, tentando ao máximo acompanhar o ritmo do shoot’em up. Em algumas fases, a música é um espetáculo, mas em outros, ela passa muito despercebida. É uma trilha, infelizmente, inconsistente. Por isso, é bom destacar apenas aquelas que vale a pena, como “Opening Theme”, “Mission 1”, “Mission 3” e “Mission 4”.

Conclusão

Review do Gaiares: Conclusão

Neste review do Gaiares, vimos que ele é um jogo com suas inconsistências e que não é para qualquer um. Vale a pena conferir este clássico de Mega Drive 35 anos após seu lançamento, mas é necessário ter em mente que ele não tem pena alguma do jogador. É um desafio real e que vai exigir enorme paciência do começo ao fim, principalmente por conta da necessidade de memorização para aplicar o TOZ System da melhor forma e, obviamente, para evitar os projéteis no geral. Foi um grande trabalho dos designers Koji Yokota (ActRaiser, Soul Blazer, Ilusion of Gaia) e Masayasu Yamamamoto (Alundra 2, Pokémon Mystery Dungeon)

Feliz aniversário de 35 anos, Gaiares!

Fontes: HardcoreGaming101 e Shmups

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Uma Aventura por Jipang

Review do Tengai Makyō Zero: História

Em Tengai Makyō Zero, temos o clássico clichê do “herói escolhido”, muito comum dos anos 80 até os anos 90. A aventura se passa no mundo de Jipang, que é uma versão alternativa do Japão feudal. A crise se inicia quando um príncipe maligno liberta o Lorde Demônio Ninigi, que sela os deuses de Jipang e, com isso, passa a oprimir os povos dos seis reinos desde mundo. Em um dos ataques dos capangas demônios de Ninigi, eles acabam assassinando um senhor que se revelaria ser o avô do protagonista de Tengai Makyō Zero, Higan.

Após a morte de seu avô, Higan descobre que é o lendário “Fire Hero” (Herói de Fogo) e que deve partir para salvar Jipang da tirania de Ninigi, despertando os deuses e selando todo o mal que oprime os reinos. Vale destacar que Tengai Makyō Zero, assim como toda a série Far East of Eden, é conhecida pelo humor ácido com uma mescla muito interessante entre momentos bobos e épicos ao mesmo tempo.

Personal Life Game System

Review do Tengai Makyō Zero: Jogabilidade

Tengai Makyō Zero bebe muito de duas fontes: Phantasy Star, da SEGA, e Dragon Quest, da Chunsoft e Heartbeat na época. De Phantasy Star, mais especificamente Phantasy Star II (1989) e Phantasy Star IV: The End of the Millenium (1993), temos em Tengai Makyō Zero as batalhas sendo realizadas na perspectiva em terceira pessoa e são muito bonitas, por sinal. Já o sistema de batalha tem todo o estilo de Dragon Quest, na hora das lutas, nos encontros aleatórios e na forma como se aprende novas habilidades.

Definitivamente, não há muita originalidade por aqui. A exploração é longa, porém, normal, os personagens não têm grande desenvolvimento, e o jogo é considerado um “grind-heavy game“, o que significa que haverá muitos momentos em que precisamos parar por bons minutos em uma área para adquirir muita experiência e level, se quisermos prosseguir. Por isso, o verdadeiro destaque do jogo se chama Personal Life Game System (PLGS).

No início de cada jogatina, precisamos colocar a data, a hora e a data de nascimento. Isso fará toda a diferença por conta de eventos que levam em consideração o tempo real. Quando jogador no seu aniversário, o jogo lhe dará os parabéns. Também há influencia em festivais, nos horários que as lojas abrem e os itens que elas oferecem, certos eventos especiais. Enfim, recomenda-se verificar guias sobre o PLGS para compreender bem como tudo funciona e aproveitar ao máximo o game. Ainda mais que o jogo é conhecido por ter uma quantidade gigantesca de diálogos, sendo uma das boas razões para o jogo não ter sido localizado para o ocidente. Já imaginou a demora para traduzir tudo para o inglês?

Falando em funcionar, esse detalhe do tempo e do número enorme de diálogos só são possíveis graças ao chip especial SPC7110 que já comentamos. Além de ser poderoso ao ponto de permitir um número gigantesco de sprites de inimigos, evitando repetições, esse chip tem um relógio em tempo real que resulta nos diferentes eventos. Isso também inclui os pets que há no jogo e que crescem mesmo com o console desligado. Um espetáculo, desde que a bateria interna do cartucho esteja funcional! Desnecessário lembrar que o SPC7110 encarece o produto, e isso também foi motivo para o game não chegar ao ocidente.

Um Fantástico Visual

Review do Tengai Makyō Zero: Gráficos

O poderoso chip de Tengai Makyō Zero também possibilitou o game incluir uma variedade enorme de informações, e isso influencia nos visuais. Os gráficos são tão detalhados que é fácil confundir o game de Super Famicom com um de PlayStation ou Sega Saturn. Em especial quando notamos uma quantidade enorme de frames de animação para todos os personagens. É provável também que Tengai Makyō Zero seja o único RPG do Super Famicom em que todos os sprites dos inimigos são diferentes. Ou seja, não há meras mudanças de paletas de cores para diferenciá-los.

Outro ponto muito legal é a mudança dos mapas quando conseguimos livrar um reino dos demônios, o que mostra o nível de detalhes que a Red Company buscou em seu jogo, aproveitando ao máximo do chip à sua disposição. Um belíssimo pixel art.

O Épico e o Cômico

Review do Tengai Makyō Zero: Música

A trilha sonora de Tengai Makyō Zero contou com muitos compositores. Entre eles, nomes como Aya Tanaka (Bomberman Jetters, Ninja Five-O), Kohei Tanaka (Alundra, Alundra 2, Legend of Legaia), Ishiro Shimakura (Saturn Bomberman, Bomberman 64, Bomberman Hero) e Keita Hoshi (Ys: Book I & II, Bomberman, Bomberman ’93, Super Bomberman 3). Vale lembrar que a Hudson Soft estava no projeto, o que explica a quantidade de Bombermans no currículo dos compositores. A temática do Japão feudal foi utilizada na música também para levar o tom épico da aventura e cômico do humor ácido característico da franquia.

Mais uma vez, o chip especial entrou em ação para que fosse possível criar uma “playlist” colossal. “Hero of Fire“, “To a New Future“, “The Final Battle” e “Animal’s God” são apenas algumas das trilhas em uma vasta lista de ótimas músicas em Tengai Makyō Zero. Vale a pena conferir.

Um dos Gigantes do SNES, Literalmente

Review do Tengai Makyō Zero: Conclusão

Neste review do Tengai Makyō Zero, vimos que ele entregou um dos cartuchos mais pesados do Super Famicom, com um chip que só foi utilizado em outros dois jogos da Hudson Soft: Momotaro Dentetsu Happy e Super Power League 4, ambos sem o relógio interno. A beleza do jogo e a criatividade do PLGS são espetaculares, mas não podemos negar que sua história extremamente clichê e o uso de uma fórmula bastante básica do gênero RPG não o colocam no mesmo patamar de títulos como Chrono Trigger ou Final Fantasy VI, por exemplo. Se for jogar, vá sem grandes expectativas e aproveite do que a direção de arte e as músicas oferecem!

Feliz aniversário de 30 anos, Tengai Makyō Zero!

Fontes: RPGGamer e JRPGC

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