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Um samurai no Período Sengoku

1. Review do Onimusha: Warlords – História

A trama do jogo nos coloca na pele de Samanosuke Akechi um ano depois da Batalha de Okehazama, um evento real que ocorreu no ano de 1560 durante o período Sengoku, no Japão. Samanosuke é um personagem fictício, assim como o verdadeiro começo da história de Onimusha, mas ele é inspirado em figuras históricas reais do clã Akechi. A principal inspiração é o general Akechi Mitsuhide, famoso devido ao Incidente de Honnõ-ji (1582), quando ele traiu o lendário Oda Nobunaga, que veio a falecer durante o evento. O que a Capcom fez com a trama foi o clássico “e se”, mostrando o que poderia ter acontecido se Nobunaga retornasse como uma entidade demoníaca.

Em Onimusha: Warlords, Oda Nobunaga supostamente morre na Batalha de Okehazama, embora tenha se saído vitorioso. Então, um ano depois, Samanosuke recebe uma carta da Princesa Yuki, que lhe enviara um pedido de socorro. Segundo ela, o Castelo de Inabayama havia sido tomado por forças demoníacas conhecidas como Genma e que eram lideradas por um Oda Nobunaga ressuscitado das trevas. O castelo, por sinal, também existe na vida real e, atualmente, é conhecido como Castelo de Gifu.

Em sua missão, Samanosuke tem a ajuda da kunoichi Kaede e ainda recebe uma manopla, a Oni Gautlet, que é utilizada para absorver as almas dos demônios derrotados e, como consequência, receber novos poderes. Trata-se de uma narrativa clássica, com vilões memoráveis e toda a atmosfera que mistura fatos reais com fantasia sombria e horror sobrenatural.

Resident Evil de espadas

2. Review do Onimusha: Warlords – Jogabilidade

Jogo da Capcom com características de Resident Evil? O projeto só pode ter sido liderado por Shinji Mikami, certo? Errado, mas quem dirigiu Onimusha Jun Takeuchi, que trabalhou em Resident Evil (1996) e em Resident Evil 2 (1998). Também esteve na produção Keiji Inafune, famoso por ser o principal nome por trás da franquia Mega Man, mas o game protagonizado por Samanosuke ficou com a alma do Survival Horror da Capcom. A verdade é que a ideia original de Onimusha era um literal Resident Evil no Japão feudal e no PS1, mas foi decidido pela criação de uma nova IP. A decisão se mostrou acertada, visto que o jogo virou uma trilogia muito popular nos anos 2000.

Apesar das mudanças de rumo, Onimusha apresentou as seguintes características de Resident Evil em sua jogabilidade: câmeras fixas, inimigos “grotescos” (demônios no lugar dos zumbis), o sistema semelhante de salvamento, a exploração de cenários fechados com muitos puzzles e backtracking, e o clima de tensão típico de um jogo com essa temática mais sombria. Entretanto, é claro que o game do PS2 possui sua própria identidade com os combates de espada e o sistema de absorção de almas. O destaque fica para sua mecânica central, o Issen, um recompensador contra-ataque que exige timing e habilidade do jogador.

Uma abertura de milhões

4. Review do Onimusha: Warlords – Gráficos

A espetacular introdução de Onimusha: Warlords custou milhões de dólares para a Capcom. O marketing como um todo custou algo entre US$ 5 milhões e US$ 10 milhões, valores que eram ainda mais impressionantes para a época. Assim, é possível imaginar o quanto a desenvolvedora queria impactar os jogadores com seus visuais, fosse na introdução ou durante a jogatina. Os cenários pré-renderizados eram muito detalhados, ao ponto de se assemelharem a pinturas a óleo. Ao mesmo tempo, os modelos dos personagens apresentavam expressões faciais e ótima sincronia labial, colocando Onimusha à frente de qualquer lançamento do PS2. Um espetáculo!

A polêmica musical

4. Review do Onimusha: Warlords – Música

Por anos, os créditos da trilha sonora de Onimusha: Warlods foi dado a Mamoru Samuragochi, um suposto compositor que alegava ser surdo e que, por isso, era conhecido como “Beethoven Japonês”. Entretanto, anos depois, descobriu-se que ele era uma farsa. Foi revelado em 2014 que Samuragochi não era surdo de verdade e que maior parte de seu trabalho realizado desde 1996 foi feito por um ghostwriter que ele contratou, o verdadeiro gênio técnico chamado Takashi Niigaki.

A revelação foi feita pelo próprio Niigaki, que alegava ter medo de destruir a carreira de Samuragochi e dizia até sofrer chantagens dele, como ameaças de suicídio. O verdadeiro compositor se cansou apenas em 2014, quando soube que as músicas do farsante seriam utilizadas até nas Olimpíadas de Inverno. O escândalo foi tão grave que a Capcom não utilizou das músicas originais no remaster de 2019, o que gerou críticas dos fãs.

Falando das músicas originais, o orquestral japonês é um espetáculo, ditando o peso de cada batalha e de cada exploração. Destacam-se músicas como Samanosuke Theme, Waterfall Mountain e Gale.

Vale a pena?

5. Review do Onimusha: Warlords – Conclusão

Onimusha: Warlords é um jogo deu aulas de como fazer um jogo espetacular sem a necessidade de coloca dezenas de horas de gameplay. Com cerca de 4 a 6 horas de jogatina, o jogo entrega uma experiência épica, com uma união praticamente perfeita entre o terror e a ação. Um fantástico primeiro passo de uma franquia que merecia ainda mais reconhecimento.

Feliz aniversário de 25 anos, Onimusha: Warlords!

Fontes: Eurogamer e Gamefaqs

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Dois Filmes

Review do The Lion King: Simba’s Mighty Adventure: História

Como mencionamos antes, a narrativa de The Lion King: Simba’s Mighty Adventure cobre os dois filmes do Rei Leão, o primeiro de 1994 e sua sequência de 1998. Assim, vivemos alguns dos momentos mais icônicos da obra, como o cemitério de elefantes e a debandada de gnus, até chegarmos à fase adulta de Simba, onde ele confronta os principais vilões de ambos os filmes, Scar de 1994 e Zira de 1998. Foi uma boa ideia para acompanhar novamente a história dos dois filmes ou, simplesmente, conhecê-los para quem nunca assistiu.

Poderia Ser Mais Acessível

Review do The Lion King: Simba’s Mighty Adventure: Jogabilidade

The Lion King: Simba’s Mighty Adventure é um jogo de plataforma em 3D. Seguindo o exemplo dos jogos do Rei Leão para o Super Nintendo e Mega Drive, o Simba no PlayStation também conta com ataques como o salto sobre os inimigos, o rugido para paralisá-los e se torna mais agressivo na fase adulta. Como a maioria dos plataforma em 3D da época, temos os famosos coletáveis nas fases, que podem liberar quebra-cabeças, mini-games e até clipes dos filmes. Claro que Timão e Pumba aparecem em alguns dos bônus.

Agora, falando a respeito da movimentação e da necessidade do pulo entre as plataformas para avançar, The Lion King: Simba’s Mighty Adventure poderia ser ótimo neste quesito. Entretanto, seus controles dividiram muito as opiniões. Ou você acha os controles bons, ou acha eles pouco responsivos. A câmera também pode ser frustrante em certos momentos. Esses detalhes, muito provavelmente, fizeram The Lion King: Simba’s Mighty Adventure ser ofuscado por outros grandes nomes do gênero, como Crash Bandicoot e Rayman.

Um Pouco Vazio

Review do The Lion King: Simba’s Mighty Adventure: Gráficos

Era um risco tremendo lançar um jogo para o PlayStation no ano 2000, visto que nova geração já estava batendo à porta. Além de os jogadores já estarem se preparando para o enorme salto gráfico, eles também queriam ver o PlayStation e outros consoles de sua geração atingirem o limite de seus respectivos hardwares. Infelizmente, não foi isso que aconteceu com The Lion King: Simba’s Mighty Adventure.

Os gráficos até que são competentes, com bons modelos e animações, mas são simples demais para o ano 2000. Para piorar, faltou ambição em diversos cenários, que parecem ser praticamente vazios em certos momentos. Por isso, o ponto alto do jogo em relação ao visual fica para os vídeos com trechos reais dos filmes da Disney para contar a história entre uma fase ou outra.

A Adaptação Sonora

Review do The Lion King: Simba’s Mighty Adventure: Música

As músicas de The Lion King: Simba’s Mighty Adventure são, basicamente, as composições de Elton John e de Hans Zimmer adaptadas para o chip sonoro do PS1. O som instrumental brilha bastante nos trechos dos filmes que aparecem entre as fases, assim como as dublagens. Entretanto, durante a jogatina, o que temos é algo como “ritmo da savana”, que combina com toda a exploração que realizamos no caminho, mas se torna um pouco monótona com o passar do tempo.

Não Foi Memorável?

Review do The Lion King: Simba’s Mighty Adventure: Conclusão

A nostalgia talvez nos engane um pouco. The Lion King: Simba’s Mighty Adventure tem seu charme, mas não faz mais do que um grande número de jogos de plataforma em 3D. Poderia ter um melhor refinamento gráfico, poderia valorizar mais a experiência sonora durante a jogatina. Os trechos dos filmes são muito legais e, talvez, o ponto mais forte do jogo, ao lado dos colecionáveis. Infelizmente, era necessário fazer muito mais em 2000, com o PlayStation 2 chegando e tantos outros jogos do gênero já consolidados. Mesmo assim, é válido lembrar deste título que, mesmo com seus defeitos, tem bastante carisma.

Feliz aniversário de 25 anos, The Lion King: Simba’s Mighty Adventure!

Fontes: IGN e Neoplayerpodcast

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Roxas, Sora, Organization XIII e Mais

Review do Kingdom Hearts II: História

A história de Kingdom Hearts como um todo pode exigir bastante da atenção do jogador durante a jogatina, pois ela é um pouco mais complexa do que todos imaginavam. Originalmente, os eventos de Kingdom Hearts II se passavam após os acontecimentos de Kingdom Hearts: Chain of Memories (2004), jogo lançado para o Game Boy Advance. Entretanto, em 2009, foi lançado para o Nintendo DS Kingdom Hearts 358/2 Days, que tem seus eventos ocorrendo entre Chain of Memories e Kingdom Hearts II. Como já mencionamos, é uma história que pode ser bastante confusa, mas com um pouco de esforço a gente começa a entender.

Kingdom Hearts II inicia com Roxas, o “Nobody” do protagonista Sora. Mas, o que seria um nobody? Também não é tão simples assim de explicar. Em resumo, são cascas vazias, o corpo e a alma deixados para trás de uma pessoa que perdeu seu coração para a escuridão e se tornou um Heartless. São seres que, teoricamente, não existem, mas retém memórias e podem desenvolver novos corações. Geralmente, eles aparecem como servos ou membros poderosos da Organization XIII.

Sora, Pateta (Goofy) e Donald estiveram adormecidos no último ano para que pudessem recuperar suas memórias perdidas. Roxas está preso em uma simulação de Twilight Town que foi criada pelo complexo personagem DiZ. O objetivo de DiZ é fundir Roxas com seu “eu original” e, assim, restaurar o poder de Sora. A Organization XIII tenta impedir que isso ocorra, mas Roxas consegue evitá-los e se fundir com Sora, ao mesmo tempo que Donald e Pateta despertam também.

Após este longo prólogo, o trio inseparável encontra com o Rei Mickey e Yen Sid. Eles enviam os três a uma jornada para encontrar Riku e descobrir os planos da Organization XIII. No caminho, eles passam por icônicos mundos da Disney, como Mulan, Piratas do Caribe e Hércules, até encontrarem Xemnas, o verdadeiro antagonista e “final boss” em Kingdom Hearts II.

Um Action RPG de Muito Respeito

Review do Kingdom Hearts II: Jogabilidade

Aqui está um dos pontos mais elogiados de Kingdom Hearts II. Seu estilo de gameplay envolve elementos de Action RPG e hack’n slash, tudo na perspectiva em terceira pessoa e o combate ocorrendo em tempo real. É semelhante ao Kingdom Hearts (2002), mas com muitos refinamentos e melhorias, como na câmera, um dos elementos mais criticados no game de 2002. Kingdom Hearts II, teoricamente, é um jogo com a história principal bastante linear e contada por cutscenes, mas o conteúdo que existe no jogo é imenso ao ponto de beirar o impossível o jogador não se interessar em explorar cada side-quest e mistério extras que existem em cada canto. Afinal de contas, quem não gostaria de se desafiar na temida Hades Paradox Cup ou encarar o chefe opcional Sephiroth, de Final Fantasy VII?

A base de Kingdom Hearts II é o hack’n slash, com o jogador podendo atacar no corpo a corpo os inimigos com a “Keyblade” de Sora. Ao mesmo tempo, temos um menu no canto inferior esquerdo, o “Commands”, que nos possibilita a usar magias, itens, entre outros. Destacam-se as “Drive Forms“, que faz com que Sora se funda com seus aliados para adquirir uma forma temporária, mais poderosa e com um estilo de luta e movimentação diferentes. Já no menu principal, ainda podemos escolher as magias de ação ou de suporte, baseadas na quantidade de AP que possuímos.

A grande novidade em Kingdom Hearts II ficou para os “Reaction Commands“. Eles trouxeram um grande dinamismo para as batalhas com suas funções de criar combos contextuais, finalizações belas e até bloqueios, tudo com o apertar de um botão. Não vamos esquecer do “Gummi Ship”, as sequências de nave que sofreram uma evolução absurda em relação ao Kingdom Hearts (2002) e se tornaram uma parte bastante divertida em Kingdom Hearts II.

Disney Fantasy

Review do Kingdom Hearts II: Gráficos

Os gráficos de Kingdom Hearts II são espetaculares. Sua temática visava capturar o inconfundível estilo da Disney, e fez isso com muita competência ao mesmo tempo que não se esquecia dos traços de Final Fantasy. A criatividade foi às alturas também em certos mundos com temáticas mais específicas, como o visual preto e branco do Steamboat Willie e a estética um pouco mais realista de Port Royal dos Piratas do Caribe. Um espetáculo que envelheceu como um bom vinho.

Do Épico ao Emocional

Review do Kingdom Hearts II: Música

Kingdom Hearts II ficou conhecido pela trilha sonora que varia entre o épico e a emoção de momentos mais dramáticos. A principal compositora foi Yoko Shimomura, um nome de enorme relevância na Square Enix, tendo trabalhado em jogos como Front Mission (1995), Super Mario RPG (1996), Parasite Eve (1998) e Legend of Mana (1999), antes de partir para sua jornada na franquia Kingdom Hearts. Destacou-se também a colaboração da cantora Hikaru Utada, que contribuiu com canção “Sanctuary” em Kingdom Hearts II.

É alto o número de músicas de destaque em Kingdom Hearts II, o que mostra bem o talento e genialidade de Yoko Shimomura. Além da própria Sanctuary, podemos citar “Dearly Beloved“, “The Corrupted“, “Sinister Shadow“, “The 13th Dilemma“, “A Fight to the Death” e “Darkness of the Unknown“.

Uma Obrigatória Viagem

Review do Kingdom Hearts II: Conclusão

Difícil pensar em PlayStation 2 sem pensar em Kingdom Hearts. Para muitos, Kingdom Hearts II segue sendo o melhor jogo da franquia até hoje, graças, em especial, aos espetaculares personagens, heróis ou vilões, e as épicas lutas contra os chefes. O jogo ganhou ainda mais relevância graças ao lançamento da reedição Kingdom Hearts II Final Mix (2007), que adicionou muito conteúdo novo e melhorou uma experiência que já era obrigatória para qualquer dono de PlayStation 2.

Feliz aniversário de 20 anos, Kingdom Hearts II!

Fontes: IGN e RPGFan

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Trama Simples e Sem Relação Com a Série

Review do Phantasy Star Online: História

Provavelmente, o ponto mais fraco de Phantasy Star Online: a história. Para começar, ela não possui qualquer relação com a série original Phantasy Star, que se iniciou no Master System e se popularizou ainda mais no Mega Drive. Phantasy Star Online mostra que a humanidade busca um novo lar por conta da ameaça de destruição iminente do planeta natal. Primeiro, é enviada a nave Pioneer 1 para o planeta Ragol. Após anos de silêncio, a nave Pionner 2 é enviada bem a tempo de eles presenciarem uma enorme explosão no novo planeta.

Tripulantes da Pionner 2 pousam para investigar a explosão e acabam descobrindo um planeta infestado de monstros. Eles também precisam procurar por Rico Tyrell, a filha do comandante da Pionner 2 que deixa mensagens que levam a um mal ancestral, Dark Falz. O restante da narrativa é mostrada nas explorações dos jogadores, graças aos registros existentes pelos cenários.

Um Ciclo Viciante

Review do Phantasy Star Online: Jogabilidade

Phantasy Star Online podia ser jogado tanto offline como online, mas é claro que o modo cooperativo via internet era seu maior agrado. Os jogadores assumiam o papel de aventureiros enviados para Ragol, o planeta que mencionamos no tópico da história de PSO. Era possível acessar um lobby, onde poderíamos conversar com outros jogadores utilizando de teclado físico ou na tela, e organizar times com quatro integrantes. Vale ressaltar que a comunicação era bastante universal por conta do sistema de frases que era traduzida automaticamente entre as línguas e emoticons.

Assim que organizávamos os times, éramos transportados para a Pionner 2, onde era possível comprar e vender itens, guardar dinheiro, procurar por quests, entre outros. O combate e a exploração eram realizados nos seguintes ambientes: Floresta, Cavernas, Minas e Ruínas. A luta ocorre no estilo RPG em tempo real, com a utilização de armas corpo a corpo ou à distância e de técnicas, que são as magias do jogo. Era necessário derrotar todos os monstros e o chefe da quest para receber recompensa e experiência. Quanto mais difíceis eram as quests, melhores eram as recompensas.

Claro que antes de encararmos as quests, precisávamos criar o nosso personagem. O jogo da Sonic Team contava com um sistema muito interessante para escolhermos tanto a classe (Hunter, Ranger ou Force) ou como a raça (Human, Newman e Android) do personagem que iríamos encarar nossa aventura.

Hunters

Especialistas em armas brancas, mas também podem usar de uma variedade de outras armas. São fracos em relação à precisão, mas compensam no poder do ataque. Melhor escolha para os novatos, Hunters podem utilizar de um bom número de espadas, como sabres e adagas, além de armas de fogo. Assim como as outras duas classes principais, seus estilos variam dependendo da escolha de raça e de gênero do personagem. Veja na tabela abaixo:

Rangers

Classe especialista em armas de fogo. Os Rangers contam com uma ótima precisão nos disparos, mas não têm muito poder de ataque. Recomendado para jogadores que possuem um pouco mais de experiência.

Forces

Enquanto Hunters são especialistas no corpo a corpo e Rangers brilham no combate à distância, os Forces são aqueles que tem como trunfo as técnicas (magias). São ótimos suportes, e suas poderosas habilidades compensam o baixo HP. São recomendados apenas para jogadores com um conhecimento mais avançado no jogo.

Avançados e Atraentes

Review do Phantasy Star Online: Gráficos

De uma forma geral, os gráficos de Phantasy Star Online foram elogiados. A fusão de ficção científica com fantasia encaixou perfeitamente na temática do jogo. Para a época, os visuais eram ótimos, com boa ambientação nos cenários e o charme na simplicidade dos modelos dos personagens. Por ser um RPG online, eram inevitáveis as comparações com outros títulos mais avançados dos computadores, que foi onde as limitações do Dreamcast, console de 1998, foram lembradas. No entanto, se levarmos em consideração a opinião geral, os gráficos de PSO tiveram um saldo bastante positivo.

Orquestra no Dreamcast

Review do Phantasy Star Online: Música

A trilha sonora de Phantasy Star Online foi criada por dois compositores que realizaram diversos trabalhos para a SEGA. Primeiro, a compositora Fumie Kumatani, que tem em seu currículo nomes como NIGHTS into Dreams, Burning Rangers, Sonic Adventure e Sonic Adventure 2. Ao seu lado, esteve Hideaki Kobayashi, com trabalhos em Sonic Heroes, Billy Hatcher e, mais recentemente, Like a Dragon: Pirate Yakuza in Hawaii. O estilo musical escolhido pelos dois foi um tom muito mais épico e orquestral, com destaque para nomes como “Whole New World”, “A Song For Eternal Story”, “Pioneer 2” e “Mother Earth Of Dishonesty”.

Conclusão

Phantasy Star Online ainda contou com uma grande atualização em 2001 no próprio Dreamcast, a Ver 2. O jogo sofreu com problemas comuns em games online, como cheating e exploits que permitiam duplicar itens, melhorar os personagens e até matar personagens de outros jogadores. Aproximadamente 1 milhão de cópias foram vendidas no mundo todo, com o pico de jogadores simultâneos sendo 26 mil. Em 2003, os servidores do Dreamcast no Japão e na América do Norte foram fechados, e as atenções se voltaram para o Gamecube com Phantasy Star Online: I & II.

Embora tenha durado menos de 3 anos, Phantasy Star Online (2000) mostrou a todos a magia da cooperação online nos consoles. Tanto que até hoje a comunidade mantém o jogo ativo em servidores privados, mostrando que seu legado segue mais vivo do que nunca!

Feliz aniversário de 25 anos, Phantasy Star Online!

Fontes: IGN, PSO Fandom e Infinity Retro

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A Maldição da Nuvem Negra

Review do Dark Cloud: História

A trama de Dark Cloud foca em um mundo com dois continentes que viviam separados e em paz. No oriente, uma civilização avançada e tecnológica. No ocidente, um mundo natural coexistindo com os espíritos e os animais ao seu redor. Então, o jogo começa quando o Colonel Flag Gilgister desperta o lendário Dark Genie, lançando uma “Nuvem Negra”, tradução literal de Dark Cloud, no continente ocidental, causando destruição e desaparecimentos em massa.

Neste contexto, surge o protagonista Toan, um sobrevivente de sua vila destruída. Ele encontra com Simba, the Fairy King, que lançou um feitiço de proteção, selando o que podia com orbes chamados de “Atla”, para proteger a todos dos ataques do Dark Genie, mas estes orbes acabam espalhados pelo vilão. O jovem recebe uma pedra mágica, chamada de “Atlamillia”, do Rei das Fadas e se encarrega de restaurar os Atla para suas formas originais.

Para cumprir seu objetivo, Toan precisa encarar uma aventura em masmorras, visando restaurar os Atla por meio de um sistema de Georama, que concede poderes ao jogador decidir onde colocar prédios e habitantes. Claro que, durante a jornada, somos apresentados a diversos aliados em uma trama com temas de reconstrução e equilíbrio entre humanidade e natureza.

Georama e Durabilidade

Review do Dark Cloud: Jogabilidade

Um dos grandes pilares da jogabilidade de Dark Cloud é o sistema Georama. Como mencionado no tópico anterior, ele possibilita o jogador a montar os prédios, pontes e tudo o que há nos orbes Atla em suas localizações originais. A atitude não é apenas estética; ela também é importante para satisfazer os pedidos dos moradores e recompensa o jogador com upgrades e até novas masmorras (dungeons). Também é muito gratificante ver cidades voltarem à vida peça por peça.

Agora, falando no combate em questão, o RPG carrega os elementos de ação em tempo real e hack’n slash, tudo na perspectiva em terceira pessoa. As masmorras são geradas de forma procedural, e o jogador precisa explorar suas múltiplas camadas e tomar muito cuidado com um detalhe muito punitivo chamado “durabilidade”. As armas se quebram com o uso contínuo, sendo necessário gerenciar recursos, investir em upgrades e pensar bem no planejamento em cada exploração.

LEVEL-5 Criando sua Marca

Review do Dark Cloud: Gráficos

Dark Cloud foi lançado em uma época em que alguns jogos buscavam um visual mais cartunesco com iluminação simples. Existia o cel shading, que ainda não era tão popular, embora o excelente Jet Set Radio já tivesse sido lançado alguns meses antes do título da LEVEL-5. A técnica gráfica em Dark Cloud lembra vagamente o cel shading, mas, na verdade, seu visual representa bem um período de transição, antes da consolidação da técnica gráfica. Com essa comparação com cel shading, já podemos enxergar que os visuais contam com um design colorido e cartunesco, o que seria a marca registrada da LEVEL-5 em jogos futuros.

O estilo utilizado funciona, ainda mais no começo da era PlayStation 2, e agrada bastante, apesar de ainda haver espaços para melhoras. Há críticas ao design repetitivo das masmorras por conta da geração de forma procedural, mas elas se salvam por conta das variações temáticas. No final das contas, o Georama é o destaque gráfico com a satisfatória reconstrução de cidades.

Uma Linda Orquestra

Review do Dark Cloud: Música

Como em boa parte dos games da LEVEL-5, o compositor é Tomohito Nishiura, que trabalhou, em especial, na franquia Professor Layton. Ele foi capaz de definir bem o tom da aventura, levando tons épicos para as cutscenes e sons mais sombrios para as masmorras. A trilha sonora é ótima de se ouvir e se destaque por nomes como “Owl Forest“, “Reminiscence” e, principalmente, o tema principal, “Main Theme“, que é facilmente reconhecido pelos jogadores.

Uma Boa Inovação

Review do Dark Cloud: Conclusão

A LEVEL-5 entregou um RPG bastante único e inovador, com a mescla de objetivos em explorar masmorras e reconstruir cidades. Talvez, seja desanimador o sistema de durabilidade, visto que ele pode ser bem punitivo até você entender como se planejar corretamente para as explorações, mas o sistema Georama concede vida ao Dark Cloud com uma experiência incomparável. Foi uma excelente estreia da LEVEL-5, que já mostrava bem sua genialidade e que seu futuro seria de muito brilho no mundo dos games.

Feliz aniversário de 25 anos, Dark Cloud!

Fontes: IGN e RPG Gamer

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Um Novo Mundo de Aventuras!

Review do Pokémon Crystal: História

Neste review do Pokémon Crystal, você verá que a trama tem a mesma base apresentada em Gold & Silver. Para começar, o protagonista tem a opção inédita de ser feminino, um detalhe que seguiria para os próximos jogos da franquia da Game Freak. Podemos escolher entre o menino Ethan ou a menina Kris. O jogador acompanha a jornada se tornar o campeão da Liga Pokémon de Johto, mais uma vez coletando as oito insígnias de ginásio. Repetem-se também os confrontos contra a Equipe Rocket, que busca se reerguer após sua queda em Kanto nos eventos de Pokémon Red & Blue.

Pokémon Crystal se diferenciou ao focar no Pokémon Suicune e no misterioso personagem Eusine, um pesquisador obcecado pelo lendário felino. Suicune passa a ser peça central na trama, culminando em um encontro fixo e épico na chamada Bell Tower. Vale lembrar que o game manteve o conteúdo pós-jogo que libera o jogador a revisitar Kanto, batalhar contra os líderes de ginásio e encarar o épico desafio contra Red, protagonista de Pokémon Red / Blue, em Mt.Silver.

A base com melhorias

Review do Pokémon Crystal: Jogabilidade

Pokémon Crystal permanece com o sistema de RPG por turnos inalterado. A base é a mesma vista em Pokémon Red & Blue e Pokémon Gold & Silver, com o jogador e o inimigo precisando aguardar sua vez para atacar. Pokémon Crystal optou apenas por levar algumas melhorias para conceder aos jogadores mais recursos e mistérios para explorar. A grande adição é a Battle Tower, um local competitivo e estruturado para os jogadores testarem suas habilidades contra NPCs sem restrições da Liga Pokémon. Um detalhe específico da versão japonesa, que faz o aniversário de 25 anos, é que a Battle Tower só podia ser acessada via Mobile Adapter GB, um periférico que conectava o Game Boy Color ou Game Boy Advance no celular para acessar a rede. A necessidade do periférico foi retirada na versão ocidental, que deixa a Battle Tower liberada.

Pokémon Crystal também levou alguns ajustes a certas áreas e consertou glitches que haviam em Pokémon Gold & Silver. Vale ressaltar que a versão definitiva também possuía mais Pokémon para serem explorados, visto que havia monstrinhos exclusivos para Gold e para Silver, como manda a cultura da franquia. De uma forma geral, foi uma experiência superior, com um melhor balanceamento e que levou os jogadores a aproveitarem mais toda a mística de Johto.

Boas otimizações visuais

Review do Pokémon Crystal: Gráficos

A arquitetura de Pokémon Crystal, de uma forma geral, é a mesma de Gold & Silver. Entretanto, ano de 2000 já era o auge do portátil da Nintendo, e a Game Freak fez o possível para otimizar sua versão definitiva. Para começar, temos a paleta de cores, que foi utilizada de uma forma muito mais eficaz ao ponto de destacar tanto o sprites dos Pokémon como todo o cenário de Johto. No entanto, o grande destaque ficou para as animações dinâmicas, que eram simples, mas já demonstravam o que o futuro reservava. Por exemplo, adicionava muita personalidade ver os Pokémon fazendo um leve movimento, um balançar de cabeça ou um breve ataque, antes de iniciar uma batalha.

A sutileza no som

Review do Pokémon Crystal: Trilha Sonora

Pokémon Crystal não regravou completamente a trilha sonora, mas concedeu algumas melhorias em relação a Gold & Silver. Isso, porque a versão definitiva foi feita para o sistema do Game Boy Color, que conta com uma capacidade de áudio mais avançada em relação ao Game Boy, levando uma qualidade de som mais limpa. Apesar disso, a experiência sonora não se diferenciou tanto de Gold & Silver, mantendo o mesmo estilo aventureiro perfeito para a região de Johto.

Review do Pokémon Crystal: Conclusão

Qualquer review do Pokémon Crystal indica que o game não uma versão qualquer visando arrancar o dinheiro do fã. O game corrigiu muitos dos erros de Gold & Silver e ainda refinou aquilo que já funcionava, com destaque para a implementação de Suicune como parte da trama central. A adição da Battle Tower foi um grande agrado, apesar de no Japão haver a necessidade de um periférico interessante, mas á frente em excesso de seu tempo. Gráficos com as animações nas batalhas também concederam uma personalidade única e a base para futuros jogos da franquia. Um espetáculo!

Feliz aniversário de 25 anos, Pokémon Crystal!

Fontes: Nintendo Life, IGN e 8bitbongo

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A Vingança de Nasira

A história de Aladdin: Nasira’s Revenge se passa entre após o fim do filme “O Retorno de Jafar” (1994) e antes dos eventos de “Aladdin e o Rei dos Ladrões” (1996). O jogo começa com Agrabah em perigo por conta de Nasira, uma poderosa feiticeira que está determinada a vingar a morte de Jafar, o seu irmão, e revivê-lo. Seu plano começa com os sequestros da Princesa Jasmine e do Sultão. Depois, Nasira ainda prende o Gênio na Caverna das Maravilhas e ainda remove seus poderes.

Com todos em apuros e sendo ameaçado por Nasira, Aladdin se vê obrigado a coletar um conjunto de antigas relíquias espalhadas por Agrabah. A vilã precisa dessas relíquias para ser capaz de ressuscitar Jafar. A aventura ocorre em diversos locais icônicos da franquia da Disney, mostrando o passo a passo da difícil missão do protagonista, ao lado de Abu e até de Jasmine, de frustrar a vingança de Nasira.

3D e 2D?

A Argonaut Games entregou uma interessante fusão entre o 2D e o 3D, visando alcançar um número maior de jogadores para Aladdin: Nasira’s Revenge. Entretanto, é evidente que o 3D é visto na maior parte do jogo, enquanto o 2D aparece em certas áreas de escalada e de túneis. Como mencionado no tópico anterior, temos três personagens jogáveis e cada um deles possui sua peculiaridade:

• Aladdin: luta com a espada, habilidade de pisotear, pula, corre e escala;
• Abu: pula para alcançar lugares mais altos, rola para passar por locais apertados e escala paredes para acessar áreas inacessíveis para o Aladdin;
• Jasmine: a princesa é jogável nas fases de stealth, podendo se esconder e, também, saltar.

Os níveis em Aladdin: Nasira’s Revenge contam com a necessidade de coletar moedas, derrotar os inimigos e ainda apresentam ambientes que o jogador pode interagir para progredir. O jogo ainda conta com alguns mini-games para dar um respiro na ação principal.

Gráficos Sem Inspiração

Para o PlayStation, os gráficos eram considerados medianos, nada impressionantes. Ainda mais levando em consideração que Aladdin: Nasira’s Revenge foi lançado em 2000. Há pontos bons, como a animação dos personagens que capturavam a essência da Disney, assim como a ambientação no geral e detalhes em alguns cenários. Entretanto, outros cenários foram considerados simples demais. Também foram criticados problemas gráficos como oscilação de texturas, draw distance e até cutscenes que pareciam ser piores do que a gameplay real. Faltou inspiração.

Composições da Disney

Disney’s Aladdin in Nasira’s Revenge não utiliza dos vocais conhecidos das músicas das animações, mas sua trilha sonora é totalmente inspirada delas. Assim, leva ao jogador a mesma sensação de estar assistindo a um filme do Aladdin. Enquanto as músicas originais foram compostas pelo norte-americano e vencedor de Oscars Alan Menken, o compositor em Nasira’s Revenge foi britânico Rob Lord (I-Ninja, Just Cause).

Conclusão

Disney’s Aladdin in Nasira’s Revenge foi uma boa ideia com a ambição de tentar agradar gregos e troianos, levando a nostalgia do plataforma em 2D com a moda atual do plataforma em 3D. A execução no geral foi um pouco desajeitada, devemos admitir, em especial na parte gráfica, mas é preciso destacar a fidelidade em relação ao universo da Disney e o carinho aos pequenos detalhes. É um jogo com defeitos? Sim, com toda a certeza. Contudo, não deixa de ser um título memorável e divertido.

Feliz aniversário, Disney’s Aladdin in Nasira’s Revenge!

Fontes: IGN e MobyGames

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História: colônia espacial e drama de Zero

Mega Man X5 entregou a trama mais dramática de toda a série. A história começa com uma nova ameaça de Sigma, que planeja infectar a Terra derrubando a colônia espacial Eurasia (Eurasia Colony) para, então, espalhar o Vírus Sigma pelo planeta. X e Zero, líderes dos Maverick Hunters, voltam à ação para prevenir a colisão da colônia, coletando peças necessárias em um limite de tempo para aumentar o poder de fogo de dois super canhões da Terra: Enigma (o canhão principal) e Shuttle (um canhão e ônibus espacial de emergência).

Durante toda a história, vemos um conflito interno sobre o passado sombrio de Zero. A infecção do vírus se manifesta no protagonista favorito dos fãs e o leva à dúvida sobre ele ser a “cura” ou a fonte do vírus. Seu passado, o fato de ter sido criado pelo Dr. Wily, tudo é a chave para o plano de Sigma. Isso leva a um confronto emocional entre X e Zero, o que força X a questionar tudo o que sabia sobre seu grande amigo.

Jogabilidade: RNG?

De uma forma geral, Mega Man X5 segue a mesma fórmula de toda a franquia, um jogo de ação e plataforma em 2D, mas com elementos que afetam a narrativa e sua progressão. Para começar, temos um sistema de contagem regressiva. O jogo impõe um limite de 16 horas para o jogador destruir a Eurasia Colony. A falha e a repetição de fases consome o tempo. Caso essas 16 horas se encerrem, somos apresentados a um final muito sombrio, um bad ending.

Para ajudar na missão, Mega Man X5 oferece a possibilidade de selecionar X ou Zero em quase todas as fases desde o início. Há um sistema de coleta de partes de armaduras para que possamos utilizá-las, assim como a introdução das novas armaduras: Falcon Armor e Gaea Armor. Provavelmente, a principal crítica está no fator sorte (RNG) envolvido no sucesso dos disparos de Enigma e Shuttle. Ou seja, a missão pode falhar, mesmo o jogador cumprindo seus requisitos.

Gráficos: a diferença está no tom

Visualmente, Mega Man X5 não foi uma grande evolução se compararmos ao Mega Man X4. A sequência segue utilizando sprites 2D com boas animações e fundos 3D pré-renderizados. A grande diferença está na temática muito mais sombria e melancólica utilizada no X5, visto que sua trama realmente possui um tom muito mais sério do que o antecessor. Apesar da pouca inovação, os gráficos são bonitos e criativos, com destaque para as cutscenes animadas que ajudam a potencializar o drama.

Música: simplesmente, Mega Man X

Quando o assunto é Mega Man, seja o clássico ou a série X, é garantia de que teremos uma trilha sonora de muita qualidade. Em Mega Man X5, temos as excelentes músicas aceleradas e eletrônicas que combinam exatamente com a ação na tela. Ao mesmo tempo, os temas mais melancólicos impactam diretamente naquilo que vemos no alto nível de drama na história. Não é exagero dizer que as trilhas dramáticas de Mega Man X5 vão “na alma” do jogador, de tão impactantes. Bem, a abertura do game é uma boa combinação dos dois estilos utilizados do começo ao fim.

Conclusão

Mega Man X5 é um jogo complexo e levou os níveis de emoção ao máximo para entregar um desfecho digno e comovente para o Zero. Bem, era o “final pretendido”, antes da controversa decisão da Capcom de aproveitar do sucesso e lançar o Mega Man X6. Embora a experiência do jogo seja prejudicada por fatores como o sistema de tempo e o RNG, alvos de muitas críticas, o jogo não deixa de ser um enorme marco. Foi um ponto de virada na série, um clímax emocional que muitos fãs consideram como o verdadeiro “The End“, o encerramento que X e Zero mereciam de suas sagas.

Feliz Aniversário de 25 anos, Mega Man X5!

Fontes: Adam the Fanatic e IGN

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História: e lá vem ela de novo

A história de Banjo-Tooie começa logo após os eventos de Banjo-Kazooie e, sem surpresas, tendo como protagonistas o urso Banjo e a gaivota Kazooie. Gruntilda, a vilã derrotada no final do primeiro game, retorna só como esqueleto após suas irmãs conseguirem resgatá-la. Depois, temos o provável momento mais sombrio no jogo. Como vingança, Gruntilda, literalmente, mata a toupeira Bottles, amigo de Banjo, em uma explosão.

O assassinato de Bottles é o motivador para Banjo e Kazooie encararem uma jornada para restaurar a vida do amigo e para derrotar Gruntilda de uma vez por todas. Por sinal, a toupeira aparece durante o jogo, mas como um espírito que ajuda a dupla de urso e gaivota. Vale destacar que, apesar de uma literal morte no começo da história, a trama possui um tom bastante divertido e cômico.

Jogabilidade: ambição demais?

Os fãs queriam uma sequência à altura para Banjo-Kazooie, e a Rare abusou da criatividade em Banjo-Tooie. É inegável que o produto entregue foi muito mais extenso e complexo do que o game anterior. Isso fez com que Banjo-Tooie se destacasse, e muito, na época, mas, ao mesmo tempo, gerou algumas polêmicas devido à ambição em excesso. Afinal de contas, a sequência praticamente dobrou a escala daquilo de tudo o que conhecíamos a respeito de Banjo-Kazooie. Entre as novidades, podemos destacar:

• Banjo e Kazooie possuem os memos movimentos do jogo anterior e ainda aprendem mais 40 com a toupeira Jamjars, irmão de Bottles;
• Banjo e Kazooie podem se separar, algo que não ocorria no primeiro game, para resolverem puzzles mais complexos;
• O Shaman Mumbo Jumbo é jogável;
• Há diversas transformações com a Humba Wumba, como uma Van, um detonador e um submarino;
• Modos multiplayer para até quatro jogadores;
• Enorme variação de gêneros além do gênero de plataforma, como tiro em primeira pessoa, corrida e diversos outros mini-games.

Banjo-Tooie é um jogo vasto, mas não é livre de críticas. O foco nos puzzles poderia ser interessante, mas, na época, muitos consideraram alguns quebra-cabeças exigentes demais. Principalmente por conta da necessidade de revisitar lugares já explorados para adquirir novas habilidade e, só então, resolver um puzzle, o que afasta jogadores que procuram por uma experiência mais simples. Para piorar, a câmera problemática do primeiro game não foi resolvida, tornando a jogatina frustrante em certos momentos.

Gráficos: um dos mais bonitos do console

Banjo-Tooie impressionou, e muito, por levar um gráfico extremamente detalhado e lindo para o Nintendo 64 e sem a necessidade do Expansion Pak, um acessório que expandia a memória do console. Era evidente que a Rare possuía um domínio técnico impecável do Nintendo 64, sendo capaz de levar mundos enormes e variados, belíssimos efeitos especiais e ótimas animações para os personagens.

O único problema relacionado aos gráficos também é consequência da grande ambição que a Rare mostrou no desenvolvimento do game. Devido à imensidão dos cenários e dos detalhes, os jogadores podem sofrer com um instável taxa de quadros em certos momentos, prejudicando a fluidez no geral. No entanto, nada que atrapalhe o jogador de admirar a beleza gráfica de Banjo-Tooie.

Música: o domínio mais uma vez

Já comentamos que a Rare tinha um grande domínio técnico sobre o Nintendo 64, e isso se aplica também ao áudio do console. A desenvolvedora utilizou do hardware de áudio de forma ideal, indo desde as ótimas músicas criadas por Grant Kirkhope, até os imersivos efeitos sonoros. Um espetáculo! Entre as músicas, destacam-se temas como Jinjo Village, Mayahem Temple, Glitter Gulch Mine, Witchyworld e Grunty Industries.

Conclusão

Se você precisa explicar para alguém qual é o significado da palavra “ambição”, coloque Banjo-Kazooie e Banjo-Tooie lado a lado. O segundo game da franquia da Rare foi extremamente ousado, utilizando de tudo do primeiro game e expandindo para além do limite do console. Mapas gigantes, puzzles complexos, grande personalidade. Claro que a ambição teve um preço, como já comentamos até aqui, mas não muda o fato de Banjo-Tooie ser um enorme marco para a Rare e seus fãs.

Feliz aniversário, Banjo-Tooie!

Fontes: Gamespot e The Avocado

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História: a base de algo maior

A trama de Hitman: Codename 47 acompanha o misterioso e amedrontador Agente 47. Nosso protagonista inicia a saga acordando de um sanatório e completando um rigoroso treinamento. Um tempo depois, ele se une à agência ICA já como Agente 47 e tendo Diana Burnwood como seu principal contato, ou “handler“. Ele cumpre contratos de assassinatos contra criminosos, passando por lugares como Hong Kong e Colômbia. As missões, por sinal, o levam a descobrir sua verdadeira origem, mostrada na missão final.

A princípio, a narrativa aparenta ser simples, mas cumpre um excelente papel de mostrar a personalidade fria do protagonista, o funcionamento do crime e a construção de um mistério que viria a ser melhor explorado nas sequências. É uma história que consegue ser complexa mesmo na simplicidade, com conspirações e mistérios.

Jogabilidade: dividiu opiniões

Foi aqui onde Hitman: Codename 47 sofreu com as críticas. Pelo lado positivo, o jogo acertou com a estrutura das missões, os criativos objetivos, a variedade de armas e ferramentas e a necessidade de o jogador planejar bem cada passo, em vez de, simplesmente, encarar um confronto direto. Por outro lado, tivemos muitos problemas técnicos que atrapalharam bastante a experiência.

Entre esses problemas, estão os controles ruins, a câmera imprevisível, a inteligência artificial que deixa a desejar, e a punição enorme ao erro, devido à falta de checkpoints, o que poderia tornar a jogatina bastante frustrante nas maiores missões. Era necessário bastante esforço do jogador para se adaptar e ser capaz de aproveitar deste belíssimo game.

Gráficos: um resultado competente

O visual de Hitman: Codename 47 ficou conhecido pela utilização de um motor gráfico 3D considerado inovador para o ano 2000. Pontos como física nos objetos, modelagem bastante detalhada nas armas, animações nos personagens foram muito elogiados. Isso sem falar da forma como foi criada a atmosfera nos níveis em geral. Hitman: Codename 47 era considerado um jogo com visuais de alto nível.

Provavelmente, o único problema realmente grande no jogo da IO Interactive foi o “pop-in”, que é, basicamente, o surgimento repentino de objetos no cenário. Incomoda um pouco, mas nada que realmente destrua a experiência. Embora os gráficos não tenham levado muito tempo para ficarem datados, era inegável a boa qualidade em seu ano de lançamento.

Música: um inesperado ponto forte

Era difícil esperar que a trilha sonora fosse ser um dos pontos mais elogiados em Hitman: Codename 47, mas foi o que aconteceu. O compositor foi o dinamarquês Jesper Kyd, que já tinha trabalhos em jogos como The Adventures of Batman and Robin (Mega Drive) e Amok (PC e Sega Saturn). Os tons orquestrais e atmosféricos levaram uma identidade bastante única para a série e foram cruciais para o início da parceria entre Jesper Kyd e a franquia Hitman para os anos seguintes.

Conclusão:

Hitman: Codename 47 não é o jogo mais memorável da franquia, mas foi ele quem pavimentou o caminho para o sucesso que redefiniu o gênero stealth nos videogames. Depois dele, a franquia amadureceu e se destacou, em especial, por Hitman: Blood Money (2006), considerado por muitos fãs como o ápice da série. Porém, tudo teve um início, e Hitman: Codename 47 estava lá para ser uma espécie de protótipo ousado e à frente de seu tempo.

Feliz aniversário, Hitman: Codename 47!

Fontes: Gaming Pastime e Gamespot

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