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Complexidade

1. Review do Guardian Heroes – História

Jogadores que viam o estilo do jogo podiam imaginar que sua história seria algo simples de heróis, mas a verdade é que ela é um pouco mais profunda, com todo um enredo trabalhado sobre um ser supremo que criou o universo para encontrar grandes guerreiros e sobre batalhas entre Earth Spirit e Sky Spirits. Há toda a problemática dos humanos sendo traídos e ficando sem magias, a Era da Espada, antigos governantes caindo, guerras políticas. Enfim, é uma trama complexa, mas para o jogador, tudo só começa de verdade quando quatro aventureiros, Han, Randy, Nicole e Ginjiro, encontram a Sword of the Valiant Warrior, uma espada lendária e com uma profecia envolvida.

A descoberta da espada significaria a queda de um reino controlado por fantoches e governado por Kanon, um mago humano. Tanto que os quatro iniciaram uma fuga desesperada devido aos Black Knights que avançaram para atacá-los. Ainda por conta da espada, o quarteto ressuscitou um antigo guerreiro que passou a lutar do lado deles, iniciando uma rebelião contra o reino. Depois disso, Guardian Heroes se ramifica em múltiplos finais narrativos, sendo muitos deles tão complexos quando a introdução à história.

Quase um jogo de luta

2. Review do Guardian Heroes – Jogabilidade

Guardian Heroes é considerado um beat’em up, ou “briga de rua“, com elementos de RPG. Entretanto, diferentemente de outros títulos conhecidos do gênero, como Streets of Rage e Final Fight, o jogo introduziu um sistema de “rotas”, onde o jogador pode alternar entre três rotas durante o combate. E falando em combate, os personagens possuem uma vasta lista de comandos dignos de um jogo de luta como Street Fighter. Até a famosa “meia-lua” é necessária para lançar certas habilidades no game.

Em relação aos elementos de RPG, eles são mostrados já durante a jogatina, quando adquirimos pontos de experiência nas fases. Com eles, podemos melhorar nossos personagens com seis atributos: Força, Vitalidade, Inteligência, Proteção Mental, Agilidade e Sorte. Sem surpresas, a escolha do atributo para focar depende do personagem que você escolhe. Isso era mais uma grande adição para um jogo que já possuía um estilo único e muito divertido.

Um charme atemporal

3. Review do Guardian Heroes – Gráficos

Mesmo aqueles que não são grandes fãs de Guardian Heroes concordam que o jogo tem uma personalidade de tirar o fôlego. Os personagens apresentam um estilo de anime desenhado à mão e que são cheios de carisma. Não são traços genéricos; vemos um trabalho que se destaca entre tantos outros títulos na época. Provavelmente, é aqui que mora o ponto mais elogiado de Guardian Heroes. Heróis, inimigos, cenários, tudo é muito belo até hoje, um estilo lindo e atemporal!

Um som de pouco destaque?

4. Review do Guardian Heroes – Música

A trilha sonora de Guardian Heroes foi composta nomes como Katsuhiko Suzuki, que já tinha créditos em alguns jogos de Mega Drive, como Dynamite Headdy e McDonald’s Treasure Land Adventure. Infelizmente, a música de Guardian Heroes não é um quesito que podemos chamar de “atemporal” como seus gráficos. Funciona para a proposta do jogo, mas está longe de ser memorável. Entre as músicas presentes, podemos destacar nomes como Fighters of Pain, Jazzy Sabotage e, aquela que na minha opinião tem a maior qualidade, Shuffler in the Dark, que poderia ter uma duração um pouco maior; seu saxophone é ótimo!

Vale a pena?

5. Review do Guardian Heroes – Conclusão

Sim! Como falamos em outros momentos durante o review do Guardian Heroes, o jogo é atemporal. Embora eu considere a música um ponto razoável e o que faltou para elevar muito o patamar do título, não há como negar que a Treasure acertou em cheio nos outros quesitos. É um game lindo e divertido. Entretanto, é bom lembrar que é um daqueles jogos que podem afastar aqueles atraídos por sua beleza e que encontram um estilo de gameplay que não os agrada. Mesmo assim, temos aqui um título épico dos anos 90 e um dos gigantes que definiam o Sega Saturn.

Feliz aniversário de 30 anos, Guardian Heroes!

Fontes: IGN e Gametripper

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Um samurai no Período Sengoku

1. Review do Onimusha: Warlords – História

A trama do jogo nos coloca na pele de Samanosuke Akechi um ano depois da Batalha de Okehazama, um evento real que ocorreu no ano de 1560 durante o período Sengoku, no Japão. Samanosuke é um personagem fictício, assim como o verdadeiro começo da história de Onimusha, mas ele é inspirado em figuras históricas reais do clã Akechi. A principal inspiração é o general Akechi Mitsuhide, famoso devido ao Incidente de Honnõ-ji (1582), quando ele traiu o lendário Oda Nobunaga, que veio a falecer durante o evento. O que a Capcom fez com a trama foi o clássico “e se”, mostrando o que poderia ter acontecido se Nobunaga retornasse como uma entidade demoníaca.

Em Onimusha: Warlords, Oda Nobunaga supostamente morre na Batalha de Okehazama, embora tenha se saído vitorioso. Então, um ano depois, Samanosuke recebe uma carta da Princesa Yuki, que lhe enviara um pedido de socorro. Segundo ela, o Castelo de Inabayama havia sido tomado por forças demoníacas conhecidas como Genma e que eram lideradas por um Oda Nobunaga ressuscitado das trevas. O castelo, por sinal, também existe na vida real e, atualmente, é conhecido como Castelo de Gifu.

Em sua missão, Samanosuke tem a ajuda da kunoichi Kaede e ainda recebe uma manopla, a Oni Gautlet, que é utilizada para absorver as almas dos demônios derrotados e, como consequência, receber novos poderes. Trata-se de uma narrativa clássica, com vilões memoráveis e toda a atmosfera que mistura fatos reais com fantasia sombria e horror sobrenatural.

Resident Evil de espadas

2. Review do Onimusha: Warlords – Jogabilidade

Jogo da Capcom com características de Resident Evil? O projeto só pode ter sido liderado por Shinji Mikami, certo? Errado, mas quem dirigiu Onimusha Jun Takeuchi, que trabalhou em Resident Evil (1996) e em Resident Evil 2 (1998). Também esteve na produção Keiji Inafune, famoso por ser o principal nome por trás da franquia Mega Man, mas o game protagonizado por Samanosuke ficou com a alma do Survival Horror da Capcom. A verdade é que a ideia original de Onimusha era um literal Resident Evil no Japão feudal e no PS1, mas foi decidido pela criação de uma nova IP. A decisão se mostrou acertada, visto que o jogo virou uma trilogia muito popular nos anos 2000.

Apesar das mudanças de rumo, Onimusha apresentou as seguintes características de Resident Evil em sua jogabilidade: câmeras fixas, inimigos “grotescos” (demônios no lugar dos zumbis), o sistema semelhante de salvamento, a exploração de cenários fechados com muitos puzzles e backtracking, e o clima de tensão típico de um jogo com essa temática mais sombria. Entretanto, é claro que o game do PS2 possui sua própria identidade com os combates de espada e o sistema de absorção de almas. O destaque fica para sua mecânica central, o Issen, um recompensador contra-ataque que exige timing e habilidade do jogador.

Uma abertura de milhões

4. Review do Onimusha: Warlords – Gráficos

A espetacular introdução de Onimusha: Warlords custou milhões de dólares para a Capcom. O marketing como um todo custou algo entre US$ 5 milhões e US$ 10 milhões, valores que eram ainda mais impressionantes para a época. Assim, é possível imaginar o quanto a desenvolvedora queria impactar os jogadores com seus visuais, fosse na introdução ou durante a jogatina. Os cenários pré-renderizados eram muito detalhados, ao ponto de se assemelharem a pinturas a óleo. Ao mesmo tempo, os modelos dos personagens apresentavam expressões faciais e ótima sincronia labial, colocando Onimusha à frente de qualquer lançamento do PS2. Um espetáculo!

A polêmica musical

4. Review do Onimusha: Warlords – Música

Por anos, os créditos da trilha sonora de Onimusha: Warlods foi dado a Mamoru Samuragochi, um suposto compositor que alegava ser surdo e que, por isso, era conhecido como “Beethoven Japonês”. Entretanto, anos depois, descobriu-se que ele era uma farsa. Foi revelado em 2014 que Samuragochi não era surdo de verdade e que maior parte de seu trabalho realizado desde 1996 foi feito por um ghostwriter que ele contratou, o verdadeiro gênio técnico chamado Takashi Niigaki.

A revelação foi feita pelo próprio Niigaki, que alegava ter medo de destruir a carreira de Samuragochi e dizia até sofrer chantagens dele, como ameaças de suicídio. O verdadeiro compositor se cansou apenas em 2014, quando soube que as músicas do farsante seriam utilizadas até nas Olimpíadas de Inverno. O escândalo foi tão grave que a Capcom não utilizou das músicas originais no remaster de 2019, o que gerou críticas dos fãs.

Falando das músicas originais, o orquestral japonês é um espetáculo, ditando o peso de cada batalha e de cada exploração. Destacam-se músicas como Samanosuke Theme, Waterfall Mountain e Gale.

Vale a pena?

5. Review do Onimusha: Warlords – Conclusão

Onimusha: Warlords é um jogo deu aulas de como fazer um jogo espetacular sem a necessidade de coloca dezenas de horas de gameplay. Com cerca de 4 a 6 horas de jogatina, o jogo entrega uma experiência épica, com uma união praticamente perfeita entre o terror e a ação. Um fantástico primeiro passo de uma franquia que merecia ainda mais reconhecimento.

Feliz aniversário de 25 anos, Onimusha: Warlords!

Fontes: Eurogamer e Gamefaqs

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Fighting Force ou Streets of Rage 3D?

1. Lançamento da Fighting Force Collection

Desenvolvido pela Core Design e publicado pela Eidos Interactive, Fighting Force foi lançado no ano de 1997 para Windows, PlayStation e Nintendo 64. A princípio, a ideia da Core Design era trabalhar ao lado da SEGA para levar a franquia de beat’up Streets of Rage para a perspectiva em 3D. Vale lembrar que o último jogo da série havia sido Streets of Rage 3, lançado para Mega Drive em 1994. No entanto, a SEGA optou por não ir em frente com a parceria, pois tinha seus próprios planos para continuar com sua franquia, que só retornou tempos depois ,em 2020, com o excelente Streets of Rage 4.

Para não atirar no lixo seu projeto, a Core Design elaborou uma ideia diferente, que veio a ser o Fighting Force que conhecemos. O título seguiu sendo um beat’up 3D, mas com quatro personagens inéditos: Hawk Manson, Mace Daniels, Alana McKendricks e Ben “Smasher” Jackson. Na história do jogo, cada um tem suas razões para lutar contra o vilão, o Dr. Dex Zeng.

Fighting Force segue à risca a fórmula do beat’up, ou “briga de rua“, com a necessidade de derrubar ondas de inimigos para avançar, armas e energia para coletar de caixas, veículos e outros obstáculos, chefes para encarar, entre outros. O game pode até ser um pouco frustrante, pois o jogador tem apenas uma vida, e a dificuldade no geral é um pouco elevada, principalmente para os menos experientes no gênero. Apesar de um defeito ou outro, Fighting Force é um jogo consistente e divertido, com destaque para o suporte multiplayer.

Fighting Force 2 ou Tomb Raider?

2. Lançamento da Fighting Force Collection

No ano de 1999, a Core Design lançou o controverso Fighting Force 2 para PlayStation e Dreamcast. Infelizmente, a receita que resultou em um bom jogo no antecessor foi completamente reformulada na sequência. O que era um beat’up e sucessor espiritual de Streets of Rage se tornou um jogo de ação e aventura com elementos de exploração e stealth que lembravam até Tomb Raider, franquia da própria Core Design. Sem grandes surpresas, os jogadores se assustaram quando Fighting Force 2 chegou ao mercado devido ao jogo ser muito diferente ao primeiro.

A única semelhança foi a presença de Hawk Manson, um dos quatro protagonistas de Fighting Force (1997). Dessa vez, ele atua sozinho para combater uma corporação suspeita de fazer pesquisas proibidas sobre clonagem. Ou seja, sem suporte ao multiplayer por aqui. Para piorar, as fases em Fighting Force 2 são muito mais longas e até mesmo monótonas. O jogo recebeu inúmeras críticas na época e ficou negativamente conhecido por ser a razão do encerramento da franquia.

Preços da Coletânea

3. Lançamento da Fighting Force Collection

Acredita-se que as vendas da Fighting Force Collection sejam motivadas apenas pelo jogo de 1997. Entretanto, um olhar diferente na sequência, sem compará-la ao antecessor, pode até torná-la em um jogo decente. Mas, mesmo sendo um fã, será que vale a pena comprar a coletânea? Confira os preços abaixo e deixe seu comentário!

• Steam: R$ 84,99
• PlayStation: R$ 114,90
• Nintendo Switch: R$ 114,95

Fontes: Steam, PlayStation e Nintendo

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Dois Filmes

Review do The Lion King: Simba’s Mighty Adventure: História

Como mencionamos antes, a narrativa de The Lion King: Simba’s Mighty Adventure cobre os dois filmes do Rei Leão, o primeiro de 1994 e sua sequência de 1998. Assim, vivemos alguns dos momentos mais icônicos da obra, como o cemitério de elefantes e a debandada de gnus, até chegarmos à fase adulta de Simba, onde ele confronta os principais vilões de ambos os filmes, Scar de 1994 e Zira de 1998. Foi uma boa ideia para acompanhar novamente a história dos dois filmes ou, simplesmente, conhecê-los para quem nunca assistiu.

Poderia Ser Mais Acessível

Review do The Lion King: Simba’s Mighty Adventure: Jogabilidade

The Lion King: Simba’s Mighty Adventure é um jogo de plataforma em 3D. Seguindo o exemplo dos jogos do Rei Leão para o Super Nintendo e Mega Drive, o Simba no PlayStation também conta com ataques como o salto sobre os inimigos, o rugido para paralisá-los e se torna mais agressivo na fase adulta. Como a maioria dos plataforma em 3D da época, temos os famosos coletáveis nas fases, que podem liberar quebra-cabeças, mini-games e até clipes dos filmes. Claro que Timão e Pumba aparecem em alguns dos bônus.

Agora, falando a respeito da movimentação e da necessidade do pulo entre as plataformas para avançar, The Lion King: Simba’s Mighty Adventure poderia ser ótimo neste quesito. Entretanto, seus controles dividiram muito as opiniões. Ou você acha os controles bons, ou acha eles pouco responsivos. A câmera também pode ser frustrante em certos momentos. Esses detalhes, muito provavelmente, fizeram The Lion King: Simba’s Mighty Adventure ser ofuscado por outros grandes nomes do gênero, como Crash Bandicoot e Rayman.

Um Pouco Vazio

Review do The Lion King: Simba’s Mighty Adventure: Gráficos

Era um risco tremendo lançar um jogo para o PlayStation no ano 2000, visto que nova geração já estava batendo à porta. Além de os jogadores já estarem se preparando para o enorme salto gráfico, eles também queriam ver o PlayStation e outros consoles de sua geração atingirem o limite de seus respectivos hardwares. Infelizmente, não foi isso que aconteceu com The Lion King: Simba’s Mighty Adventure.

Os gráficos até que são competentes, com bons modelos e animações, mas são simples demais para o ano 2000. Para piorar, faltou ambição em diversos cenários, que parecem ser praticamente vazios em certos momentos. Por isso, o ponto alto do jogo em relação ao visual fica para os vídeos com trechos reais dos filmes da Disney para contar a história entre uma fase ou outra.

A Adaptação Sonora

Review do The Lion King: Simba’s Mighty Adventure: Música

As músicas de The Lion King: Simba’s Mighty Adventure são, basicamente, as composições de Elton John e de Hans Zimmer adaptadas para o chip sonoro do PS1. O som instrumental brilha bastante nos trechos dos filmes que aparecem entre as fases, assim como as dublagens. Entretanto, durante a jogatina, o que temos é algo como “ritmo da savana”, que combina com toda a exploração que realizamos no caminho, mas se torna um pouco monótona com o passar do tempo.

Não Foi Memorável?

Review do The Lion King: Simba’s Mighty Adventure: Conclusão

A nostalgia talvez nos engane um pouco. The Lion King: Simba’s Mighty Adventure tem seu charme, mas não faz mais do que um grande número de jogos de plataforma em 3D. Poderia ter um melhor refinamento gráfico, poderia valorizar mais a experiência sonora durante a jogatina. Os trechos dos filmes são muito legais e, talvez, o ponto mais forte do jogo, ao lado dos colecionáveis. Infelizmente, era necessário fazer muito mais em 2000, com o PlayStation 2 chegando e tantos outros jogos do gênero já consolidados. Mesmo assim, é válido lembrar deste título que, mesmo com seus defeitos, tem bastante carisma.

Feliz aniversário de 25 anos, The Lion King: Simba’s Mighty Adventure!

Fontes: IGN e Neoplayerpodcast

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Roxas, Sora, Organization XIII e Mais

Review do Kingdom Hearts II: História

A história de Kingdom Hearts como um todo pode exigir bastante da atenção do jogador durante a jogatina, pois ela é um pouco mais complexa do que todos imaginavam. Originalmente, os eventos de Kingdom Hearts II se passavam após os acontecimentos de Kingdom Hearts: Chain of Memories (2004), jogo lançado para o Game Boy Advance. Entretanto, em 2009, foi lançado para o Nintendo DS Kingdom Hearts 358/2 Days, que tem seus eventos ocorrendo entre Chain of Memories e Kingdom Hearts II. Como já mencionamos, é uma história que pode ser bastante confusa, mas com um pouco de esforço a gente começa a entender.

Kingdom Hearts II inicia com Roxas, o “Nobody” do protagonista Sora. Mas, o que seria um nobody? Também não é tão simples assim de explicar. Em resumo, são cascas vazias, o corpo e a alma deixados para trás de uma pessoa que perdeu seu coração para a escuridão e se tornou um Heartless. São seres que, teoricamente, não existem, mas retém memórias e podem desenvolver novos corações. Geralmente, eles aparecem como servos ou membros poderosos da Organization XIII.

Sora, Pateta (Goofy) e Donald estiveram adormecidos no último ano para que pudessem recuperar suas memórias perdidas. Roxas está preso em uma simulação de Twilight Town que foi criada pelo complexo personagem DiZ. O objetivo de DiZ é fundir Roxas com seu “eu original” e, assim, restaurar o poder de Sora. A Organization XIII tenta impedir que isso ocorra, mas Roxas consegue evitá-los e se fundir com Sora, ao mesmo tempo que Donald e Pateta despertam também.

Após este longo prólogo, o trio inseparável encontra com o Rei Mickey e Yen Sid. Eles enviam os três a uma jornada para encontrar Riku e descobrir os planos da Organization XIII. No caminho, eles passam por icônicos mundos da Disney, como Mulan, Piratas do Caribe e Hércules, até encontrarem Xemnas, o verdadeiro antagonista e “final boss” em Kingdom Hearts II.

Um Action RPG de Muito Respeito

Review do Kingdom Hearts II: Jogabilidade

Aqui está um dos pontos mais elogiados de Kingdom Hearts II. Seu estilo de gameplay envolve elementos de Action RPG e hack’n slash, tudo na perspectiva em terceira pessoa e o combate ocorrendo em tempo real. É semelhante ao Kingdom Hearts (2002), mas com muitos refinamentos e melhorias, como na câmera, um dos elementos mais criticados no game de 2002. Kingdom Hearts II, teoricamente, é um jogo com a história principal bastante linear e contada por cutscenes, mas o conteúdo que existe no jogo é imenso ao ponto de beirar o impossível o jogador não se interessar em explorar cada side-quest e mistério extras que existem em cada canto. Afinal de contas, quem não gostaria de se desafiar na temida Hades Paradox Cup ou encarar o chefe opcional Sephiroth, de Final Fantasy VII?

A base de Kingdom Hearts II é o hack’n slash, com o jogador podendo atacar no corpo a corpo os inimigos com a “Keyblade” de Sora. Ao mesmo tempo, temos um menu no canto inferior esquerdo, o “Commands”, que nos possibilita a usar magias, itens, entre outros. Destacam-se as “Drive Forms“, que faz com que Sora se funda com seus aliados para adquirir uma forma temporária, mais poderosa e com um estilo de luta e movimentação diferentes. Já no menu principal, ainda podemos escolher as magias de ação ou de suporte, baseadas na quantidade de AP que possuímos.

A grande novidade em Kingdom Hearts II ficou para os “Reaction Commands“. Eles trouxeram um grande dinamismo para as batalhas com suas funções de criar combos contextuais, finalizações belas e até bloqueios, tudo com o apertar de um botão. Não vamos esquecer do “Gummi Ship”, as sequências de nave que sofreram uma evolução absurda em relação ao Kingdom Hearts (2002) e se tornaram uma parte bastante divertida em Kingdom Hearts II.

Disney Fantasy

Review do Kingdom Hearts II: Gráficos

Os gráficos de Kingdom Hearts II são espetaculares. Sua temática visava capturar o inconfundível estilo da Disney, e fez isso com muita competência ao mesmo tempo que não se esquecia dos traços de Final Fantasy. A criatividade foi às alturas também em certos mundos com temáticas mais específicas, como o visual preto e branco do Steamboat Willie e a estética um pouco mais realista de Port Royal dos Piratas do Caribe. Um espetáculo que envelheceu como um bom vinho.

Do Épico ao Emocional

Review do Kingdom Hearts II: Música

Kingdom Hearts II ficou conhecido pela trilha sonora que varia entre o épico e a emoção de momentos mais dramáticos. A principal compositora foi Yoko Shimomura, um nome de enorme relevância na Square Enix, tendo trabalhado em jogos como Front Mission (1995), Super Mario RPG (1996), Parasite Eve (1998) e Legend of Mana (1999), antes de partir para sua jornada na franquia Kingdom Hearts. Destacou-se também a colaboração da cantora Hikaru Utada, que contribuiu com canção “Sanctuary” em Kingdom Hearts II.

É alto o número de músicas de destaque em Kingdom Hearts II, o que mostra bem o talento e genialidade de Yoko Shimomura. Além da própria Sanctuary, podemos citar “Dearly Beloved“, “The Corrupted“, “Sinister Shadow“, “The 13th Dilemma“, “A Fight to the Death” e “Darkness of the Unknown“.

Uma Obrigatória Viagem

Review do Kingdom Hearts II: Conclusão

Difícil pensar em PlayStation 2 sem pensar em Kingdom Hearts. Para muitos, Kingdom Hearts II segue sendo o melhor jogo da franquia até hoje, graças, em especial, aos espetaculares personagens, heróis ou vilões, e as épicas lutas contra os chefes. O jogo ganhou ainda mais relevância graças ao lançamento da reedição Kingdom Hearts II Final Mix (2007), que adicionou muito conteúdo novo e melhorou uma experiência que já era obrigatória para qualquer dono de PlayStation 2.

Feliz aniversário de 20 anos, Kingdom Hearts II!

Fontes: IGN e RPGFan

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Trama Simples e Sem Relação Com a Série

Review do Phantasy Star Online: História

Provavelmente, o ponto mais fraco de Phantasy Star Online: a história. Para começar, ela não possui qualquer relação com a série original Phantasy Star, que se iniciou no Master System e se popularizou ainda mais no Mega Drive. Phantasy Star Online mostra que a humanidade busca um novo lar por conta da ameaça de destruição iminente do planeta natal. Primeiro, é enviada a nave Pioneer 1 para o planeta Ragol. Após anos de silêncio, a nave Pionner 2 é enviada bem a tempo de eles presenciarem uma enorme explosão no novo planeta.

Tripulantes da Pionner 2 pousam para investigar a explosão e acabam descobrindo um planeta infestado de monstros. Eles também precisam procurar por Rico Tyrell, a filha do comandante da Pionner 2 que deixa mensagens que levam a um mal ancestral, Dark Falz. O restante da narrativa é mostrada nas explorações dos jogadores, graças aos registros existentes pelos cenários.

Um Ciclo Viciante

Review do Phantasy Star Online: Jogabilidade

Phantasy Star Online podia ser jogado tanto offline como online, mas é claro que o modo cooperativo via internet era seu maior agrado. Os jogadores assumiam o papel de aventureiros enviados para Ragol, o planeta que mencionamos no tópico da história de PSO. Era possível acessar um lobby, onde poderíamos conversar com outros jogadores utilizando de teclado físico ou na tela, e organizar times com quatro integrantes. Vale ressaltar que a comunicação era bastante universal por conta do sistema de frases que era traduzida automaticamente entre as línguas e emoticons.

Assim que organizávamos os times, éramos transportados para a Pionner 2, onde era possível comprar e vender itens, guardar dinheiro, procurar por quests, entre outros. O combate e a exploração eram realizados nos seguintes ambientes: Floresta, Cavernas, Minas e Ruínas. A luta ocorre no estilo RPG em tempo real, com a utilização de armas corpo a corpo ou à distância e de técnicas, que são as magias do jogo. Era necessário derrotar todos os monstros e o chefe da quest para receber recompensa e experiência. Quanto mais difíceis eram as quests, melhores eram as recompensas.

Claro que antes de encararmos as quests, precisávamos criar o nosso personagem. O jogo da Sonic Team contava com um sistema muito interessante para escolhermos tanto a classe (Hunter, Ranger ou Force) ou como a raça (Human, Newman e Android) do personagem que iríamos encarar nossa aventura.

Hunters

Especialistas em armas brancas, mas também podem usar de uma variedade de outras armas. São fracos em relação à precisão, mas compensam no poder do ataque. Melhor escolha para os novatos, Hunters podem utilizar de um bom número de espadas, como sabres e adagas, além de armas de fogo. Assim como as outras duas classes principais, seus estilos variam dependendo da escolha de raça e de gênero do personagem. Veja na tabela abaixo:

Rangers

Classe especialista em armas de fogo. Os Rangers contam com uma ótima precisão nos disparos, mas não têm muito poder de ataque. Recomendado para jogadores que possuem um pouco mais de experiência.

Forces

Enquanto Hunters são especialistas no corpo a corpo e Rangers brilham no combate à distância, os Forces são aqueles que tem como trunfo as técnicas (magias). São ótimos suportes, e suas poderosas habilidades compensam o baixo HP. São recomendados apenas para jogadores com um conhecimento mais avançado no jogo.

Avançados e Atraentes

Review do Phantasy Star Online: Gráficos

De uma forma geral, os gráficos de Phantasy Star Online foram elogiados. A fusão de ficção científica com fantasia encaixou perfeitamente na temática do jogo. Para a época, os visuais eram ótimos, com boa ambientação nos cenários e o charme na simplicidade dos modelos dos personagens. Por ser um RPG online, eram inevitáveis as comparações com outros títulos mais avançados dos computadores, que foi onde as limitações do Dreamcast, console de 1998, foram lembradas. No entanto, se levarmos em consideração a opinião geral, os gráficos de PSO tiveram um saldo bastante positivo.

Orquestra no Dreamcast

Review do Phantasy Star Online: Música

A trilha sonora de Phantasy Star Online foi criada por dois compositores que realizaram diversos trabalhos para a SEGA. Primeiro, a compositora Fumie Kumatani, que tem em seu currículo nomes como NIGHTS into Dreams, Burning Rangers, Sonic Adventure e Sonic Adventure 2. Ao seu lado, esteve Hideaki Kobayashi, com trabalhos em Sonic Heroes, Billy Hatcher e, mais recentemente, Like a Dragon: Pirate Yakuza in Hawaii. O estilo musical escolhido pelos dois foi um tom muito mais épico e orquestral, com destaque para nomes como “Whole New World”, “A Song For Eternal Story”, “Pioneer 2” e “Mother Earth Of Dishonesty”.

Conclusão

Phantasy Star Online ainda contou com uma grande atualização em 2001 no próprio Dreamcast, a Ver 2. O jogo sofreu com problemas comuns em games online, como cheating e exploits que permitiam duplicar itens, melhorar os personagens e até matar personagens de outros jogadores. Aproximadamente 1 milhão de cópias foram vendidas no mundo todo, com o pico de jogadores simultâneos sendo 26 mil. Em 2003, os servidores do Dreamcast no Japão e na América do Norte foram fechados, e as atenções se voltaram para o Gamecube com Phantasy Star Online: I & II.

Embora tenha durado menos de 3 anos, Phantasy Star Online (2000) mostrou a todos a magia da cooperação online nos consoles. Tanto que até hoje a comunidade mantém o jogo ativo em servidores privados, mostrando que seu legado segue mais vivo do que nunca!

Feliz aniversário de 25 anos, Phantasy Star Online!

Fontes: IGN, PSO Fandom e Infinity Retro

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108 Estrelas do Destino

Review do Suikoden: História

Tudo acontece no Scarlet Moon Empire, um império inicialmente justo, mas que sucumbiu à corrupção devido à influência de políticos poderosos. Nosso protagonista é Tir McDohl, filho de Teo McDohl, um dos mais respeitados generais de Scarlet Moon. Após Teo ser chamado para a batalha, Tir fica sob os cuidados de amigos e servos. Nesse período, o jovem começa sua carreira militar, mas não demora muito tempo até ele perceber a corrupção crescente no império e a forma como eles oprimem a população.

Durante uma de suas missões, Tir se depara com a Rune of Life and Death, ou Soul Eater, uma das 27 runas que controlam forças sobrenaturais e podem alterar o destino do mundo. A runa é cobiçada pelos oficiais corruptos, que obrigam Tir e alguns amigos a fugirem da capital. Suas interações longe de casa o levam a ser líder de um exército que busca se rebelar contra o império.

No entanto, o cerne da história é a busca pelas 108 Stars of Destiny, 108 indivíduos que estão destinados a combater o mal. Essa ideia dos 108 aliados é inspirada no romance chinês “Margem da Água” (Shui Hu Zhuan).

Três Sistemas Distintos

Review do Suikoden: Jogabilidade

Suikoden, a princípio, funciona como um RPG padrão, com o jogador precisando explorar os mapas, realizar tarefas e encarar batalhas, sendo random encounters ou lutas fixas para avançar na história. Tecnicamente, precisamos encontrar os 107 heróis destinados a combater o mal no império, sendo o 108° o próprio protagonista Tir que controlamos desde o início. Além de não ser necessário recrutar os 107, nem todos são jogáveis. Justificável, visto que estamos falando de um RPG por turnos que limita o nosso time na batalha a, no máximo, seis integrantes.

Falando em RPG por turnos, vamos destacar que Suikoden conta com três sistemas de batalha:

• Combate Padrão: o primeiro sistema de batalha é a base de Suikoden, o padrão RPG de turno. Como já mencionado, o jogador pode usar até seis personagens na party, um número considerado alto se compararmos a outros jogos do gênero. Dessa forma, há um vasto espaço para criar as melhores estratégias;
• Combate Um Contra Um: como o nome sugere, são duelos resolvidos no “mano a mano”. No entanto, há uma boa diferença para o combate padrão: os comandos. O jogador tem apenas três comandos para utilizar: Atacar, Defender e Especial, que são, basicamente, Pedra, Papel e Tesoura. É necessário ler as falas do adversário para prever o movimento dele;
• Batalhas de Guerra: aqui já temos os confrontos em grande escala entre exércitos. Essas lutas são resolvidas em um modo de estratégia por turnos simples, onde o jogador pode controlar todas as unidades.

Outro detalhe interessante de Suikoden é que as lojas não vendem armas e são limitadas a penas a armaduras e itens. As armas são exclusivas para cada personagem e precisam ser afiadas em ferreiros continuamente. Já as magias estão presentes nas runas, e cada personagem conta com um atributo específico. É um sistema diferente e com algumas limitações para seu uso.

Sem Polígonos

Review do Suikoden: Gráficos

No ano de 1995, os jogadores queriam ver os mundos tridimensionais na tela da televisão, mas Suikoden decidiu arriscar tudo no pixel art. O visual é lindo e colorido. Os personagens possuem um bom número de detalhes e combinam bem com os fundos pré-renderizados em 3D. O mapa do jogo, vale ressaltar, é um 3D, mas de resto, as cidades, as batalhas, tudo está na perspectiva 2D. O estilo de arte ficou lindo e é excelente até hoje. No entanto, recebeu críticas na época pelos motivos que já comentamos sobre ser o momento de transição do 2D para o 3D nos games.

Muita Emoção nos Altos e Baixos

Review do Suikoden: Música

A responsável pela trilha sonora de Suikoden foi a compositora Miki Higashino, um nome já muito conhecido pelos fãs da Konami por ter trabalhado em jogos como Gradius (1985), Yie Ar King-Fu (1985), Salamander (1986), Teenage Mutant Ninja Turtles (1989) e Contra III: The Alien Wars (1992). Entre as trilhas que se destacam em Suikoden, Forgotten Days, Moonlit Night e o tema principal.

O Poder da Amizade

Review do Suikoden: Conclusão

Suikoden se chama a atenção por não focar apenas no herói e fazer o jogador ser recompensado por ver seu grupo se expandir mais e mais, até alcançar o mágico número 108. Sua narrativa política foi bastante madura e a ideia dos sistemas de combate foi muito criativa. Somado à qualidade gráfica e musical, era certeza de que ali se iniciava mais uma amada franquia de RPG.

Feliz Aniversário de 30 anos, Suikoden!

Fontes: GamingHistory101 e RPGfan

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A Maldição da Nuvem Negra

Review do Dark Cloud: História

A trama de Dark Cloud foca em um mundo com dois continentes que viviam separados e em paz. No oriente, uma civilização avançada e tecnológica. No ocidente, um mundo natural coexistindo com os espíritos e os animais ao seu redor. Então, o jogo começa quando o Colonel Flag Gilgister desperta o lendário Dark Genie, lançando uma “Nuvem Negra”, tradução literal de Dark Cloud, no continente ocidental, causando destruição e desaparecimentos em massa.

Neste contexto, surge o protagonista Toan, um sobrevivente de sua vila destruída. Ele encontra com Simba, the Fairy King, que lançou um feitiço de proteção, selando o que podia com orbes chamados de “Atla”, para proteger a todos dos ataques do Dark Genie, mas estes orbes acabam espalhados pelo vilão. O jovem recebe uma pedra mágica, chamada de “Atlamillia”, do Rei das Fadas e se encarrega de restaurar os Atla para suas formas originais.

Para cumprir seu objetivo, Toan precisa encarar uma aventura em masmorras, visando restaurar os Atla por meio de um sistema de Georama, que concede poderes ao jogador decidir onde colocar prédios e habitantes. Claro que, durante a jornada, somos apresentados a diversos aliados em uma trama com temas de reconstrução e equilíbrio entre humanidade e natureza.

Georama e Durabilidade

Review do Dark Cloud: Jogabilidade

Um dos grandes pilares da jogabilidade de Dark Cloud é o sistema Georama. Como mencionado no tópico anterior, ele possibilita o jogador a montar os prédios, pontes e tudo o que há nos orbes Atla em suas localizações originais. A atitude não é apenas estética; ela também é importante para satisfazer os pedidos dos moradores e recompensa o jogador com upgrades e até novas masmorras (dungeons). Também é muito gratificante ver cidades voltarem à vida peça por peça.

Agora, falando no combate em questão, o RPG carrega os elementos de ação em tempo real e hack’n slash, tudo na perspectiva em terceira pessoa. As masmorras são geradas de forma procedural, e o jogador precisa explorar suas múltiplas camadas e tomar muito cuidado com um detalhe muito punitivo chamado “durabilidade”. As armas se quebram com o uso contínuo, sendo necessário gerenciar recursos, investir em upgrades e pensar bem no planejamento em cada exploração.

LEVEL-5 Criando sua Marca

Review do Dark Cloud: Gráficos

Dark Cloud foi lançado em uma época em que alguns jogos buscavam um visual mais cartunesco com iluminação simples. Existia o cel shading, que ainda não era tão popular, embora o excelente Jet Set Radio já tivesse sido lançado alguns meses antes do título da LEVEL-5. A técnica gráfica em Dark Cloud lembra vagamente o cel shading, mas, na verdade, seu visual representa bem um período de transição, antes da consolidação da técnica gráfica. Com essa comparação com cel shading, já podemos enxergar que os visuais contam com um design colorido e cartunesco, o que seria a marca registrada da LEVEL-5 em jogos futuros.

O estilo utilizado funciona, ainda mais no começo da era PlayStation 2, e agrada bastante, apesar de ainda haver espaços para melhoras. Há críticas ao design repetitivo das masmorras por conta da geração de forma procedural, mas elas se salvam por conta das variações temáticas. No final das contas, o Georama é o destaque gráfico com a satisfatória reconstrução de cidades.

Uma Linda Orquestra

Review do Dark Cloud: Música

Como em boa parte dos games da LEVEL-5, o compositor é Tomohito Nishiura, que trabalhou, em especial, na franquia Professor Layton. Ele foi capaz de definir bem o tom da aventura, levando tons épicos para as cutscenes e sons mais sombrios para as masmorras. A trilha sonora é ótima de se ouvir e se destaque por nomes como “Owl Forest“, “Reminiscence” e, principalmente, o tema principal, “Main Theme“, que é facilmente reconhecido pelos jogadores.

Uma Boa Inovação

Review do Dark Cloud: Conclusão

A LEVEL-5 entregou um RPG bastante único e inovador, com a mescla de objetivos em explorar masmorras e reconstruir cidades. Talvez, seja desanimador o sistema de durabilidade, visto que ele pode ser bem punitivo até você entender como se planejar corretamente para as explorações, mas o sistema Georama concede vida ao Dark Cloud com uma experiência incomparável. Foi uma excelente estreia da LEVEL-5, que já mostrava bem sua genialidade e que seu futuro seria de muito brilho no mundo dos games.

Feliz aniversário de 25 anos, Dark Cloud!

Fontes: IGN e RPG Gamer

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A Vingança de Nasira

A história de Aladdin: Nasira’s Revenge se passa entre após o fim do filme “O Retorno de Jafar” (1994) e antes dos eventos de “Aladdin e o Rei dos Ladrões” (1996). O jogo começa com Agrabah em perigo por conta de Nasira, uma poderosa feiticeira que está determinada a vingar a morte de Jafar, o seu irmão, e revivê-lo. Seu plano começa com os sequestros da Princesa Jasmine e do Sultão. Depois, Nasira ainda prende o Gênio na Caverna das Maravilhas e ainda remove seus poderes.

Com todos em apuros e sendo ameaçado por Nasira, Aladdin se vê obrigado a coletar um conjunto de antigas relíquias espalhadas por Agrabah. A vilã precisa dessas relíquias para ser capaz de ressuscitar Jafar. A aventura ocorre em diversos locais icônicos da franquia da Disney, mostrando o passo a passo da difícil missão do protagonista, ao lado de Abu e até de Jasmine, de frustrar a vingança de Nasira.

3D e 2D?

A Argonaut Games entregou uma interessante fusão entre o 2D e o 3D, visando alcançar um número maior de jogadores para Aladdin: Nasira’s Revenge. Entretanto, é evidente que o 3D é visto na maior parte do jogo, enquanto o 2D aparece em certas áreas de escalada e de túneis. Como mencionado no tópico anterior, temos três personagens jogáveis e cada um deles possui sua peculiaridade:

• Aladdin: luta com a espada, habilidade de pisotear, pula, corre e escala;
• Abu: pula para alcançar lugares mais altos, rola para passar por locais apertados e escala paredes para acessar áreas inacessíveis para o Aladdin;
• Jasmine: a princesa é jogável nas fases de stealth, podendo se esconder e, também, saltar.

Os níveis em Aladdin: Nasira’s Revenge contam com a necessidade de coletar moedas, derrotar os inimigos e ainda apresentam ambientes que o jogador pode interagir para progredir. O jogo ainda conta com alguns mini-games para dar um respiro na ação principal.

Gráficos Sem Inspiração

Para o PlayStation, os gráficos eram considerados medianos, nada impressionantes. Ainda mais levando em consideração que Aladdin: Nasira’s Revenge foi lançado em 2000. Há pontos bons, como a animação dos personagens que capturavam a essência da Disney, assim como a ambientação no geral e detalhes em alguns cenários. Entretanto, outros cenários foram considerados simples demais. Também foram criticados problemas gráficos como oscilação de texturas, draw distance e até cutscenes que pareciam ser piores do que a gameplay real. Faltou inspiração.

Composições da Disney

Disney’s Aladdin in Nasira’s Revenge não utiliza dos vocais conhecidos das músicas das animações, mas sua trilha sonora é totalmente inspirada delas. Assim, leva ao jogador a mesma sensação de estar assistindo a um filme do Aladdin. Enquanto as músicas originais foram compostas pelo norte-americano e vencedor de Oscars Alan Menken, o compositor em Nasira’s Revenge foi britânico Rob Lord (I-Ninja, Just Cause).

Conclusão

Disney’s Aladdin in Nasira’s Revenge foi uma boa ideia com a ambição de tentar agradar gregos e troianos, levando a nostalgia do plataforma em 2D com a moda atual do plataforma em 3D. A execução no geral foi um pouco desajeitada, devemos admitir, em especial na parte gráfica, mas é preciso destacar a fidelidade em relação ao universo da Disney e o carinho aos pequenos detalhes. É um jogo com defeitos? Sim, com toda a certeza. Contudo, não deixa de ser um título memorável e divertido.

Feliz aniversário, Disney’s Aladdin in Nasira’s Revenge!

Fontes: IGN e MobyGames

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História: colônia espacial e drama de Zero

Mega Man X5 entregou a trama mais dramática de toda a série. A história começa com uma nova ameaça de Sigma, que planeja infectar a Terra derrubando a colônia espacial Eurasia (Eurasia Colony) para, então, espalhar o Vírus Sigma pelo planeta. X e Zero, líderes dos Maverick Hunters, voltam à ação para prevenir a colisão da colônia, coletando peças necessárias em um limite de tempo para aumentar o poder de fogo de dois super canhões da Terra: Enigma (o canhão principal) e Shuttle (um canhão e ônibus espacial de emergência).

Durante toda a história, vemos um conflito interno sobre o passado sombrio de Zero. A infecção do vírus se manifesta no protagonista favorito dos fãs e o leva à dúvida sobre ele ser a “cura” ou a fonte do vírus. Seu passado, o fato de ter sido criado pelo Dr. Wily, tudo é a chave para o plano de Sigma. Isso leva a um confronto emocional entre X e Zero, o que força X a questionar tudo o que sabia sobre seu grande amigo.

Jogabilidade: RNG?

De uma forma geral, Mega Man X5 segue a mesma fórmula de toda a franquia, um jogo de ação e plataforma em 2D, mas com elementos que afetam a narrativa e sua progressão. Para começar, temos um sistema de contagem regressiva. O jogo impõe um limite de 16 horas para o jogador destruir a Eurasia Colony. A falha e a repetição de fases consome o tempo. Caso essas 16 horas se encerrem, somos apresentados a um final muito sombrio, um bad ending.

Para ajudar na missão, Mega Man X5 oferece a possibilidade de selecionar X ou Zero em quase todas as fases desde o início. Há um sistema de coleta de partes de armaduras para que possamos utilizá-las, assim como a introdução das novas armaduras: Falcon Armor e Gaea Armor. Provavelmente, a principal crítica está no fator sorte (RNG) envolvido no sucesso dos disparos de Enigma e Shuttle. Ou seja, a missão pode falhar, mesmo o jogador cumprindo seus requisitos.

Gráficos: a diferença está no tom

Visualmente, Mega Man X5 não foi uma grande evolução se compararmos ao Mega Man X4. A sequência segue utilizando sprites 2D com boas animações e fundos 3D pré-renderizados. A grande diferença está na temática muito mais sombria e melancólica utilizada no X5, visto que sua trama realmente possui um tom muito mais sério do que o antecessor. Apesar da pouca inovação, os gráficos são bonitos e criativos, com destaque para as cutscenes animadas que ajudam a potencializar o drama.

Música: simplesmente, Mega Man X

Quando o assunto é Mega Man, seja o clássico ou a série X, é garantia de que teremos uma trilha sonora de muita qualidade. Em Mega Man X5, temos as excelentes músicas aceleradas e eletrônicas que combinam exatamente com a ação na tela. Ao mesmo tempo, os temas mais melancólicos impactam diretamente naquilo que vemos no alto nível de drama na história. Não é exagero dizer que as trilhas dramáticas de Mega Man X5 vão “na alma” do jogador, de tão impactantes. Bem, a abertura do game é uma boa combinação dos dois estilos utilizados do começo ao fim.

Conclusão

Mega Man X5 é um jogo complexo e levou os níveis de emoção ao máximo para entregar um desfecho digno e comovente para o Zero. Bem, era o “final pretendido”, antes da controversa decisão da Capcom de aproveitar do sucesso e lançar o Mega Man X6. Embora a experiência do jogo seja prejudicada por fatores como o sistema de tempo e o RNG, alvos de muitas críticas, o jogo não deixa de ser um enorme marco. Foi um ponto de virada na série, um clímax emocional que muitos fãs consideram como o verdadeiro “The End“, o encerramento que X e Zero mereciam de suas sagas.

Feliz Aniversário de 25 anos, Mega Man X5!

Fontes: Adam the Fanatic e IGN

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