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As curiosas inspirações

Falamos recentemente aqui no Mega Urso Games sobre os 40 anos de The Legend of Zelda. Comentamos que uma das inspirações da lenda Shigeru Miyamoto envolvia suas experiências explorando florestas e cavernas em Kyoto, no Japão, sem um rumo definido. A ideia de encarar uma aventura desde estilo, sem um guia, um mapa detalhado, foi levada à risca ao The Legend of Zelda (1986). Ou seja, foi um projeto totalmente baseado nas próprias memórias de Shigeru Miyamoto. É uma história muito semelhante à de Satoshi Tajiri, que também se inspirou em suas memórias, em suas divertidas experiências da década de 1970, para começar a pensar no que viria a ser Pokémon Red and Green.

Tajiri comenta que costumava caçar insetos em sua infância. Era, basicamente, uma de suas atividades favoritas, caçar e colecionar insetos. Conforme ele cresceu, ele viu as casas e prédios tomarem o lugar das vegetações ao seu redor e, como consequência, diminuir a população de insetos. Tendo em mente que as crianças passaram a brincar mais dentro de suas casas, ele teve a ideia genial de levar o seu hobby da vida real para o mundo virtual. No caso, caçar e colecionar monstrinhos chamados “Pokémon”, abreviação de “Pocket Monsters” (monstros de bolso).

Fanáticos por Jogos

É muito difícil falar sobre Pokémon sem comentar a respeito da Game Freak. Tajiri sempre foi um fanático por jogos, ao ponto de até matar aulas para ir aos fliperamas de sua região. Seu conhecimento e sua paixão o levaram a criar a revista chamada “Game Freak”. Foi o toque de um mestre empreendedor que notou que a região carecia de informações sobre os games, como dicas para superar determinados títulos. Com uma pequena equipe de colaboradores, Tajiri obteve um sucesso considerável com sua revista, que chegou a vender até 10 mil cópias em uma de suas edições. Eventualmente, ele e seus companheiros perceberam que sabiam muito bem diferenciar um jogo ruim de um jogo bom. Ou seja, eles sabiam o caminho do sucesso.

Assim, a Game Freak se transformou no estúdio que conhecemos hoje, um time formado por verdadeiros fanáticos pelos videogames. A equipe estreou com Mendel Palace (1989) e se destacou nos anos seguintes por trabalhar com duas empresas que eram arquirrivais: a própria Nintendo, com os títulos Yoshi (1991) e Mario & Wario (1993), e a SEGA, com Magical Tarurutu-Kun (1992) e Pulseman (1994). O projeto “Pokémon”, entretanto, já havia se iniciado, mais especificamente em 1990. Sua ambição exigiu cerca de 6 anos de desenvolvimento, um período que quase levou a Game Freak à falência e exigiu muitos sacrifícios.

O tortuoso caminho antes da glória

Satoshi Tajiri levou sua ideia de Pokémon em 1990 até a Nintendo, que teve dificuldades de entender aquele projeto complexo para a época. Quem compreendeu a genialidade do que estava à mesa foi, simplesmente, Shigeru Miyamoto, o “pai” de franquias como Mario, Zelda e Donkey Kong, e o nome designado pela Nintendo para supervisionar e ajudar no desenvolvimento de Pokémon como produtor. Por sinal, lembra que comentamos a respeito de Tajiri matar aulas para ir a fliperamas? Um dos jogos que ele costumava jogar nas máquinas era o Donkey Kong (1981). Naturalmente, o criador de Pokémon admirava Miyamoto e pôde aprender muito com ele durante os 6 anos de desenvolvimento do game. Infelizmente, também foi um período de muito estresse para a equipe da Game Freak.

A ambição do projeto exigia muito dinheiro, e a empresa não possuía tantos recursos assim na época. A situação ficou tão dramática que Tajiri abriu mão de seus salários para que outros membros do time pudessem ter dinheiro no final do mês. A instabilidade gerou pedidos de demissões e a necessidade de ajuda da Creatures Inc., empresa que concedeu suporte financeiro, em troca de uma fatia dos direitos de propriedade intelectual. A Nintendo também ficou com uma fatia por conta de dinheiro injetado e de recursos humanos, como o próprio Miyamoto. Após muito sofrimento, Pokémon Red and Green foi lançado no Japão para o Game Boy no dia 27 de fevereiro de 1996.

O RPG e o fator social

Pokémon Red and Green é um jogo de RPG com batalhas de turnos. Controlamos o nosso protagonista, Red, pelo mapa na perspectiva top-down (visto de cima) em sua jornada para se tornar um mestre Pokémon na região de Kanto. A descrição pode até remeter a um RPG comum com estilos que existiam desde a década de 1980, mas o primeiro grande diferencial de Pokémon Red and Green era a informação dos 151 Pokémon existentes naquele mundo. O jogador encara a difícil tarefa de escolher um inicial, que pode ser Bulbassaur, Charmander ou Squirtle, mas isso é só o começo; o objetivo de encontrar todos os Pokémon e conhecer suas evoluções se torna quase que inevitável para qualquer um.

A atividade de colecionar os monstrinhos já era um espetáculo, mas o fator social elevou o título a outro patamar. Para começar, cada jogador precisava escolher uma versão: Red ou Green, cada uma com Pokémon exclusivos. É neste momento que entra em ação o “Cabo Game Link” do Game Boy. Com este acessório, é possível conectar seu Game Boy com o Game Boy do amigo para realizar trocas de Pokémon. Como era a única forma de completar a “Pokédex”, isso levou os jogadores a saírem de casa e interagirem mais nas ruas, nas escolas, nos parques e em eventos. Pokémon, assim, se tornou uma febre.

A ideia da coleção ainda contou com uma surpresa que foi inserida no código do jogo no último segundo, sem o conhecimento oficial da Nintendo. O responsável pela “vigarice” foi Shigeki Morimoto, programador da Game Freak até hoje. Ele teve a excelente ideia de colocar na surdina o lendário “Mew”, o Pokémon de número 151. Como só podia ser obtido por meio de eventos, o monstrinho acabou se tornando quase que em um mito urbano, gerando inúmeros boatos e teorias sobre como capturá-lo de forma “normal”. Eventualmente, foi descoberto um glitch (erro de programação) para que qualquer um fosse capaz de ter seu Mew e completar a Pokedex.

Apenas o começo

Após tanto estresse acumulado em 6 anos, a insistência valeu a pena. Pokémon Red and Green foi um passo colossal para a criação de uma das franquias mais amadas da cultura pop. No dia 15 de dezembro de 1996, a Game Freak lançou Pokémon Blue (Pocket Monsters Blue), uma versão especial para celebrar as 1 milhão de cópias vendidas de Pokémon Red and Green. Blue também serviu como uma versão aprimorada, melhorando os gráficos e resolvendo certos glitches descobertos na versão original. Pokémon Red and Blue chegou a ocidente apenas no dia 28 de setembro de 1998.

Naquele período, a marca já expandia seu domínio com o TCG (Trading Card Game), seu mangá (Pokémon Adventures) e o anime protagonizado por Ash Ketchum. A fama da marca se tornou tão avassaladora que, hoje, é difícil qualquer pessoa não conhecer o Pikachu. Tudo isso só foi possível graças à visão de Satoshi Tajiri e o esforço descomunal dele e de sua equipe e tornar um projeto tão ambicioso em realidade. Feliz aniversário de 30 anos, Pokémon Red and Green!

Fontes: Remptongames, Fandomwire e Gamespot

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O esforço por trás de uma obra-prima

Como mencionamos, Stardew Valley foi fruto do trabalho de um único homem: Eric “ConcernedApe” Barone. Unindo seus conhecimentos em programação e música, ele iniciou o projeto solitário em 2012 com um esforço invejável. Eram horas e mais horas diárias dedicadas a revitalizar um gênero que ele amava desde a infância: o simulador de fazenda. Barone sentia que o estilo estava desgastado e via um caminho realista para torná-lo cativante novamente. Quando depositamos paixão verdadeira em um projeto, os resultados tendem a ser extraordinários, e foi exatamente o que aconteceu aqui.

Eric Barone enfrentou decisões difíceis e mudanças de rumo, tanto na gameplay do game em si quanto nas escolhas de plataformas, mas teve a paciência necessária para entregar a experiência definitiva. Detalhe, tudo isso enquanto trabalhava como lanterninha no Paramount Theatre, em Seattle. Quando o jogo finalmente chegou ao PC, em 26 de fevereiro de 2016, o sucesso foi instantâneo: mais de 400 mil cópias vendidas em apenas duas semanas. Stardew Valley já nascia como um fenômeno, e a tendência, desde então, foi crescer cada vez mais.

Por que Stardew Valley se tornou um fenômeno?

Hoje, Stardew Valley ultrapassa a marca de 40 milhões de cópias vendidas. Eric Barone entregou um título que não apenas recebeu elogios da crítica, mas que se tornou um vício saudável para jogadores do mundo todo. Tudo começa com uma premissa bastante simples: você herda a fazenda do seu avô e, com ferramentas de segunda-mão e pouco dinheiro, precisa trazer prosperidade ao local. O que começa como uma rotina simples de cuidar de plantações e animais, logo se revela uma experiência de gerenciamento e descoberta extremamente envolvente. Ainda mais quando levamos em consideração que há outros locais além da fazenda para explorar e diferentes formas de se jogar.

O grande trunfo está nos elementos de RPG e no sistema de progressão. Tarefas complicadas no início tornam-se triviais conforme o jogador evolui, mantendo um ciclo de recompensas constante que faz cada hora investida valer a pena. Além disso, a vida social em Pelican Town é um espetáculo, com cada morador tendo própria história e rotina. Por fim, Stardew Valley segue recebendo atualizações gratuitas até hoje, ajudando a manter a comunidade do game viva e a atrair novos jogadores todos os anos.

O impacto na cena indie

Stardew Valley inspirou muitos os outros desenvolvedores a se arriscarem em um gênero que estava desgastado até o dia 26 de fevereiro de 2016. Todos perceberam que Eric Barone não era o único fã de farm sim sedento por mudanças, por um caminho que voltasse a ser cativante como era antigamente. Grandes empresas e pequenos estúdios se inspiraram na fórmula de ConcernedApe, e assim, surgiram títulos como:

• Graveyard Keeper (2018): um criativo jogo de gerenciamento de cemitério medieval;
• Coral Island (2023): um farm sim com mecânicas muito semelhantes às de Stardew Valley, mas com a aventura ocorrendo em um cenário tropical;
• Disney Dreamlight Valley (2023): um ótimo exemplo de empresa grande notando o sucesso de Stardew Valley.

Além de inspirar novos simuladores, Stardew Valley também foi crucial para popularizar um gênero conhecido como “Cozy Game”, os famosos “jogos aconchegantes”. São aqueles títulos que evitam ao máximo o estresse e que são feitos para o jogador relaxar, sem pressão de inimigos, sem pressão de pontuação, sem cronômetros na tela.

Eric Barone fez um trabalho esplêndido e que será facilmente lembrado para as próximas gerações. Feliz aniversário de 10 anos, Stardew Valley!

Fontes: Steam, GQ e Stardew Valley

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As Inspirações de Ghetto Zombies: Graffiti Squad

Ghetto Zombies: Graffiti Squad me chamou a atenção quando li a respeito de suas inspirações: Zombies Ate My Neighbors e KND: A Turma do Bairro. O jogo de Super Nintendo e Mega Drive me cativou muito na infância. Era colorido, criativo, divertido e um desafio para poucos. Não é para menos que fiz muitas speedruns de Zombies Ate My Neighbors em meu canal “BeaRType”, como também sou conhecido. Já KND: A Turma do Bairro era um desenho clássico que não tinha medo de criar roteiros sem sentido algum, mas que ainda era capaz de levar o espectador a acompanhar a saga dos cinco protagonistas.

A união das referências levou à criação dos quatro protagonistas: Kath, Fabão, Duda e Vini. O design deles exala muita personalidade, e eles me passam a impressão de serem basicamente uma fusão dos estilos de Zombies Ate My Neighbors e A Turma do Bairro. Entretanto, aqui vai meu primeiro ponto negativo: beira o impossível os personagens nos cativarem por conta da falta de diálogos e de contexto sobre eles. Com todo o enredo da “Vila Fundinho” e a água contaminada que levou ao apocalipse, foi uma oportunidade perdida de criar um verdadeiro vínculo entre o jogador e o quarteto.

A gameplay é diversão pura!

Como mencionamos, Ghetto Zombies: Graffiti Squad se inspirou em Zombies Ate My Neighbors, e sua gameplay é um espelho disso. Para começar, o visual com um pixel art colorido lembra muito os cenários do game da LucasArts e Konami, assim como os sprites dos protagonistas e dos inimigos. Ao mesmo tempo, a hora da ação também entrega a inspiração do jogo 16-bits, mas com evidentes melhorias e muitas ideias originais. Para começar, o objetivo em cada área é fazer um número determinado de grafites nos muros. A razão é simples: a arte atrai os zombies para que possamos derrotá-los.

Já no combate, temos o seguinte arsenal para utilizar: pistolas, espingardas, rifles de precisão, metralhadoras, submetralhadoras e “armas especiais”. Dependendo do estilo de design da arma, elas causam efeitos diferentes, como lentidão ou dano contínuo. Na visão top-down (vista de cima), devemos controlar o personagem e a mira ao mesmo tempo. Ajuda muito o botão “R2” (do controle de PlayStation), que trava a mira no inimigo mais próximo, e o botão “X”, um dash útil para se livrar de situações complicadas, mas que consome uma barra chamada “fôlego”.

Na minha experiência, notei que é quase que obrigatório carregar uma metralhadora ou submetralhadora para lidar com verdadeiros exércitos em certos momentos da jogatina. Principalmente quando lidamos com as abelhas roxas e uma criatura roxa terrestre que aparece ao lado delas. Os rifles de precisão também são cruciais para eliminar inimigos problemáticos, como aqueles que lançam projéteis a longas distância. Por fim, não consigo largar as espingardas, espetaculares para lidar com poucos inimigos na curta distância. Destaco a minha favorita, a “Espingarda de Madeira”, que recarrega de forma muito veloz. É diversão garantida!

Ghetto Zombies: Graffiti Squad também oferece divertidos elementos de “RPG”, com atributos que podem ser distribuídos com base na evolução de seu personagem: Ataque, Fôlego, Agilidade e Vitalidade. Senti falta, no entanto, de ver os atributos das armas em si. É necessário testar bem as armas, antes de saber se é hora de trocar. Até hoje eu não sei o quanto vale a pena certas “armas especiais”, visto que meus testes com elas não foram lá muito bons. Seria muito legal se fosse mostrada uma tela com as informações de cada arma.

Faltou variedade

Como sou speedrunner de Zombies Ate My Neighbors, eu percebi centenas de vezes um ponto negativo no jogo da LucasArts: a falta de variedade nos cenários. Tecnicamente, temos variações, com bairros, jardins, shoppings, castelos, pirâmides, praias e casas abandonadas. Entretanto, a variedade some quando lembramos a quantidade de fases que há no jogo: 48 ao todo, além da fase extra que serve como créditos de encerramento. Depois da fase 20, sentimos uma repetição tremenda e cansativa em Zombies Ate My Neighbors. Este, infelizmente, também é um problema em Ghetto Zombies: Graffiti Squad.

Tudo se passa na “Vila Fundinho”, e os cenários remetem a um bairro ou uma cidade. Embora haja certas diferenças entre os cenários, alguns com trens, outros com lagos banhados pelo esgoto, alguns locais como fábricas abandonadas, a impressão que me passa em boa parte do tempo é: “Eu já não estive aqui antes?”. Obstáculos e objetivos criativos poderiam resolver o problema. Também seriam bem-vindas áreas internas, como fábricas, escolas, hospitais, igrejas, mansões, com objetivos diferentes.

Ainda falando em variedade, o chefe “Fome” foi legal no começo, mas cansou no final. Senti que os sub-bosses podiam ter tido mais carinho, em vez de tornar o Fome na praticamente única ameaça. E, falando nele, preciso destacar negativamente a última batalha por ela ser bastante inconsistente. Tive problemas na primeira vez que cheguei lá, com um bug estranho que fechava o jogo ao acionar a batalha. Depois que consegui jogá-la, senti estranheza em relação aos danos recebidos. É muito comum levar quase 50 de dano “do nada” de um projétil, e o mesmo projétil causar quase nada de dano em seguida. Sem falar que a luta é demorada em excesso, o que considerei uma dificuldade bem artificial.

Apesar de tudo, é simples compreender os padrões do “Fome Final” e derrotá-lo após bons minutos de sofrimento. Por sinal, na gameplay que realizei e está no meu canal do YouTube, encontrei um bug estranho que fazia com que eu não gastasse balas ao recarregar. Não faço ideia de como isso aconteceu. Por fim, a minha maior decepção no jogo: o final. Basicamente um “Well Done“, você conseguiu. Uma imagem rápida e fim, voltamos à tela inicial. Isso, definitivamente, não foi legal.

Conclusão

Ghetto Zombies: Graffiti Squad é um top-down shotter muito divertido. Passei bons momentos derrubando zombies e outras criaturas com as mais variadas armas em mãos. No quesito gameplay, o jogo da Fogo Games acerta muito. Entretanto, fica a sensação de que faltaram detalhes. Um roteiro mais trabalhado para aproveitar da excelente ideia, áreas ou obstáculos mais variados para evitar exaustão com o tempo, um número maior de objetivos para complementar o grafite e chefes diferentes do “Fome”. O final boss também foi uma grande decepção no meu ponto de vista, assim como o péssimo ending. Apesar de tudo, é impossível negar que o jogo é, sim, divertido. Se não fosse, eu não teria o zerado quatro vezes. Apenas acredito que ele tinha um potencial enorme, mas que não foi extraído por completo, o que é uma pena.

Esta foi a análise de Ghetto Zombies: Graffiti Squad! Fica a minha recomendação para você adquirir o jogo assim que possível. Com toda a certeza, ele renderá algumas horas de diversão, mesmo com os problemas que ele possui. Assista também ao detonado que realizei do jogo lá no meu canal Mega Urso Games. Um abraço e até a próxima!

Sites da desenvolvedora e da publisher: Fogo Games e Nuntius Games

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A Fórmula de Anos

O Impacto de The Legend of Zelda na Receita da Série

Nos anos 80, histórias complexas e que fugissem dos clichês eram raras, e The Legend of Zelda, apesar de toda sua genialidade, não escapa disso. Sua história envolve o príncipe das trevas “Ganon“, que busca o controle de Hyrule. Ele rouba a Triforce of Power, uma relíquia triangular que conta com poderes místicos, e sequestra Zelda. A princesa, então, separa a Triforce of Wisdom em oito fragmentos e os lança em dungeons para evitar que Ganon colocasse as mãos nesse poder também. Ao mesmo tempo, Zelda envia sua confiável companheira Impa para encontrar um guerreiro com coragem e capacidade de derrotar Ganon. Este guerreiro era o nosso herói, Link, que decidiu encarar a jornada de reunir os fragmentos da Triforce of Wisdom, antes de encarar Ganon na Death Mountain.

Assim, a aventura começa, com uma espada de madeira e o desconhecido nos aguardando em Hyrule. No caminho, podemos encontrar itens como “Bombas” e a “Vela”, cruciais para revelar cavernas secretas com Rupees (o dinheiro do game), corações e lojas, que vendem itens como poções, o Blue Ring (um anel defensivo), flechas e até itens obrigatórios para superar certas dungeons, como o Enemy Bait. Nas dungeons, por sinal, há muitas passagens secretas com dicas e até lojas que aumentam o limite de bombas. Sem um guia, descobrir tudo no game beira a insanidade, mas com o tempo, a fórmula se tornou mais intuitiva.

O Mundo Aberto e o “Save”

O Impacto de The Legend of Zelda na Liberdade do Jogador

O game foi lançado inicialmente em formato de disquete, no Famicom Disk System no Japão, mas em 1987, chegou ao ocidente o cartucho para o NES. O impacto de The Legend of Zelda começava no brilho de seu cartucho dourado, mas a verdadeira revolução estava escondida em seu interior: uma bateria de lítio. Esse pequeno componente permitiu que os jogadores pudessem salvar seu progresso diretamente no cartucho, abandonando os cansativos sistemas de passwords. Ao popularizar o salvamento em RAM nos consoles domésticos, Zelda não apenas facilitou a vida do jogador; ele ajudou a estabelecer um padrão que pôde expandir para o mercado ocidental projetos igualmente ambiciosos, como os RPGs Final Fantasy e Dragon Quest (Dragon Warrior).

Para a Nintendo investir em um componente desse nível, o projeto por trás de The Legend of Zelda precisava ser igualmente ambicioso. O mundo aberto concedia liberdade total, mas cobrava um preço alto em mistérios e perigos. Em Hyrule, até o mais simples inimigo poderia ser fatal, caso o jogador baixasse a guarda. Esse risco constante de morte criava uma necessidade real de exploração, de busca por recursos e, principalmente, de compreensão do mapa. Era uma ideia espetacular no papel, mas que só se tornou viável graças ao sistema de salvamento, que permitia ao jogador aprender com seus erros e persistir em uma jornada complexa e recompensadora.

As Ideias Miyamoto

O Impacto de The Legend of Zelda e suas Inspirações

A mente por trás de The Legend of Zelda foi Shigeru Miyamoto, uma verdadeira lenda da Nintendo e da história dos videogames. Após o sucesso de Super Mario Bros. (1985), Miyamoto buscou utilizar toda a sua criatividade para entregar aos jogadores algo que remetesse às suas próprias memórias explorando florestas e cavernas em Kyoto, no Japão. Em resumo, uma exploração pura, sem mapas ou indicações sobre o caminho correto. Ele não quis, literalmente, maltratar o jogador com uma experiência hardcore; sua intenção era compartilhar sua sensação ao realizar suas próprias explorações na vida real.

E as inspirações de Miyamoto não pararam por aí. Link, com suas orelhas pontudas e túnica verde, foi assumidamente inspirado em Peter Pan da Disney. O objetivo era fazer com que os jogadores sentissem que estavam no controle de um herói fantástico antes de conhecê-lo de verdade. Por fim, a própria Princesa Zelda teve seu nome inspirado na escritora Zelda Fitzgerald, esposa de F. Scott Fitzgerald. Miyamoto buscava um nome que fosse sonoro e memorável para a sua franquia, e o nome “Zelda” não apenas o agradou, como batizou uma franquia lendária que já dura quatro décadas.

A Second Quest

O Impacto de The Legend of Zelda e sua segunda jornada

Na década de 80, era muito comum os jogos com aquele loop eterno. Finalizávamos uma vez, e o jogo recomeçava com maior dificuldade. Isso possibilitava ao jogador acumular mais pontos, o principal objetivo nos arcades da época. The Legend of Zelda tem um final, sim, mas ele introduziu a “Second Quest“, um recomeço muito mais estruturado, com diferentes caminhos e layouts, além da maior dificuldade. A parte ruim era que não havia nenhuma recompensa extra. O final era praticamente o mesmo, com a diferença de haver a mensagem “The End of The Legend of Zelda“, em vez do aviso de haver uma segunda quest, e um o Link segurando uma espada no slot de save.

Embora não tenha enormes atrativos, a Second Quest levava um bom fator replay para os jogadores mais curiosos e dedicados. Tanto que a ideia de haver uma “segunda jornada”, sem ser um mero loop de dificuldade, seria implementada em outros jogos, como em Zelda II: The Adventure of Link (1987) e The Legend of Zelda: The Wind Waker (2002). Podemos até dizer que a Second Quest é algo como o “avô” daquilo que conhecemos como “New Game+“.

Um Gênio Musical

O Impacto de The Legend of Zelda nas trilhas sonoras

O compositor de The Legend of Zelda foi o lendário Koji Kondo. Em 1986, ele já tinha seu nome creditado em jogos como Punch Out! (1984) e Super Mario Bros. (1985). Na época, seu talento já era reconhecido, principalmente com as notas inconfundíveis da trilha sonora do encanador mais famoso da cultura pop. Entretanto, seu trabalho em The Legend of Zelda contou com um detalhe que dificultou todo o processo. A ideia original era usar a obra Boléro (1928) de Maurice Ravel como tema principal do jogo, mas quando descobriram que a música não estava em domínio público, Koji Kondo precisou fazer um tema do zero em apenas um dia.

O compositor precisou de um dia somente para compor um dos temas mais memoráveis da história dos games, conhecido inicialmente como “Intro Theme” ou “Overworld Theme“. A melodia ficou tão bela que se tornou no principal tema de toda a franquia, recebendo remakes com o passar das gerações. Vale lembrar: apenas 24 horas foram necessárias para esta espetacular composição.

Conclusão

The Legend of Zelda de 1986 foi fruto da ambição e criatividade de uma equipe talentosa que se preocupava em quebrar os limites tecnológicos da época pra levar uma aventura memorável. Mesmo com uma história simples, Zelda e Link cativaram milhões de jogadores e deram início a uma série que completa 40 anos neste sábado (21). O impacto de The Legend of Zelda foi colossal, e sua marca continua a atrair novos fãs até hoje. Um feliz aniversário de 40 anos, The Legend of Zelda!

E você? Já jogou o primeiro jogo da franquia? Como foi sua experiência? Diga para nós nos comentários. Eu, por sinal, nunca tinha zerado o jogo e brinquei com ele recentemente para sentir em primeira mão a razão de ele ser um clássico. Você pode conferir o detonado no vídeo a seguir. Um forte abraço!

Fontes: Vice e Zelda Fandom

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Jogos Inclusos

1. Todos os detalhes da Snow Bros. Classic Collection

A Snow Bros. Classic Collection foca apenas nos jogos lançados para os consoles, deixando de lado a versão de Arcade. Os games possuem o mesmo estilo, um single-screen platformer onde controlamos um “irmão Snow” e telas cheias de inimigos. A forma como lidamos com as ameaças envolve lançar muita neve nos monstros, transformá-los em bolas e, então, lançá-los para atingir os demais. Uma fórmula muito simples e divertida, que instiga o jogador a buscar combos cada vez maiores. Vale ressaltar que a franquia conta com grandes inspirações em Bubble Bobble, da Taito.

Ao todo, são três jogos disponíveis para os jogadores aproveitarem: Snow Bros Jr. (Game Boy), Snow Bros. (NES), e Snow Bros. – Nick & Tom (Mega Drive). Como os três títulos são ports do arcade, eles compartilham a mesma história: a aventura de Nick e Tom, dois príncipes que foram transformados em bonecos de neve por um rei maligno. Para recuperar suas formas humanas, os irmãos precisam enfrentar hordas de monstros e resgatar as princesas Teri e Tina das garras do vilão. Veja mais detalhes sobre cada jogo:

Snow Bros Jr.

Snow Bros Jr. foi lançado para Game Boy no dia 24 de maio de 1991 no Japão. Trata-se de um port da versão de arcade, mas com um total de dez fases novas e um chefe final diferente. O game surpreendeu por capturar a essência do fliperama mesmo com todas as limitações do portátil da Nintendo. Destacam-se o trabalho excelente com os sprites e o visual dos cenários, além dos bons controles que asseguram o fator replay. A tela monocromática, por sinal, faz os jogadores terem que identificar os itens com power ups pelo formato dos frascos. O ponto negativo fica para a parte sonora, principalmente com a falta de variedade de músicas, mas Snow Bros Jr. segue sendo um excelente título!

Snow Bros.

O port de Snow Bros. chegou ao NES (Nintendinho) também em 1991 e, curiosamente, foi publicado pela Capcom. A versão é muito elogiada pela enorme fidelidade ao que era visto nos fliperamas, com o acréscimo de cutscenes simples que explicam a história ao jogador. O game se manteve fácil de entender, mas continua um desafio e tanto para ser finalizado, contando com gráficos excelentes e muito coloridos. Diferentemente da versão de Game Boy, aqui é possível identificar os itens de power-up por suas cores:

• Vermelho: aumenta a velocidade de movimento;
• Azul: aumenta a quantidade de neve lançada;
• Amarelo: aumenta a distância do disparo;
• Verde: infla o irmão Snow como um balão, possibilitando-o voar e matar os inimigos no ar.

Snow Bros.: Nick & Tom

Por fim, temos a versão de Mega Drive, lançada como Snow Bros.: Nick & Tom e que pode ser considerada a melhor da coletânea. O poder do 16-bits da SEGA fez com que este port se aproximasse muito mais da experiência original dos fliperamas. Além dos gráficos lindos em cada detalhe, a versão se destaca pela inclusão de cenas de história que concedem um charme único à aventura de Nick e Tom. Vale destacar ainda que esta versão de Mega Drive foi lançada em 1993 apenas no Japão e na Coreia do Sul, o que a tornou um item extremamente raro. A adição do título à coletânea é um atrativo e tanto para os fãs ocidentais.

Conteúdo da Coletânea

2. Todos os detalhes da Snow Bros. Classic Collection

Além das três versões do Snow Bros. original, a Snow Bros. Classic Collection conta com um reprodutor de música, permitindo que o jogador ouça todas as trilhas sonoras dos games. No entanto, o destaque fica para a localização inédita de Snow Bros.: Nick & Tom. Como mencionado anteriormente, o port de 1993 para Mega Drive ficou restrito ao Japão e à Coreia do Sul. Agora, finalmente temos uma localização ocidental oficial para as belas cutscenes desta versão.

Preços da Coletânea

3. Todos os detalhes da Snow Bros. Classic Collection

Você pode adquirir a Snow Bros. Classic Collection para PC, PlayStation ou Nintendo Switch. Infelizmente, sem Xbox. Confira os preços:

• Steam: R$ 69,99 (R$ 62,99 até o dia 20 de fevereiro)
• PlayStation: R$ 85,50
• Nintendo Switch: R$ 14,99

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Os dois jogos 8-bits

1. Konami lança a Super Bomberman Collection

Embora a coletânea tenha o nome “Super Bomberman”, indicando a franquia lançada para Super Nintendo e Super Famicom, a Konami também incluiu os dois jogos lançados para o 8-bits da Nintendo: Bomberman (1985) e Bomberman II (1991). O primeiro Bomberman é uma versão diferente do jogo de mesmo nome lançado para computadores em 1983, mas que foi crucial para estabelecer de vez o estilo que consolidou a franquia da Hudson Soft no mercado. Em especial, com o design do Bomberman, que é praticamente o mesmo até hoje, e o objetivo de ir explodindo paredes e inimigos até encontrar a saída em meio a um labirinto.

Vale lembrar que ao finalizar Bomberman (1985), revela-se que o jogo é, na verdade, uma prequel de outro jogo da Hudson Soft chamado Lode Runner (1984), mas não demorou até a franquia Bomberman separar esse elo e adquirir sua própria identidade. Bomberman II (1991), que está na coletânea da Konami, já mostrou uma história do próprio universo, com o White Bomber caçando o vilão Black Bomber, encerrando de vez o elo com Lode Runner. O jogo também foi uma evolução nítida ao antecessor de seis anos atrás, com visuais e sons de maior qualidade e até pequenas cutscenes, além da introdução ao Battle Mode.

A Trilogia Super

2. Konami lança a Super Bomberman Collection

Embora a série “Super Bomberman” tenha contado com cinco jogos no 16-bits da Nintendo, apenas três foram lançados no ocidente: Super Bomberman (1993), Super Bomberman 2 (1994) e Super Bomberman 3 (1995). Super Bomberman foi um sucesso instantâneo, principalmente com seu modo multiplayer (Battle Mode) para até quatro jogadores, que era garantia de diversão com os amigos com a utilização do multitap. Entretanto, não foi apenas isso; o Normal Mode também agradou muito. A história da dupla White e Black Bomber lutando contra os vilões foi muito interessante, assim como toda a gameplay envolvendo cinco diferentes mundos temáticos e criativos. Um espetáculo para estrear a franquia no Super Nintendo.

Em 1994, chegou Super Bomberman 2, com gráficos nitidamente superiores ao antecessor, assim como fases mais criativas no geral no Normal Mode. Enquanto o Battle Mode seguiu agradando os jogadores, o ponto negativo ficou para o fim da possibilidade de jogar o modo aventura ao lado de um amigo. Com toda a certeza, muitos se decepcionaram quando compraram Super Bomberman 2 e descobriram, ao chegar em casa, que a aventura só podia ser jogada com um jogador.

Por sinal, Super Bomberman 2 foi o último jogo da série “Super” a ser lançado na América do Norte. Por conta do fim da Hudson Soft na região, Super Bomberman 3 de 1995 chegou ao ocidente de forma oficial apenas na Europa, no sistema PAL. Uma pena, pois foi o primeiro jogo da série a implementar o Battle Mode para até cinco jogadores. Além disso, seu visual vibrante com muitas cores e uma bela pixel art concederam um carisma único a ele, assim como a muito bem-vinda chegada das montarias “Loiues“, que haviam aparecido somente no Bomberman’94 de PC Engine. Na minha opinião, o melhor “Modo Aventura” da série no Super Nintendo.

Presos no Japão

3. Konami lança a Super Bomberman Collection

Os dois últimos jogos da série “Super” ficaram presos ao Super Famicom no Japão. O primeiro foi Super Bomberman 4 (1996), com um enredo se passando tempos após a vitória dos heróis contra o vilão Bagura em Super Bomberman 3. De uma forma geral, o game é considerado como o melhor Super Bomberman para iniciantes por conta do novo sistema de montarias, que possibilitava o Bomberman montar nos inimigos que ele enfrentava. Um ótimo jogo e que se tornou o favorito de muitos também.

Por fim, Super Bomberman 5 (1997), o último lançamento da série “Super” até a chegada de Super Bomberman R (2017). Super Bomberman 5 mostrou ao mundo um trabalho visual quase que impecável para fazer uma espécie de homenagem a todos os quatro antecessores, relembrando fases e inimigos que os jogadores já haviam enfrentado, além de apresentar uma gameplay nada linear. É comum ouvir também que Super Bomberman 5 possui um dos melhores Battle Mode da franquia inteira. Um espetáculo que, infelizmente, ficou preso no Japão até hoje.

Novidades e Preços da Coletânea!

4. Konami lança a Super Bomberman Collection

A Super Bomberman Collection não terá apenas os jogos para jogar da forma como foram lançados. A Konami preparou algumas novidades interessantes para os jogadores aproveitarem. Confira:

• Boss Rush: um desafio para enfrentar chefes dos jogos “Super” de forma consecutiva e com o acréscimo de levar o jogador a realizar speedruns do modo;
• Artwork: mais de 200 artes raras da franquia estarão disponíveis para os jogadores aproveitarem na coletânea;
• Música: os ótimos temas da franquia estarão lá para serem escutados a qualquer momento. Os jogadores podem criar sua própria playlist com o “Bomb-Radio” também;
• Online: todos poderão acessar o modo online para jogar com outros jogadores, seja no Normal Mode ou no Battle Mode.

Caso você tenha se interessado, a versão para Nintendo Switch está à venda por R$ 114,90 na Nintendo eShop, enquanto a versão de Nintendo Switch 2 sai por R$ 142,50. No Steam, você também encontra o preço de R$ 114,90, assim como no PlayStation e no Xbox.

A Konami também confirmou o lançamento de versões físicas da coletânea para o dia 28 de agosto de 2026, mas sem detalhes em relação aos preços. Estas versões serão lançadas pela distribuidora Red Art Games.

O que você achou da Super Bomberman Collection? Vamos torcer para que seja um indicativo para futuras novas coletâneas que tragam títulos como Bomberman ’93 e Bomberman ’94 de PC Engine, Saturn Bomberman de Sega Saturn e Bomberman World de PlayStation. Quem sabe não possamos sonhar até com a era 3D do Nintendo 64 ou até mesmo Bomberman Generation ou Bomberman Jetters? Vamos ficar ligados!

Fonte: Nintendo

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Earthworm Jim, Contra e… Bionic Commando? E… Mega Man X?

1. Todos os detalhes sobre ChainStaff

ChainStaff apresenta ao jogador um mutante com um alienígena grudado na cabeça. A grande sacada do jogo está na utilidade no próprio ChainStaff, a arma do protagonista, que funciona como gancho, lança, escudo e até ponte. Quem explica essa ideia maluca é Nathan Fouts, um ex-funcionário da Insomniac Games que atua como diretor de ChainStaff. Segundo ele, a ideia foi capturar a fluidez de Bionic Commando e a intensidade de Mega Man X e somar tudo com sua temática brutal. Curiosamente, tanto Bionic Commando como Mega Man X são franquias da Capcom.

Insanas características

2. Todos os detalhes sobre ChainStaff

Além de se adaptar à arma ChainStaff e todas as suas utilidades, o game apresenta ao jogador aprimoramentos grotescos. É possível escolher entre regatar os amigos caídos ou se transformar em um alienígena ainda mais poderoso. Suas decisões desbloqueiam aprimoramentos em duas árvores de habilidades diferentes, que podem ser essenciais para derrotar os chefes da melhor maneira, e influenciam diretamente no desfecho da história, que conta com três finais diferentes.

Ao todo, o jogo conta com 10 fases, que são como uma capa de um álbum de rock clássico. De acordo com a Mommy’s Best Games, a aventura pode ter entre 4 a 6 horas de diversão, incluindo até o modo “New Game+”.

Heavy Metal!

3. Todos os detalhes sobre ChainStaff

Falamos tanto da temática “Heavy Metal“, mas ainda não comentamos sobre a trilha sonora. A música de ChainStaff é composta por Deon van Heerden, conhecido principalmente pelo seu trabalho em Broforce (2015). Portanto, em relação à experiência sonora, não espere por nada que não sejam riffs pesados e épicos do melhor do Heavy Metal. Um espetáculo!

Pré-venda

4. Todos os detalhes sobre ChainStaff

A seguir, confira os preços e links para todas as pré-vendas já disponíveis para Chain Staff:

• Steam: Em Breve
• PlayStation: Em Breve
• Xbox: R$ 72,95
• Nintendo Switch: R$ 79,90

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Preço e Conteúdo

1. Todos os detalhes sobre o Nickelodeon Splat Pack

O Nickelodeon Splat Pack é mais um projeto que surge da parceria entre Limited Run Games e Mighty Rabbit Studios, que já haviam lançado neste mês a Earnest Evans Collection. O conteúdo no Nickelodeon Splat Pack, no entanto, aparenta ser mais simples e com opções já conhecidas em coletâneas clássicas, como rebobinar para consertar um erro, salvar em qualquer lugar e um reprodutor de música para ouvir as trilhas sonoras. O preço, por sinal, parece um pouco salgado, ainda mais se compararmos com o valor da The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch, que conta com oito excelentes jogos. Confira:

• Steam: R$ 64,99 (R$ 58,49 até o dia 13 de fevereiro)
• PlayStation: R$ 85,50
• Nintendo Switch: R$ 86,99

Os títulos disponíveis

2. Todos os detalhes sobre o Nickelodeon Splat Pack

Precisamos ser sinceros: os jogos disponíveis no Nickelodeon Splat Pack não são grandes obras-primas da indústria do videogame. Não espere grandes destaques do Super Nintendo ou Mega Drive dos anos 90; trate como uma verdadeira viagem nostálgica para relembrar um período de ouro do Nickelodeon. Confira os games:

GUTS

O Nickelodeon Guts foi um programa de competições entre jovens atletas realizado entre os anos de 1992 e 1995. No Brasil, conhecemos o programa como “Global GUTS”, que contava com participantes de diversos países. Os desafios eram versões mais complexas de esportes populares, como futebol e basquetebol, com o uso de equipamentos criativos e ambiciosos. O GUTS ganhou uma adaptação para o Super Nintendo, que está presente no Nickelodeon Splat Pack. Ela foi desenvolvida pela Viacom New Media em 1994, mas o jogo teve uma tenebrosa recepção por conta dos péssimos controles, gráficos ruins e gameplay extremamente repetitiva. Vale apenas pela curiosidade na coletânea.

Rocko’s Modern Life: Spunky’s Dangerous Day

Rocko’s Modern Life: Spunky’s Dangerous Day é a adaptação para Super Nintendo do desenho “A Vida Moderna de Rocko”, também desenvolvido pela Viacom New Media. Embora assuste ver o nome da desenvolvedora mais uma vez após o desastre citado no último tópico, saiba que Rocko’s Modern Life: Spunky’s Dangerous Day não foi um desastre completo no SNES. É um game simples de plataforma que se destacou por conseguir levar de forma satisfatória a estética do desenho para a tela do console. Foi diferente do GUTS, que falhou em reproduzir toda a emoção das competições da televisão. Rocko’s Modern Life: Spunky’s Dangerous Day teve críticas, como controles um pouco imprecisos e a dificuldade desnecessariamente elevada, mas muito longe de ser um título dispensável.

AAAHH!!! Real Monsters

Conhecido como Ahhh! Monstros no Brasil, AAAHH!!! Real Monsters também foi uma série de desenho animada produzida pela Nickelodeon. A obra era considerada de terror, mas com um tom mais cômico e, por vezes, nojento. A Viacom New Media lançou adaptações do desenho tanto para Mega Drive como para Super Nintendo, ambas disponíveis, no Nickelodeon Splat Pack. Diferentemente de Rocko’s Modern Life: Spunky’s Dangerous Day, AAAHH!!! Real Monsters não teve uma boa recepção nos consoles. Ambas as versões são consideradas abaixo da média para um jogo de plataforma, com controles pouco responsivos, fases exageradamente longas e uma dificuldade muito frustrante. Mais um título que valerá somente pela curiosidade na coletânea.

Fontes: Steam, PlayStation e Nintendo Switch

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Preço e Conteúdo

1. The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch

A The Disney Afternoon Collection contará com os oito jogos clássicos da forma como eles foram lançados entre a década de 80 e 90. A diferença da coletânea fica para as funções que podem ajudar novos jogadores: Rebobinar, para retornar o jogo após um erro cometido, e Salvar, mantendo o progresso sem a necessidade de jogar tudo de novo. Assim como na coletânea de 2017, temos o modo “Corrida Contra o Tempo”, muito popular entre os speedrunners, e o modo “Sequência de Cheds”, mas, infelizmente, eles não estarão disponíveis no Goof Troop e no Bonkers. Nos outros títulos, os jogadores poderão compartilhar seus recordes nos placares online.

Ainda temos de conteúdo o “Modo Galeria”, que conta com diversos materiais e arquivos que mostram detalhes do desenvolvimento dos jogos e outras curiosidades. Por fim, The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch ainda oferecerá as trilhas sonoras originais dos oito jogos para que os jogadores possam ouvir a hora que desejarem.

Você já pode comprar a The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch ou Nintendo Switch 2 na pré-venda. O valor de lançamento é de R$ 54,95, mas a coletânea está com um desconto de 10% no momento, fazendo o preço cair para R$ 49,45.

Os títulos disponíveis

2. The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch

Como já mencionamos, a versão da The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch 1 e 2 contará com os seis jogos originais da coletânea e mais dois extras. Relembre quais são os jogos e confira mais detalhes sobre eles:

DuckTales (1989) e DuckTales 2 (1993)

DuckTales é o título mais antigo da coletânea. Baseado na série de televisão de mesmo nome, ele é um jogo de plataforma que tem como protagonista Scrooge McDuck (o Tio Patinhas no Brasil) na busca por tesouros para superar seu arquirrival Pão-Duro MacMônei (Flintheart Glomgold) e se tornar o pato mais rico do mundo. DuckTales foi um enorme sucesso para a Capcom, com mais de 1 milhão de cópias vendidas e muitos elogios para seus controles responsivos e ótimo design. O sucesso, por sinal, não foi tão surpreendente para aqueles que sabiam que a equipe envolvida no projeto era a mesma da franquia Mega Man, com Keiji Inafune como diretor.

A sequência, DuckTales 2, foi lançada em 1993, já se aproximando do fim do ciclo do NES, o que prejudicou bastante os números de suas vendas e o tornou um jogo bastante raro entre colecionadores hoje em dia. Sua história é muito semelhante à do antecessor, com o Tio Patinhas caçando tesouros e confrontando o seu rival Pão-Duro. Os elogios foram muito semelhantes aos do antecessor, mas houve a crítica de a sequência não inovar tanto. Mesmo assim, é um ótimo game para ficar de olho!

Chip ‘n Dale Rescue Rangers (1990) e Chip ‘n Dale Rescue Rangers 2 (1994)

Assim como DuckTales, Chip ‘n Dale Rescue Rangers é uma adaptação de uma animação de mesmo nome da televisão. No Brasil, o desenho ficou conhecido como “Tico e Teco“. Curiosamente, os jogos também tiveram a participação de nomes envolvidos com a franquia Mega Man, como Keiji Inafune, desta vez como artista, e Tokuro Fujiwara, que atuou como produtor em Chip ‘n Dale, mas já havia trabalhado em Mega Man 2. Chip ‘n Dale Rescue Rangers também é um jogo de plataforma, com a possibilidade de jogar com dois jogadores, um com o Tico e o outro com o Teco. O título foi um tremendo sucesso também, com muitos elogios para os gráficos e o modo multiplayer, mas com ressalvas para a falta de dificuldade no game.

A sequência, Chip ‘n Dale Rescue Rangers 2, foi lançada em dezembro de 1993 no Japão, mas em 1994 no resto do mundo. O jogo se assemelhou muito ao antecessor, com um ritmo razoavelmente rápido, controles par andar, pular, se abaixar e atacar inimigos jogando objetos neles. No entanto, houve inovações para incentivar a jogatina com dois jogadores, como alguns mini-games e a possibilidade de pegar e jogar o companheiro. O game também foi um grande sucesso para a Capcom.

TaleSpin (1991)

TaleSpin de NES é uma adaptação da animação de mesmo nome e conhecida no Brasil como “Esquadrilha Parafuso“. Aqui, vemos as aventuras do Urso Balu como um piloto de elite. O jogo consiste em ser um horizontal shoot’em up, mas com mecânicas interessantes, como a possibilidade de virar o avião para trás e a gestão de dinheiro para comprar upgrades. TaleSpin não foi um sucesso como DuckTales e Tico e Teco, mas é um bom jogo para o que se propôs em seu desenvolvimento, embora seja considerado bem difícil. Importante não confundir com TaleSpin de Mega Drive, que é um jogo de plataforma muito diferente. Na The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch e na versão de 2017, o game apresentado é o de NES, desenvolvido pela Capcom.

Darkwing Duck (1992)

Se TaleSpin já é um jogo difícil, Darkwing Duck consegue tão complexo quanto, uma ótima opção para aqueles que procuram um desafio de verdade. Vale destacar que o nome do desenho é o mesmo tanto no original em inglês como no Brasil. No NES, a Capcom também o adaptou como um jogo de plataforma, mas com claras inspirações à sua franquia Mega Man, como a movimentação, a seleção de fases, o sistema de armas, entre outros. Darkwing Duck é aquele jogo que muitos vão abusar do “Rebobinar” para zerar, assim como TaleSpin.

Goof Troop (1993)

Agora vem um dos meus jogos favoritos de todos os tempos, Goof Troop, A Turma do Pateta. Esse game me marcou muito e foi crucial para minha entrada no mundo das speedruns. Também digo a vocês que ele possui até hoje uma das melhores experiências cooperativas dos videogames. Em algum momento, farei uma matéria mais completa falando sobre Goof Troop e o quão espetacular ele é. Não é para menos que teve como designer Shinji Mikami, que viria a ser diretor de Resident Evil em 1996 e responsável pelo estrondoso sucesso do survival horror da Capcom.

Bonkers (1994)

Bonkers foi mais um desenho que não mudou seu nome na localização brasileira. A Capcom fez um bom trabalho gráfico na adaptação do Super Nintendo, com sprites e cenários lindos do começo ao fim, mas sua gameplay tem um problema: a sensação de que a Capcom tentou tornar o ritmo do jogo de plataforma mais acelerado, mas a ideia não funcionou. Uma pena, pois poderia ter sido um jogo mais icônico. Ainda assim, vale a pena conferir na The Disney Afternoon Collection no Nintendo Switch!

Fontes: Nintendo

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Divina Comédia

1. The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline é revelado

O nome do jogo não é coincidência; ele se refere, sim, a Dante Alighieri, autor do poema “Divina Comédia“. A ONE O ONE GAMES desenvolveu uma interpretação sombria e moderna da obra escrita no século XIV, colocando o inferno como uma sombra à espreita e pronta para lhe consumir. Sua trama de The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline afirma que a cada 33 anos, a barreira entre a nossa realidade e o submundo enfraquece. O protagonista é Gabriele Alighieri, um homem que passou a vida fugindo de um destino, mas que agora precisa realizar o Ritual para proteger sua família e todo o mundo.

Os Desafios

2. The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline é revelado

A jogabilidade de The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline funciona na perspectiva em primeira pessoa. O jogo tem o foco na narrativa e na exploração, que se destacam em suas principais características:

• O Ritual: é necessário reunir as páginas mágicas perdidas da Divina Comédia para realizar o ritual que mantém os portões do inferno selados;
• Puzzles Temáticos: o jogador precisa decifrar enigmas esotéricos e embarcar em uma angustiante jornada psicológica, levando-o a confrontar os medos mais profundos de Gabriele;
• A Verdade: a exploração recompensa com itens colecionáveis e páginas de diários escondidos. São as peças da trágica história da linhagem Alighieri e as memórias esquecidas da vida de Gabriele que ajudam a compreender o preço do Ritual.

Demo no Steam Next Fest

3. The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline é revelado

Caso você tenha se interessado em jogar o jogo da ONE O ONE GAMES, você poderá jogar a demo no Steam no dia 19 de fevereiro. A chegada da demonstração faz parte da Steam Next Fest, um festival digital da Valve que celebra jogos que serão lançados em breve. Fique de olho para mais informações sobre The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline!

Fonte: Steam

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