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A Fórmula de Anos

O Impacto de The Legend of Zelda na Receita da Série

Nos anos 80, histórias complexas e que fugissem dos clichês eram raras, e The Legend of Zelda, apesar de toda sua genialidade, não escapa disso. Sua história envolve o príncipe das trevas “Ganon“, que busca o controle de Hyrule. Ele rouba a Triforce of Power, uma relíquia triangular que conta com poderes místicos, e sequestra Zelda. A princesa, então, separa a Triforce of Wisdom em oito fragmentos e os lança em dungeons para evitar que Ganon colocasse as mãos nesse poder também. Ao mesmo tempo, Zelda envia sua confiável companheira Impa para encontrar um guerreiro com coragem e capacidade de derrotar Ganon. Este guerreiro era o nosso herói, Link, que decidiu encarar a jornada de reunir os fragmentos da Triforce of Wisdom, antes de encarar Ganon na Death Mountain.

Assim, a aventura começa, com uma espada de madeira e o desconhecido nos aguardando em Hyrule. No caminho, podemos encontrar itens como “Bombas” e a “Vela”, cruciais para revelar cavernas secretas com Rupees (o dinheiro do game), corações e lojas, que vendem itens como poções, o Blue Ring (um anel defensivo), flechas e até itens obrigatórios para superar certas dungeons, como o Enemy Bait. Nas dungeons, por sinal, há muitas passagens secretas com dicas e até lojas que aumentam o limite de bombas. Sem um guia, descobrir tudo no game beira a insanidade, mas com o tempo, a fórmula se tornou mais intuitiva.

O Mundo Aberto e o “Save”

O Impacto de The Legend of Zelda na Liberdade do Jogador

O game foi lançado inicialmente em formato de disquete, no Famicom Disk System no Japão, mas em 1987, chegou ao ocidente o cartucho para o NES. O impacto de The Legend of Zelda começava no brilho de seu cartucho dourado, mas a verdadeira revolução estava escondida em seu interior: uma bateria de lítio. Esse pequeno componente permitiu que os jogadores pudessem salvar seu progresso diretamente no cartucho, abandonando os cansativos sistemas de passwords. Ao popularizar o salvamento em RAM nos consoles domésticos, Zelda não apenas facilitou a vida do jogador; ele ajudou a estabelecer um padrão que pôde expandir para o mercado ocidental projetos igualmente ambiciosos, como os RPGs Final Fantasy e Dragon Quest (Dragon Warrior).

Para a Nintendo investir em um componente desse nível, o projeto por trás de The Legend of Zelda precisava ser igualmente ambicioso. O mundo aberto concedia liberdade total, mas cobrava um preço alto em mistérios e perigos. Em Hyrule, até o mais simples inimigo poderia ser fatal, caso o jogador baixasse a guarda. Esse risco constante de morte criava uma necessidade real de exploração, de busca por recursos e, principalmente, de compreensão do mapa. Era uma ideia espetacular no papel, mas que só se tornou viável graças ao sistema de salvamento, que permitia ao jogador aprender com seus erros e persistir em uma jornada complexa e recompensadora.

As Ideias Miyamoto

O Impacto de The Legend of Zelda e suas Inspirações

A mente por trás de The Legend of Zelda foi Shigeru Miyamoto, uma verdadeira lenda da Nintendo e da história dos videogames. Após o sucesso de Super Mario Bros. (1985), Miyamoto buscou utilizar toda a sua criatividade para entregar aos jogadores algo que remetesse às suas próprias memórias explorando florestas e cavernas em Kyoto, no Japão. Em resumo, uma exploração pura, sem mapas ou indicações sobre o caminho correto. Ele não quis, literalmente, maltratar o jogador com uma experiência hardcore; sua intenção era compartilhar sua sensação ao realizar suas próprias explorações na vida real.

E as inspirações de Miyamoto não pararam por aí. Link, com suas orelhas pontudas e túnica verde, foi assumidamente inspirado em Peter Pan da Disney. O objetivo era fazer com que os jogadores sentissem que estavam no controle de um herói fantástico antes de conhecê-lo de verdade. Por fim, a própria Princesa Zelda teve seu nome inspirado na escritora Zelda Fitzgerald, esposa de F. Scott Fitzgerald. Miyamoto buscava um nome que fosse sonoro e memorável para a sua franquia, e o nome “Zelda” não apenas o agradou, como batizou uma franquia lendária que já dura quatro décadas.

A Second Quest

O Impacto de The Legend of Zelda e sua segunda jornada

Na década de 80, era muito comum os jogos com aquele loop eterno. Finalizávamos uma vez, e o jogo recomeçava com maior dificuldade. Isso possibilitava ao jogador acumular mais pontos, o principal objetivo nos arcades da época. The Legend of Zelda tem um final, sim, mas ele introduziu a “Second Quest“, um recomeço muito mais estruturado, com diferentes caminhos e layouts, além da maior dificuldade. A parte ruim era que não havia nenhuma recompensa extra. O final era praticamente o mesmo, com a diferença de haver a mensagem “The End of The Legend of Zelda“, em vez do aviso de haver uma segunda quest, e um o Link segurando uma espada no slot de save.

Embora não tenha enormes atrativos, a Second Quest levava um bom fator replay para os jogadores mais curiosos e dedicados. Tanto que a ideia de haver uma “segunda jornada”, sem ser um mero loop de dificuldade, seria implementada em outros jogos, como em Zelda II: The Adventure of Link (1987) e The Legend of Zelda: The Wind Waker (2002). Podemos até dizer que a Second Quest é algo como o “avô” daquilo que conhecemos como “New Game+“.

Um Gênio Musical

O Impacto de The Legend of Zelda nas trilhas sonoras

O compositor de The Legend of Zelda foi o lendário Koji Kondo. Em 1986, ele já tinha seu nome creditado em jogos como Punch Out! (1984) e Super Mario Bros. (1985). Na época, seu talento já era reconhecido, principalmente com as notas inconfundíveis da trilha sonora do encanador mais famoso da cultura pop. Entretanto, seu trabalho em The Legend of Zelda contou com um detalhe que dificultou todo o processo. A ideia original era usar a obra Boléro (1928) de Maurice Ravel como tema principal do jogo, mas quando descobriram que a música não estava em domínio público, Koji Kondo precisou fazer um tema do zero em apenas um dia.

O compositor precisou de um dia somente para compor um dos temas mais memoráveis da história dos games, conhecido inicialmente como “Intro Theme” ou “Overworld Theme“. A melodia ficou tão bela que se tornou no principal tema de toda a franquia, recebendo remakes com o passar das gerações. Vale lembrar: apenas 24 horas foram necessárias para esta espetacular composição.

Conclusão

The Legend of Zelda de 1986 foi fruto da ambição e criatividade de uma equipe talentosa que se preocupava em quebrar os limites tecnológicos da época pra levar uma aventura memorável. Mesmo com uma história simples, Zelda e Link cativaram milhões de jogadores e deram início a uma série que completa 40 anos neste sábado (21). O impacto de The Legend of Zelda foi colossal, e sua marca continua a atrair novos fãs até hoje. Um feliz aniversário de 40 anos, The Legend of Zelda!

E você? Já jogou o primeiro jogo da franquia? Como foi sua experiência? Diga para nós nos comentários. Eu, por sinal, nunca tinha zerado o jogo e brinquei com ele recentemente para sentir em primeira mão a razão de ele ser um clássico. Você pode conferir o detonado no vídeo a seguir. Um forte abraço!

Fontes: Vice e Zelda Fandom

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A equipe de Tiger Heli, que tinha nomes como Masahiro Yuge, Tatsuya Uemura e Yuchirõ Nozawa, ainda viria a trabalhar em outros clássicos gênero no futuro, como Twin Cobra e Truxton. Mas, o que fez Tiger Heli ser um grande sucesso nos arcades em 1985 e, eventualmente, nos consoles? Confira mais sobre o jogo, a seguir, em sua análise de aniversário.

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*Fotos: reproduções de World of LongPlays

História: o clichê clássico

Tiger-Heli, como esperado, não possui nenhuma trama elaborada. Resumidamente, o jogador assume o controle de um helicóptero enviado para derrotar inimigos e restaurar a paz do mundo. Simples, não? Mas, não era o que mais importava no game no final das contas.

Jogabilidade: o sucessor espiritual de Gyrodine

Tiger-Heli teve como inspirações Gyrodine (1984), outro shoot’em up vertical de helicóptero lançado pela Crux. Desenvolvedores da Crux migraram para a Toaplan no ano seguinte e trabalharam em Tiger-Heli, que se tornou uma espécie de sequência de Gyrodine. Foi possível para eles analisarem o game de 1984, ver os erros e acertos, e compreender onde levar refinamentos e melhorias. O resultado foi espetacular, uma natural evolução.

A “sequência” conta com inimigos no ar, como aviões, tanques, barcos, e alvos como prédios, carros e depósitos de combustíveis. É possível se movimentar em oito direções e usar mísseis e bombas como armas. Há itens em forma de cruz para coletar e receber bombas extras e pequenos helicópteros que o acompanham na jornada.

Como um bom fliperama clássico, Tiger-Heli foca na busca pela pontuação. Além de ganhar pontos destruindo inimigos, é possível encontrar alvos secretos que concedem bônus na pontuação. Ao final da última fase, o game entra em loop, aumentando a dificuldade, outro recurso comum dos jogos da época.

Gráficos: outra evolução

É difícil não comparar os gráficos de Tiger-Heli com os de Gyrodine. A evolução de 1984 para 1985 foi gritante, com o helicóptero tendo um sprite maior e bem mais detalhado, assim como os inimigos, e os cenários em geral contando com muito mais detalhes e cores, além dos terrenos variados. Não estava entre os melhores gráficos de 1985, mas Tiger-Heli entregava uma experiência visual excelente nos fliperamas.

Música: bravura!

O que a Toaplan queria era levar um senso de heroísmo com a trilha sonora de Tiger-Heli, mesmo com as evidentes limitações de 1985. O responsável pelo som foi Masahiro Yuge, e podemos dizer que ele conseguiu o que a equipe queria. Os temas são curtos, o que poderia prejudicar seus loops, mas causam o impacto desejado!

Conclusão

Tiger-Heli ficou um pouco ofuscado por clássicos da Toaplan lançados anos depois, mas não podemos ignorar sua importância. Ele, basicamente, moldou as bases para que a desenvolvedora pudesse produzir seus shoot’em ups nos anos seguintes. Não é para menos que Tiger-Heli teve alguns períodos como a máquina mais jogada em fliperamas japoneses. Para os brasileiros, fica o carinho da versão do NES, ou do Turbo Game da CCE, que contava com menos glamour que a versão de arcade, mas possuía seu valor também.

Feliz aniversário, Tiger-Heli!

Fontes: Pop Culture Retrorama e Shmupjunkie

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A ideia de controlar um cowboy, em vez de um avião, agradou e assegurou o sucesso do game, embora seja um dos mais difíceis já lançados pela Capcom. A seguir, veja mais detalhes na análise de aniversário de Gun.Smoke.

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História: o caçador de recompensas

Gun.Smoke conta a história de Billy Bob, um caçador de recompensas que encara os maiores criminosos de Hicksville para livrá-la do crime e, é claro, conquistar uma grana. A trama é, tecnicamente, contada pelos cartazes de procurado que aparecem no início de cada fase. Na tabela abaixo, você confere todos os chefes, suas armas e recompensas:

Jogabilidade: teste seus reflexos

A Capcom não sentiu pena do jogador em Gun.Smoke. O game é difícil e bastante exigente. Além de ser necessário ótimos reflexos, o jogador também precisa entender e decorar os padrões de movimento dos inimigos. Tudo funciona na visão vertical que avança automaticamente, como em um shoot ‘em up tradicional. Um dos diferenciais na jogabilidade está no esquema de três botões, que mudam a direção dos disparos para a esquerda, direita ou para frente.

Temos power-ups nas fases para potencializar as armas, aumentar a velocidade e até cavalos, que servem como uma espécie de escudo extra. Toda fase funciona no estilo comum de um shoot ‘em up, com a necessidade de lidar com hordas de inimigos antes do duelo derradeiro contra o chefe da fase. Gameplay simples, mas, novamente, a dificuldade é elevada. Boa sorte se for tentar zerar o game com apenas um crédito.

Gráficos: uma boa representação do Velho Oeste

Gun.Smoke é um jogo bonito para os padrões de 1985. Ele consegue representar bem o clima árido do Velho Oeste. Há carinho nas animações simples dos personagens no geral, seja o Billy Bob ou seus inimigos. Não é um grande destaque visual, mas funcionou. Em especial, por conta da forma como conseguimos reconhecer os detalhes mais importantes mesmo em meio ao frenético tiroteio.

Música: mais uma vez, a efetiva simplicidade

A trilha sonora de Gun.Smoke foi criada pela compositora Ayako Mori, que conhecida por trabalhar em outros jogos da Capcom na mesma década, como SonSon (1984), Pirate Ship Higemaru (1984), 1942 (1984) e a espetacular OST de Ghosts’n Goblins (1985). Em Gun.Smoke, a ideia envolve levar o espírito do Velho Oeste, somado ao senso de tensão e urgência. A combinação dá certo, na simplicidade da ideia e na limitação do hardware na época. Uma boa trilha sonora!

Conclusão

Embora pouco falado hoje em dia, Gun.Smoke foi extremamente popular na década de 80. Tanto que chegou a ser um dos fliperamas mais jogados do Japão no primeiro semestre de 1986. Foi um shoot’em up que levou a ideia interessante de substituir as batalhas aéreas com humanos caminhando e correndo em um terreno. Sua dificuldade assusta, mas não o impede de ser um clássico entre os fãs da Capcom e de fliperamas.

Feliz aniversário, Gun.Smoke!

Fontes: Capcom Fandom, Games Don’t Suck e Angry Old Man Gaming

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É importante lembrar que Sega Mark III e Master System, apesar das gritantes diferenças no design da carcaça, possuem literalmente o mesmo hardware. Como o ocidente conheceu apenas o design do Master System, o Sega Mark III ficou um pouco desconhecido. Confira mais detalhes sobre ele a seguir.

Os dois “1000”

A Sega também observou de perto o crash dos videogames causado pelas decisões questionáveis da Atari no começo da década de 80. Ao mesmo tempo, via a Nintendo conquistar a indústria e se tornar praticamente absoluta na época com o Famicom / NES. Popular nos fliperamas, a Sega queria se encontrar também no ramo de consoles de mesa e apostou suas fichas no SG-1000 Computer Video Game, lançado no Japão no dia 15 de julho de 1983 e com um hardware já com semelhanças com o Master System.

Por conta conta da concorrência com a Nintendo, o console não emplacou e sobreviveu apenas com vendas razoáveis em toda a Ásia. Por isso, em julho de 1984, a Sega lançou uma versão atualizada do console, o SG-1000II Computer Video Game. O diferencial ficou para o dobro de RAM em relação o antecessor e a aposta em acessórios diferentes para maior imersão. A nova aposta da Sega também não deu grandes resultados. Assim, restou lançar, em 1985, o Sega Mark III.

Encontrando seu espaço

O Sega Mark III foi mais uma grande atualização, um console com mais RAM, mais memória, a capacidade de colocar mais sprites na tela e a retrocompatibilidade. Embora mais poderoso do que o Famicom / NES, o console não conseguiu sua parcela no mercado japonês. Era realmente difícil lutar contra um mercado dominado de ponta a ponta pela Nintendo. Dessa forma, a Sega alçou novos voos no mercado ocidental.

Apostando no nome Master System e em um design mais arrojado, o console não superou a Nintendo nos Estados Unidos, mas conquistou os europeus em uma ótima jogada da Sega no natal de 1987. No Brasil, o Master System chegou com tudo apenas em 1989, mas foi o bastante formar uma enorme base de fãs.

Os jogos originais do Sega Mark III

O Sega Mark III contou com oito jogos novos no ano de seu lançamento em 1985: Teddy Boy Blues, Hang On, Astro Flash, Great Soccer, Great Baseball, Satellite 7, Fushigi no Oshiro Pit Pot, F-16 Fighting Falcon e Great Tennis. Nenhum chamou mais a atenção do que Hang On, port de jogo de corrida de motos da Sega para arcades. Foi o game que mais demonstrou o potencial do Sega Mark III, com grandes sprites e toda aquela sensação de velocidade.

Em 1986, ano em que o Master System foi lançado, outros jogos de impacto apareceram, como Alex Kidd in Miracle World, Fantasy Zone e Hokuto no Ken (Black Belt no ocidente). Nos anos seguintes, podemos dizer que os games do 8-bits ficaram mais conhecidos pela marca Master System do que Sega Mark III, mas é importante lembrarmos e respeitarmos a origem de um console tão espetacular.

Feliz aniversário, Sega Mark III!

Fontes: ITHistory, Smspower e Segadoes

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